Autoportrait en allégorie de la peinture

Autoportrait en allégorie de la peinture est une pièce intrigante d'Artemisia Gentileschi et est également actuellement la seule œuvre d'art de l'époque où elle vivait dans la ville de Londres.

Elle a déménagé dans cette ville pour voir son père, Orazio, qui était membre de la cour de Charles Ier à l'époque. Il avait joué un rôle crucial dans le développement précoce de l'artiste et elle en aurait été particulièrement reconnaissante. Il organiserait une série de tuteurs dans leur maison familiale afin qu'elle apprenne les différentes disciplines nécessaires pour devenir une artiste qualifiée et complète.

À cette époque, elle ne pouvait pas se permettre ses propres modèles et était donc coincée avec les hommes employés par son père ou devait jouer elle-même le rôle de n'importe quelle femme. Certains des éléments dans lesquels les tuteurs se sont spécialisés étaient la perspective et le mélange de couleurs. Ce n'est que lorsqu'elle est sortie de l'ombre de son père qu'elle s'est vraiment développée, à la fois artistiquement mais aussi en tant qu'être humain.

Elle a produit un portrait quelque peu idéaliste d'elle-même car elle aurait été beaucoup plus âgée lorsqu'elle a peint cette scène qu'elle ne semble l'être dans l'œuvre d'art. Dans d'autres autoportraits, elle s'habillait comme des personnages du passé, même si parfois elle était simplement conçue comme elle-même. Cette scène la représente penchée sur son chevalet, touchant délicatement de la peinture sur une grande toile. Cet angle n'aurait pas été possible de peindre à travers des miroirs et elle a donc dû trouver une autre méthode de pose pour cette pièce. Judith décapitant Holopherne (Naples), Judith décapitant Holopherne (Florence).

Elle est également habillée assez élégamment pour quelqu'un qui peint, et aurait-elle vraiment porté des vêtements comme celui-ci pour travailler, en réalité ? Peut-être pas. Gentileschi s'est souvent capturée à l'image des autres dans ses peinturesmais ici a choisi de s'incorporer directement dans la peinture dans une représentation honnête mais légèrement modifiée. Beaucoup ont suggéré qu'elle a utilisé Judith dans plusieurs versions de Judith tuant Holopherne (Naples) comme un moyen de se donner sa propre forme de justice sur une agression historique qui a été bien médiatisée.

Ce tableau peut être décrit à la fois comme un autoportrait mais aussi comme une peinture allégorique, bien que traditionnellement l'art de peindre ait toujours été symbolisé par la figure féminine, ce qui signifie qu'aucun artiste masculin n'aurait pu travailler de cette manière. Cette combinaison de deux genres artistiques différents aide à expliquer pourquoi cette œuvre a fait l'objet de beaucoup plus de discussions par les universitaires que presque toutes les autres de sa carrière.

Le débat principal est de savoir quelle part du contenu et du style est consacrée à la production pure d'un autoportrait, et quelle part représente symboliquement l'art littéral de la peinture. Il y a eu beaucoup de possibilités d'argumenter des deux côtés de ce débat, et peu de réponses sont susceptibles d'apparaître maintenant, tant de siècles se sont écoulés depuis que cette pièce a été produite en 1638-1639 alors que l'artiste séjournait en fait au Royaume-Uni.

L'œuvre serait déclarée à l'inventaire de Charles Ier mais il y aurait confusion quant à sa date, en raison de l'apparence juvénile de l'artiste, alors que l'on croyait qu'elle avait la quarantaine au moment de la réalisation de cette œuvre. Cela a conduit à suggérer que l'artiste avait en fait peint sa propre fille, mais finalement la conclusion a été tirée qu'Artemisia avait simplement choisi de se capturer une décennie plus jeune.

Diverses périodes de recherche depuis lors semblent avoir solidifié cette opinion acceptée et aujourd'hui la pièce est largement datée de 1638-1639 et aussi de la main du même artiste, sans qu'il soit besoin d'une note de bas de page. Une étude technique de l'œuvre a décrit comment elle a utilisé la peinture de manière assez concise et économique dans cette peinture, avec une touche de douceur pour la joaillerie qui rappelle à certains connaisseurs des techniques artistiques plus contemporaines.

On sait également que très peu de modifications ont été apportées au cours du processus de cette œuvre, où l'étude des couches inférieures d'huile peut souvent révéler toutes sortes de décisions de composition prises au fur et à mesure de l'avancement du travail - elle a donc été livrée avec une confiance qui a souligné sa maturité. en tant qu'artiste à ce stade de sa carrière.

"...Une femme, belle, aux cheveux noirs, ébouriffés et tordus de diverses manières, avec des sourcils arqués qui montrent une pensée imaginative, la bouche couverte d'un tissu attaché avec un tissu noué derrière ses oreilles, avec une chaîne d'or à sa gorge d'où pend un masque, et a écrit devant "imitation". Elle tient dans sa main un pinceau, et dans l'autre la palette, avec des vêtements de draperie aux couleurs évanescentes..."

Cesare Ripa

Le tableau fait toujours partie de la collection royale ayant appartenu à l'origine à Charles Ier. Il a reçu de nombreuses critiques pour avoir dépensé des fonds publics pour constituer une collection d'art extraordinaire, mais une grande partie a été vendue après sa mort. Cette peinture réelle est datée de 1638-1639, date à laquelle l'artiste aurait été âgée d'une quarantaine d'années. Elle passera ces mêmes années à Londres mais il n'a pas été possible d'être plus précis que cela pour cette pièce en particulier.

Il est actuellement, au moment de la rédaction de cet article, exposé au palais de Hampton Court, la famille royale possédant une si grande collection d'œuvres qu'il est logique de les prêter assez régulièrement à diverses institutions. Cela garantit que ces pièces de prix peuvent être appréciées par le public et met également la famille elle-même sous un jour plus positif. De nombreux objets de leur collection ont été transmis de génération en génération et ont été payés grâce à la richesse de l'Empire, remontant à des siècles. Dans d'autres cas, il y a même eu des butins de guerre qui ont été acquis, ou des cadeaux de visites royales à l'étranger.

Cette peinture, Autoportrait comme allégorie de la peinture, appartient officiellement au Royal Collection Trust, une organisation chargée d'organiser, de documenter et de préserver la sélection considérable d'œuvres d'art et d'antiquités appartenant à la famille royale britannique. On pense qu'ils ont environ 7 000 peintures à l'huile dans l'inventaire, ainsi que plusieurs milliers d'autres dessins et aquarelles. D'autres articles comprennent des meubles, des horloges anciennes ainsi que des livres et des manuscrits très importants. Cette vaste sélection est ensuite dispersée entre les nombreuses propriétés différentes sous la propriété de la famille, les éléments restants étant ensuite conservés en stockage et parfois tournés entre différents affichages.