Artistes de réalisme

Les artistes du réalisme ont combiné des représentations de la vie réelle avec des compétences techniques impressionnantes, ce mouvement se répandant dans le monde entier et s'étalant sur plusieurs siècles.

Introduction à l'art du réalisme

Le réalisme était un mouvement artistique qui visait à décrire avec précision et réalisme le monde réel, plutôt que d'en donner la propre version éditée par un artiste. Le réalisme vise à représenter la réalité aussi fidèlement que possible, mais le terme lui-même est principalement utilisé pour désigner une période particulière de la seconde moitié du XIXe siècle . Les artistes extérieurs à cette époque qui ont travaillé de la même manière ne peuvent donc pas être inclus dans le groupe.

De plus, le mouvement artistique du réalisme avait un contenu particulier sur lequel il se concentrerait normalement, la vie des gens ordinaires étant la plus courante. Une représentation honnête de l'homme ordinaire, souvent au travail acharné, figurerait dans ces représentations intéressantes et les peintures de réalisme continuent de nous donner un excellent aperçu visuel de la vie au 19ème siècle dans une variété de nations différentes. La France était la plaque tournante d'origine du réalisme, mais elle s'est ensuite étendue à d'autres nations européennes, ainsi qu'aux États-Unis.

Liste des artistes célèbres du réalisme

Nous avons dressé une liste des artistes réalistes les plus célèbres du monde entier, fournissant des résumés de leur carrière ainsi qu'un certain nombre d'images de leur travail. Le réalisme reste populaire aujourd'hui, en partie en raison de la précision du travail technique, mais aussi de son accent sur la vie ordinaire, nous permettant de remonter dans le temps avec certaines des représentations visuelles étonnantes qui sont incluses ci-dessous. Le XIXe siècle a également été une période de changements majeurs en Europe, et une partie de cette évolution peut être vue dans les différentes peintures présentées dans cet article.

Le réalisme reste une partie importante de l'art européen du XIXe siècle, bon nombre des noms énumérés ci-dessous étant considérés comme parmi les contributeurs les plus importants de toute cette période. Leurs peintures restent dans nos pensées malgré l'impact d'autres mouvements à cette époque tels que l'art académique, l'impressionnisme et le post-impressionnisme vers le tournant du siècle.

Gustave Courbet

Gustave Courbet était un individu très rebelle avec une personnalité passionnée qui a conduit son désir de rejeter les méthodes de l'art académique. Il avait des valeurs socialistes qui l'ont amené à se concentrer sur les gens ordinaires dans ses peintures, plutôt que de rechercher plus facilement le succès en dépeignant les riches et les célèbres. Son intégrité encouragera plus tard d'autres personnes à rejoindre le groupe informel connu sous le nom d'artistes du réalisme, et le style obtiendra le soutien du public au fil du temps.

On voit l'artiste à son plus expressif dans un autoportrait connu sous le nom de Le Désespéré , mais ses autres peintures célèbres étaient plus conformes au contenu du réalisme, avec des scènes de la classe ouvrière, normalement dans les zones rurales. Le détail et la précision de son travail ne pouvaient jamais être ignorés, et d'autres faits saillants comprenaient Un enterrement à Ornans , The Stone Breakers et Bonjour, Monsieur Courbet .

Autoportrait (Le Désespéré) de Gustave Courbet

Un enterrement à Ornans de Gustave Courbet

Les Casseurs de pierres de Gustave Courbet

Ilya Repin

Ilya Repin était un artiste de réalisme russe hautement qualifié dont la carrière a culminé vers la fin du 19e siècle. Il a réalisé des portraits d'un certain nombre de personnages célèbres, mais on se souvient surtout de ses grandes toiles qui ont fourni des représentations complexes de la vie professionnelle des Russes ordinaires. Certains des faits saillants comprenaient les transporteurs de barges sur la Volga , la procession religieuse dans la province de Koursk , tandis qu'Ivan le Terrible et son fils Ivan ont fourni une interprétation puissante des événements historiques.

Le réalisme russe a acquis une forte dynamique tout au long du XIXe siècle, cette nation contribuant à bon nombre des principaux représentants, ne dépassant que la France. Les changements politiques en Russie ont également rendu ce type de contenu tout à fait approprié et ont aidé les Européens occidentaux à mieux comprendre la vie quotidienne des Russes qu'ils ne rencontreraient pas dans leur propre vie. Ils auraient également été très impressionnés par les qualités techniques de ces peintres qui recréaient les détails avec une précision et une honnêteté extraordinaires.

