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Mark Rothko était un artiste abstrait américain du milieu du XXe siècle. Bien que Rothko fût un homme très instruit et cultivé, parlant quatre langues, ses talents artistiques étaient en grande partie innés, car il avait reçu très peu de formation en peinture ou en dessin.

Néanmoins, il connut une grande renommée et une reconnaissance critique en tant que membre du premier grand mouvement artistique américain reconnu par le monde de l’art : l’expressionnisme abstrait. Cependant, sa célébrité et sa fortune lui pesaient lourdement. Socialiste convaincu, Rothko croyait que l’art devait être une véritable expression des émotions et des circonstances sociales, et il éprouvait une profonde méfiance envers l’argent et la richesse matérielle.

Sa principale inquiétude était que les gens veuillent acheter ses tableaux parce qu’ils étaient à la mode, et non parce qu’ils en étaient émus. On raconte même qu’il refusait de vendre ses toiles à des personnes qui « ne réagissaient pas correctement » devant ses œuvres. Célèbre pour ses peintures de champs de couleur, également appelées « multiformes », les œuvres de Rothko se vendent aujourd’hui pour des dizaines de millions de dollars et se trouvent dans des galeries et collections privées à travers le monde. Mark Rothko mit fin à ses jours dans son atelier à New York, le 25 février 1970. Il avait 66 ans. Ses œuvres sont également fréquemment reproduites en tirages d’art pour ses nombreux admirateurs.

Influences

À part une brève période d’étude avec le cubiste Max Weber, les capacités artistiques de Rothko étaient essentiellement autodidactes. Cependant, l’influence la plus marquante de Weber sur le jeune étudiant fut de lui révéler un profond désir d’exprimer l’émotion à travers la peinture, ce qui devint la force motrice de son œuvre tout au long de sa vie. Durant ses années de formation, Rothko se tourna vers les œuvres des artistes surréalistes et expressionnistes qui faisaient un usage merveilleux des couleurs, comme le Suisse Paul Klee et le peintre français et fauviste Georges Rouault. Ces premières influences demeurèrent présentes tout au long de sa carrière, et il devint un maître dans l’expression des émotions par la couleur.

Beaucoup des influences de Rothko étaient intellectuelles. Mark croyait qu’il n’y avait plus grand-chose à dire, artistiquement, sur les portraits et les paysages, et qu’il fallait découvrir de nouveaux moyens d’exprimer les choses essentielles de la vie : les sentiments profonds suscités par la montée du nazisme et du fascisme dans le monde, sans oublier la condition humaine dans la société urbaine américaine de l’après-dépression. Ses premières œuvres prirent une forme très enfantine, cherchant à exprimer les émotions les plus simples et fondamentales de la vie de la manière la plus directe possible. Cela donna naissance à sa série « Scenes in the Subway », qui dépeint la monotonie de la vie par un usage rythmique des couleurs et des formes, avec très peu de détails.

Une autre influence intellectuelle importante vint du philosophe Friedrich Nietzsche, notamment de son ouvrage *La Naissance de la tragédie*. L’œuvre de Nietzsche expose l’idée que les mythes grecs constituent les fondations d’une vie pleine de sens, et que sans ces tragédies, l’homme est condamné à une existence ignorante et sans joie. Armé de cette conviction, Rothko chercha à libérer l’homme de sa prison d’être sans expression. Par son art, il tenta de rétablir un cadre spirituel et émotionnel pour la vie moderne. De façon fascinante, son interprétation de cet idéal intellectuel élevé se traduisait par une lumière et des couleurs éclatantes sous toutes leurs formes.

Les débuts réalistes de Rothko

La majorité des œuvres réalistes de Rothko furent réalisées au début de sa carrière, avant qu’il ne se consacre pleinement à l’art, et elles étaient largement surréalistes dans leur nature. Fortement influencé par les idées psychologiques et intrigantes des artistes surréalistes, son tableau *Slow Swirl at the Edge of the Sea* (1944) montre Rothko à son meilleur. Dans cette œuvre émotive, Mark cherche à dépouiller la réalité pour n’en garder que l’essence de l’expérience.

Le résultat est une peinture à la fois légère et joyeuse, tout en offrant un récit clair de la joie d’être au bord de la mer. Le style de Rothko s’éloigna rapidement des thèmes réalistes à mesure qu’il élargissait son vocabulaire visuel vers les couleurs inspirantes des artistes abstraits modernes comme Mondrian, ce qui mena à une expression plus pure de l’émotion — moins de réalisme, mais plus de réalité émotionnelle.

L’expressionnisme abstrait

Au milieu des années 1940, l’œuvre de Rothko devint complètement abstraite. Il rejoignit l’avant-garde du nouveau mouvement américain : l’expressionnisme abstrait. Ce groupe d’artistes américains, parmi lesquels Jackson Pollock, Barnett Newman et Willem de Kooning, partageait peu de points communs et n’était ni purement abstrait, ni purement expressionniste. Ce qui les unissait, c’était un sentiment de rébellion, une émotion brute et la liberté totale d’expression.

