Artistes du 20e siècle

Le XXe siècle a entraîné l'évolution d'un certain nombre de mouvements artistiques existants, suivi de l'arrivée de nouvelles approches artistiques révolutionnaires.

C'est une époque d'expérimentations considérables et aussi de mondialisation de l'art, alimentée par les mutations technologiques.

La fin du XIXe siècle a vu les premiers signes de l'art moderne, ou du moins les premiers mouvements artistiques qui annonceront finalement son avènement. Les expressionnistes comme Edvard Munch avaient secoué le monde de l'art avec des œuvres emblématiques comme Scream en 1893 et ​​un certain nombre d'autres jeunes artistes étaient prêts à émerger.

L'Allemagne serait la première et principale plaque tournante de cette nouvelle poussée, bien qu'un certain nombre d'autres artistes puissent être trouvés partout dans le monde, y compris la Belgique, la France, le Royaume-Uni et les États-Unis, dont la plupart ont suivi par la suite.

Les médias modernes feraient tomber les barrières géographiques qui avaient auparavant freiné la diffusion de l'art d'une région à l'autre. La télévision et la photographie ont initié ce changement, l'essor d'internet et des réseaux sociaux accélérant ensuite considérablement les choses.

De nombreuses cultures ont depuis été fusionnées pour former de nouveaux styles d'art, et le monde est devenu un endroit beaucoup plus petit au cours des dernières décennies. À l'avenir, la technologie apportera probablement encore plus de changements, avec la promotion et l'évolution de la réalité virtuelle et de l'intelligence artificielle, qui laisseront probablement un impact durable et inconnu sur la société dans son ensemble.

D'un point de vue plus positif, il n'y a plus les gardiens institutionnels qu'il y avait autrefois dans le monde de l'art, les opportunités étant plus démocratiquement offertes et un esprit d'innovation et de méritocratie se répandant dans le monde de l'art.

Expressionnisme Délivrant émotion artistique et individualisme

L'Europe de la première moitié du XXe siècle était un endroit turbulent et déprimant. La guerre a ravagé le continent, encore plus qu'au cours des siècles précédents, et les artistes ont exigé de nouvelles formes d'art expressives capables de libérer leurs émotions assombries.

Jusqu'au déclenchement de la Seconde Guerre mondiale, les expressionnistes jouaient un rôle majeur dans l'art européen, dirigés par un certain nombre basés en Europe centrale, tels que Wassily Kandinsky , Egon Schiele , Edvard Munch , James Ensor influençant également ce style. Le style de l'expressionnisme consistait à modifier les formes de la réalité afin d'ajouter le propre état émotionnel de l'artiste, conduisant à des représentations étranges et merveilleuses dans des scènes particulièrement uniques à chaque artiste.

En modifiant la réalité, nous nous dirigions lentement vers l'utilisation ultérieure de l'art abstrait , et Kandinsky lui-même a fait la transition au sein de sa propre œuvre. L'art du XXe siècle ne serait plus une représentation fidèle de la réalité, mais plutôt une liberté d'expression à laquelle les artistes aspirent depuis des siècles.

Le cubisme poursuit la transition vers l'abstraction

Les représentations fractales du paysage français et des natures mortes de Paul Cézanne ont inspiré le mouvement cubiste apparu au début du XXe siècle. Les principaux représentants de ce style passionnant étaient Pablo Picasso, Georges Braque, Juan Gris et Fernand Léger . Bien qu'elle ne dure que quelques décennies, l'ère cubiste a évolué vers un certain nombre de sous-genres qui se sont concentrés sur différents contenus, tels que le portrait et la nature morte, tout en trouvant des moyens innovants d'expérimenter l'angle, la forme et la couleur.

Des exemples de cela comprenaient le proto-cubisme, le cubisme de cristal et le tubisme. Tout en étant une force dominante dans cette courte période, le cubisme était également très important dans les autres mouvements inspirés par ses innovations, notamment l'orphisme, le futurisme, le suprématisme, Dada, le constructivisme, le purisme et l'art abstrait plus généralement.

Certains des artistes cubistes les plus célèbres continueraient dans ce style tout au long de leurs années restantes, tandis que d'autres, comme Pablo Picasso, continueraient à innover dans d'autres styles afin de garder leur production fraîche et de rester à la pointe.

Le fauvisme apporte un choc des couleurs

Les Fauves étaient un autre groupe important d'artistes à émerger au début du XXe siècle. L'étiquette qui leur a été attribuée, se traduisant par Wild Beasts, était entièrement péjorative, ce qui soulignait le style controversé de leur travail. La couleur était l'ingrédient crucial du fauvisme, et son utilisation était plus importante que tout autre aspect de leur travail technique, la plupart de ses représentants choisissant des tons vifs et fortement contrastés qui ne correspondaient pas toujours à la réalité.

Les noms clés de ce groupe comprenaient André Derain, Maurice de Vlaminck et Henri Matisse , et la majorité de leur contenu était axé sur les paysages, les paysages urbains et les portraits. Alors que les universitaires se sentaient mal à l'aise avec leurs palettes de couleurs discordantes, le public s'est réchauffé à ce mouvement bref mais influent.

Le surréalisme combine le subconscient avec l'art visuel

Le surréalisme est apparu dans le deuxième quart du XXe siècle et a offert quelque chose de vraiment unique à la scène artistique européenne. Cette forme d'art se répandrait très loin, devenant véritablement un phénomène mondial qui a également eu un impact sur une grande variété de médiums, notamment la peinture, la sculpture, le cinéma et le théâtre. À la base se trouvait le réarrangement des éléments dans un ordre qui défiait la logique ou les attentes et les surréalistes utilisaient régulièrement la philosophie comme base de leur travail.