Barge Haulers sur la Volga par Ilya Repin

Procession religieuse dans la province de Koursk par Ilya Repin

Ivan le Terrible et son fils Ivan par Ilya Repine

Edward Hopper

Edward Hopper reste l'un des artistes américains les plus célèbres et a produit des scènes atmosphériques uniques à sa seule carrière. Hopper a évoqué la solitude de la vie moderne et présentait généralement des personnages célibataires contemplant la vie par eux-mêmes. Même ses peintures de groupe contenaient encore des éléments de séparation du reste de la société, Nighthawks devenant l'une des peintures américaines les plus célèbres de tous les temps. Il y avait aussi d'autres œuvres bien connues telles que Morning Sun , Chop Suey et Gas .

Hopper était un dessinateur talentueux qui dépeignait également certaines des mêmes scènes à l'aide d'un crayon et d'une craie, et a peut-être trouvé un état d'esprit relaxant en couvrant un contenu comme celui-ci. On peut immédiatement sentir qu'il fait partie de ses scènes, alors que nous en observons d'autres en train de contempler la vie, et certains pourraient se rappeler la peinture romantique classique de Friedrich , à savoir Wanderer au-dessus de la mer de brouillard , où nous voyons quelqu'un regarder au loin - potentiellement, cela pourrait avoir été une influence sur Hopper, même si son style de réalisme était quelque peu différent du maître allemand classique.

Les engoulevents d'Edward Hopper

Chop Suey d'Edward Hopper

Automate d'Edward Hopper

Winslow Homer

Winslow Homer était un peintre américain impressionnant dont on se souvient surtout pour un certain nombre d'œuvres d'art de paysages marins, dont chacune comprenait des représentations figuratives de la vie sur la mer. Les faits saillants comprenaient Snap the Whip , Breezing Up et The Fog Warning , Homer remportant du succès à travers les États-Unis alors que sa réputation montait en flèche. Il voulait que les artistes locaux soient traités avec respect, car auparavant, beaucoup à travers le pays s'étaient instinctivement concentrés sur les artistes européens. À la fin du XXe siècle, cette direction d'influence s'était entièrement inversée, les artistes contemporains européens cherchant désormais à s'inspirer de l'Amérique.

Le travail d'Homère a touché Cape Ann, Massachusetts, et Prouts Neck, Maine, ses peintures contribuant à promouvoir la beauté de ces régions, dont bon nombre de leurs qualités sont encore intactes aujourd'hui. Il avait travaillé pendant la guerre civile américaine, ce qui est peut-être la raison pour laquelle il s'est intéressé à la vie des gens ordinaires, et après la fin de la guerre, il a choisi de capturer le temps libre à la place, ce qui a apporté une vision plus lumineuse et plus positive de son travail.

Breezing Up (A Fair Wind) de Winslow Homer

L'avertissement de brouillard par Winslow Homer

Le filet à harengs de Winslow Homer

Thomas Eakins

Thomas Eakins était un artiste américain influent spécialisé dans le portrait et la peinture de paysage. Eakins aimait expérimenter l'éclairage, réalisant des portraits en extérieur, drapés de lumière vive, ainsi que des décors intérieurs dans lesquels l'arrière-plan serait entièrement noirci. La photographie était une forme d'art expérimentale pour cet artiste, et il l'a utilisée pour étudier le mouvement qui pourrait aider ses peintures à l'huile. Beaucoup pensent qu'Eakins a été l'artiste le plus important du réalisme américain, et son travail a aujourd'hui une valeur considérable.

Afin de compléter ses revenus tout en expérimentant des théories artistiques, Eakins a accepté de prendre en charge un certain nombre de commandes de portraits de haut niveau qui ont maintenu sa réputation dans une position de premier plan et lui ont fourni suffisamment de fonds pour qu'il puisse également essayer des idées moins rentables. Son travail a depuis été collectionné par un certain nombre d'institutions artistiques majeures à travers les États-Unis, qui ont apprécié sa contribution à l'évolution de l'art américain.

Max Schmitt dans un skiff par Thomas Eakins

Portrait de Maud Cook par Thomas Eakins

James Tissot

James Tissot était un charmant peintre français dont le style présentait certaines similitudes avec le mouvement du réalisme. Il aimait capturer des scènes de la vie quotidienne dans son travail, mais sa concentration sur les niveaux supérieurs de la société le séparerait des autres artistes répertoriés dans cet article. Ses peintures ont capturé de belles femmes profitant de leurs loisirs et ont rapidement trouvé un marché important dans toute l'Europe. Tout en se concentrant sur les classes moyennes et supérieures, Tissot a fourni un travail technique précis, là où le lien avec le réalisme est le plus fort.