Issu à la fois de l’appréciation et du rejet des techniques modernes de l’Europe du début du XXe siècle, comme le surréalisme, le cubisme et le Bauhaus, le terme « expressionnisme abstrait » fut d’abord utilisé à la fin des années 1920 pour décrire le travail du peintre russe Wassily Kandinsky. Il fut ensuite employé pour englober tout style artistique non figuratif suscitant émotion et sensation à travers la couleur et le mouvement.

Beaucoup de ces artistes, dont Rothko, préféraient ne pas donner de titre à leurs œuvres afin de ne pas influencer le spectateur. Ils numérotaient leurs toiles et faisaient confiance à leur pouvoir d’expression. Rothko, en particulier, souhaitait inspirer le spectateur à ressentir et à atteindre une illumination spirituelle sans l’aide des mots.

Les champs de couleur

Dans les années 1950, Rothko atteignit sa maturité artistique avec son style emblématique : la peinture de champs de couleur. Contrairement à certains de ses contemporains, il rejeta les méthodes physiques et parfois violentes d’application de la peinture, préférant une approche plus spirituelle et contemplative. Ces nouvelles toiles étaient composées de grands blocs rectangulaires de couleur, disposés le plus souvent horizontalement sur la toile. Tantôt vives, tantôt atténuées, elles exprimaient toute la gamme des émotions humaines : de la joie et de l’extase à la douleur et à la dépression.

Bien que ses amis aient d’abord pensé que ces œuvres seraient trop radicales pour être comprises du grand public ou des critiques, ils se trompaient. Les œuvres de Rothko étaient bien plus que de simples couleurs : elles étaient lumineuses, organiques, et leurs bords flous semblaient vibrer de vie. Ce travail de génie transcendait la nécessité de représenter des figures ou des paysages, atteignant directement le cœur du spectateur. Rothko avait trouvé son langage artistique, et il continua à l’explorer jusqu’à sa mort en 1970. Ce style purement abstrait reste indissociable de son nom, et ses toiles de champs de couleur atteignent aujourd’hui des prix record aux enchères.

Œuvres les plus importantes

Les peintures de champs de couleur de Rothko sont sans doute les plus reconnaissables, mais pour comprendre pleinement son évolution, il faut aussi considérer ses créations les plus influentes.

Tout d’abord, la série *Scenes in the Subway* reste incontournable parmi ses œuvres réalistes. Elle représente des voyageurs sans visage dans une atmosphère impressionniste, illustrant la monotonie de la vie urbaine new-yorkaise. L’une des plus célèbres de la série, *Entrance to Subway* (1938), montre comment l’artiste pouvait raconter une histoire claire avec peu de détails et des couleurs audacieuses.

Parmi ses œuvres les plus célèbres figurent également les *Murales Seagram*. Commandés par un grand fabricant de boissons pour son nouveau restaurant à New York, *The Four Seasons*, Rothko réalisa une quarantaine de toiles dans des tons sombres de rouge et de brun. Il choisit un format vertical inhabituel, disant vouloir rendre les dîneurs « plus mal à l’aise » pendant leurs repas luxueux.

Cependant, avant l’ouverture, il changea d’avis : fidèle à ses convictions socialistes, il restitua son avance et refusa de participer à un projet destiné à une élite capitaliste. Il retira les œuvres et les conserva dans son atelier. Aujourd’hui, cette collection est dispersée : certaines se trouvent à la Tate Modern de Londres, d’autres au musée Kawamura au Japon, et d’autres encore à la National Gallery of Art de Washington D.C.

Enfin, il faut mentionner l’un de ses derniers projets : la Chapelle Rothko. Située sur le campus de l’Université catholique St. Thomas à Houston, au Texas, cette chapelle constitue l’un de ses travaux les plus aboutis, car Rothko participa à la conception du bâtiment lui-même. Elle comprend quatorze immenses toiles dans des tons de pourpre, bordeaux et noir, largement considérées comme le reflet de la mélancolie de ses dernières années. Malheureusement, Rothko ne vécut pas assez longtemps pour voir la chapelle terminée, mais elle demeure aujourd’hui un témoignage durable de sa vision.

L’héritage de Rothko

Rothko avait pris des dispositions précises pour ses œuvres après sa mort. Il souhaitait tout léguer à sa fondation et créer une école pour encourager de jeunes artistes. Cependant, l’exécution de son testament tourna au scandale : ses exécuteurs trahirent sa confiance et commencèrent à vendre ses tableaux pour leur profit personnel. Sa jeune fille décida alors de les poursuivre en justice et, après sept années de procès, obtint gain de cause et fit restituer les droits à elle et à son frère.

Les exécuteurs furent condamnés pour fraude et durent payer de lourdes amendes. Aujourd’hui, la Fondation Rothko est administrée par ses enfants, conformément à ses souhaits. Même après sa mort, Rothko fit encore parler de lui. Son héritage artistique est immense : jamais un artiste n’avait défié les règles de l’art avec autant de succès. Sa vie et son œuvre ont inspiré des générations d’artistes dans le monde entier.

Non seulement il fut un phare pour ses contemporains, mais son courage a encouragé les créateurs d’aujourd’hui à poursuivre leur propre forme de rébellion artistique. Ses œuvres se trouvent désormais dans les plus grands musées du monde, et il demeure un symbole de l’art moderne et de la liberté d’expression.