André Breton, Max Ernst , René Magritte et Salvador Dalí figuraient parmi les chefs de file de ce groupe organisé , ainsi que de nombreux autres noms célèbres travaillant en marge de ce mouvement révolutionnaire. Comme ce fut le cas pour de nombreux mouvements artistiques organisés qui publiaient leurs propres manifestes, tout contrôle appliqué conduirait rapidement à des disputes entre ses membres créateurs.

L'instabilité en Europe à cette époque a également rendu plus difficile le maintien du mouvement, avec l'apparition rapide d'un certain nombre de sous-genres dérivés. Il y avait une forte idéologie politique de gauche à la base du surréalisme , mais c'était assez courant dans la plupart des nouveaux mouvements artistiques européens, et ceux qui avaient des croyances opposées auraient tendance à travailler de manière indépendante, tout comme c'est encore le cas aujourd'hui.

L'expressionnisme abstrait évolue La spontanéité dans l'art abstrait

L'expressionnisme abstrait s'est appuyé sur le travail de Wassily Kandinsky, ainsi que sur les techniques automatisées des surréalistes, pour donner à l'art américain un important mouvement local qui date des années 1940. Les bouleversements en Europe causés par la Seconde Guerre mondiale ont encouragé un certain nombre d'artistes majeurs à déménager aux États-Unis et, au fil du temps, cela a contribué à faire passer le centre mondial de l'art de Paris à New York.

Cette exposition accrue a permis aux représentants de l'expressionnisme abstrait de prendre de l'ampleur plus rapidement, les marchands et les galeries aidant à promouvoir leur travail. La plupart des œuvres de l'expressionnisme abstrait seraient livrées dans un style actif, où la peinture pourrait être jetée ou appliquée de manière lâche sans trop de pertinence par rapport à la réalité.

Les peintures au goutte-à-goutte de Jackson Pollock en sont un exemple bien connu, les peintures murales de Rothko fournissant également une expression sous une forme abstraite. Parmi les autres noms notables de ce groupe figuraient Willem de Kooning et Barnett Newman. Fondamentalement, ce mouvement a marqué la montée des États-Unis de suivre dans l'ombre de l'art européen pendant si longtemps, en tant que simple imitateur, pour ouvrir maintenant la voie avec ses propres innovations.

Le Pop Art allie culture populaire et art

Le Pop Art est apparu juste après la Seconde Guerre mondiale et a offert quelque chose de très différent à la scène artistique britannique et américaine. Il a embrassé la culture de masse d'une manière audacieuse qui l'a immédiatement opposée aux formes d'art traditionnelles, mais s'est rapidement développée dans le monde occidental. La publicité et les dessins animés ont le plus influencé son contenu, Andy Warhol devenant le contributeur le plus célèbre avec ses sérigraphies qui capturaient des célébrités célèbres et des produits de tous les jours de manière contemporaine et illustrative.

Roy Lichtenstein a adopté les dessins animés dans son travail, et il y avait aussi des approches alternatives de Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Eduardo Paolozzi et Richard Hamilton. L'essor de la télévision et de la publicité mondiale a contribué à diffuser ces idées dans le monde entier, le Pop Art devenant un phénomène mondial qui continue d'évoluer aujourd'hui.

L'art conceptuel favorise l'idée plutôt que la méthode de production

L'essor de l'art conceptuel dans les années 1960 a promu l'importance de l'idée derrière une œuvre, permettant aux artistes de former ces idées de la manière qu'ils jugeaient appropriée. Dans certains exemples, le concept peut être un ensemble de plans, permettant à quiconque de créer lui-même l'œuvre d'art physique, à condition de suivre les instructions d'origine. Cela a souligné la transition de l'art moderne loin des disciplines traditionnelles de la peinture, de la sculpture et de l'architecture vers un paysage beaucoup plus ouvert dans lequel les méthodes de production sont moins importantes.

Dans une marque de la façon dont l'art du XXe siècle commençait à diverger de celui des siècles précédents, nous commencerions également à voir les deux types exposés séparément, avec des galeries d'art moderne installées dans des lieux alternatifs. Une grande partie de ce nouvel art a été ridiculisé par les critiques, sans surprise, mais il recevrait un solide soutien financier de la part de galeries et de collectionneurs de niche, aidant à attacher des valorisations importantes au travail de ses principaux représentants tels que Marcel Duchamp et Solomon LeWitt, avant que plusieurs autres vagues ne surviennent. apparaissent dans les dernières parties du XXe siècle.

Le graffiti et le street art amènent l'art dans les espaces publics

L'essor du street art a permis aux artistes de tous horizons de s'exprimer, ce qui a permis à la portée de l'art de s'étendre bien au-delà des cercles étouffants de la société des classes supérieures et moyennes. Les premières vues sur l'art du graffiti contrastaient entre sa capacité à donner des opportunités à des artistes talentueux qui rencontraient des obstacles liés à leur statut socio-économique, tandis que d'autres y voyaient simplement du vandalisme.

Certaines de ces perceptions se sont estompées après qu'un certain nombre de graffeurs ou d'artistes de rue de haut niveau ont pris de l'importance, aidant à convaincre les opposants de sa valeur intrinsèque. Ceux-ci comprenaient l'artiste américain Jean-Michel Basquiat, et bien plus tard le travail de l'artiste britannique Banksy. La politique et l'activisme social sont devenus une partie importante du mouvement, et nombre de leurs œuvres contiendraient des références à ces thèmes, bien que la politique de gauche ait déjà prévalu dans l'art pendant de nombreux siècles, juste avec différents moyens d'expression. L'art de rue sert de parapluie qui comprend l'art du graffiti aux côtés de la sculpture publique et d'autres installations extérieures.