Plus tard dans sa carrière, Tissot a capturé un certain nombre de scènes basées sur la vie du Christ qui ont introduit une nouvelle sphère de travail dans son œuvre et ont suggéré une polyvalence qui était auparavant perdue. Tissot était un maître de l'art figuratif, et son inclusion de la mode haut de gamme rendait ses peintures très désirables, correspondant aux intérêts de la plupart des grands collectionneurs en France à l'époque. Il voyagera également ailleurs sur le continent afin d'observer certains des styles alternatifs que l'on trouve dans les pays voisins.

Le banc de jardin de James Tissot

Les vacances de James Tissot

Jean-François Millet

Jean-François Millet a couvert la vie des paysans locaux dans la France rurale, dans le cadre de son rôle à l'école de Barbizon. Ce contenu et la nature réaliste de son travail l'ont immédiatement fait entrer dans le mouvement artistique du réalisme. The Gleaners et The Angelus ont montré la réalité de la vie dans les champs et ont également aidé les personnes des niveaux supérieurs et plus urbains de la société à comprendre ces individus travailleurs et honnêtes qu'ils ne rencontraient peut-être pas dans la vraie vie. Les personnages de ses scènes seraient utilisés comme points focaux principaux de chaque composition.

L'école de Barbizon était un groupe influent qui partageait bon nombre des mêmes valeurs que le groupe plus large du réalisme, mais était très spécifique à l'art français. Le parapluie général de l'art du réalisme a été inspiré par une évolution loin de l'art académique français, mais s'est ensuite étendu à la Russie, aux États-Unis et à un certain nombre d'autres nations européennes importantes. Il est également allé plus loin que de se concentrer uniquement sur les travailleurs pauvres, mais il a toujours considéré une tendance commune en son sein.

Les Glaneuses de Jean-François Millet

L'Angélus de Jean-François Millet

Rosa Bonheur

Rosa Bonheur était une artiste réaliste française et l'une des rares artistes féminines à figurer dans cet article. Elle a surmonté des obstacles considérables pour réussir avec ses peintures animalières, qui se concentraient principalement sur la vie dans la France rurale. L'artiste était particulièrement doué pour les peintures de chevaux , ainsi que d'autres animaux communs tels que les vaches et les taureaux. Elle a fait des copies d'artistes animaliers des siècles précédents avant de visiter les fermes de sa région, d'étudier en personne leurs structures anatomiques et leurs mouvements. Grâce à la pratique et à l'observation, Bonheur a pu atteindre un niveau de précision incroyable et a attiré l'attention sur son travail, bien qu'il se trouve dans un créneau relativement petit.

Bonheur vivait également ouvertement en tant que lesbienne, fournissant un autre aspect important dans l'évolution de l'art et aidant à ouvrir des portes aux générations futures de femmes de tous horizons. Son travail peut se suffire à lui-même sur la qualité, et elle est considérée comme une peintre techniquement impressionnante qui a produit un travail supplémentaire pour compléter le mouvement global du réalisme. Sa réputation a augmenté ces dernières années, les artistes féminines bénéficiant d'une plus grande visibilité pour leur travail comme moyen d'écrire les torts du passé par les institutions artistiques à travers l'Europe.

The Horse Fair by Rosa Bonheur

Ploughing in the Nivernais by Rosa Bonheur

Changing Pastures by Rosa Bonheur

Honoré Daumier

Honoré Daumier a créé un grand nombre de scènes intimes de la population locale, normalement dans des endroits faiblement éclairés. Il était également un graveur de talent, réussissant des caricatures et des sculptures insolites. Il y avait aussi des gravures et des lithographies, nous offrant une œuvre énorme qui se composait de milliers d'œuvres. De nombreuses peintures de Daumier transmettraient des messages sociaux et politiques, dans un style qui ressemblait aux travaux antérieurs de Francesco de Goya et de ses peintures noires . Les critiques n'ont pas afflué vers son travail, mais les jeunes générations d'artistes, en particulier ceux du groupe impressionniste, ont trouvé beaucoup à apprendre d'ici.

Daumier fut au cour de la polémique, autrefois accusé d'avoir insulté le Roi par une caricature peu flatteuse. Incroyablement, il a été contraint de purger six mois de prison pour ce crime, et il semblait peu probable que de grands collectionneurs veuillent être associés à lui après ce point. Son héritage a été établi par des artistes ultérieurs qui admiraient son travail et louaient ouvertement ses réalisations, c'est ainsi que beaucoup ont aujourd'hui tendance à trouver sa carrière.

Les joueurs d'échecs d'Honoré Daumier

Adolph Menzel

Adolph Menzel était un peintre réaliste allemand avec une grande variété de contenus dans son œuvre. Menzel était particulièrement habile dans son utilisation de la lumière et était capable de produire des scènes d'intérieur atmosphériques qui figuraient parmi ses meilleures œuvres. Il y avait aussi un grand nombre de paysages et de peintures d'histoire, ainsi qu'une approche unique de la composition qui a permis à ses peintures de se démarquer. Son travail a également été parfois comparé à l'impressionnisme, car il serait faux de le qualifier de typique du mouvement du réalisme, et était plutôt fortement lié à celui-ci.

Menzel possédait des compétences techniques impressionnantes qui s'étendaient à différents types de contenu, et il était accompli dans la peinture d'architecture, le travail figuratif, les portraits à hauteur d'épaule et les paysages complexes. Il pouvait aussi susciter l'intérêt avec de simples scènes de la vie domestique, sans même aucune implication humaine et reste l'un des artistes allemands les plus célèbres du XIXe siècle, mais aussi l'un des plus difficiles à catégoriser.

Salon avec la soeur de l'artiste par Adolph Menzel

Procession du Corpus Christi à Hofgastein par Adolph Menzel

Jour de semaine à Paris par Adolph Menzel

Jean-Baptiste-Camille Corot

Corot présentait régulièrement la paysannerie dans ses peintures, s'étant éloigné d'une carrière dans les affaires au milieu de la vingtaine. Il incorporera également des éléments de l'impressionnisme et de l'art néo-classique dans son travail, mais l'abondance de paysages et d'œuvres figuratives l'a conduit à être classé dans le mouvement du réalisme. Beaucoup de ses portraits capturaient la population locale en milieu rural, comme la lecture dans un champ. Corot a également connu le succès en tant que graveur et a passé du temps à voyager en Italie, où une autre série de peintures de paysages a été inspirée.

Le pont de Narni de Jean-Baptiste-Camille Corot

Édouard Manet

Édouard Manet a travaillé dans le style Réalisme au début de sa carrière, sans doute influencé par ses membres qui connaissaient un grand succès dans l'art français à cette époque. Il a produit un certain nombre de pièces remarquables de cette manière, mais au fil du temps, il passerait lentement à une manière plus impressionniste, et c'est pour cela qu'il est le plus connu aujourd'hui. Manet s'est d'abord concentré sur les personnalités de la communauté marginale dans son travail, ce qui convenait à l'approche du réalisme, une pièce notable étant The Absinthe Drinker . Manet était clairement intéressé par la vie des gens ordinaires, mais après un certain nombre d'années, il a commencé à se concentrer sur les classes moyennes et supérieures.

Manet a continué à élargir son œuvre, en prenant des peintures d'histoire de batailles célèbres, de nombreuses scènes de cafés et de bars, ainsi que de charmants portraits de membres de sa propre famille. La plupart continuent de le considérer comme un membre clé du mouvement impressionniste, mais il était bien plus que cela en vérité et était très mémorable pour ses portraits en pied qui ont été réalisés dans une variété de couleurs plus vives et plus sombres.

Le buveur d'absinthe d'Edouard Manet

James Abbott McNeill Whistler

Whistler faisait partie du mouvement tonaliste mais a peint à la manière du réalisme dans les années 1850, alors qu'il vivait à Londres. À cette époque, le réalisme était dominant sur la scène artistique de la ville, sous l'influence directe des peintres français. Whistler aurait été dans la mi-vingtaine à ce stade, et au fur et à mesure que sa carrière se développait, il est passé du réalisme. Les tons sombres, cependant, ont persisté tout au long de son œuvre, à l'exception de quelques exemples occasionnels tels que son travail dans The Peacock Room .

Au piano de Whistler

George Bellows

George Bellows était un membre clé du mouvement de réalisme américain et a parfaitement capturé la vie urbaine en Amérique au début du XXe siècle. Bellows a également produit un grand nombre de scènes de paysages et de portraits et avait un style unique qui était contemporain dans son application de peinture. Dempsey and Firpo, conservé au Whitney Museum of American Art, est probablement le tableau de boxe le plus célèbre de tous les temps et représente le désir de l'artiste d'aborder une variété de contenus tout au long de sa carrière. Bien qu'il n'ait vécu qu'au début de la quarantaine, la nature productive de cet artiste l'a aidé à acquérir une renommée considérable aux États-Unis, qui s'est ensuite étendue à l'Europe après son décès.

Dempsey et Firpo de George Bellows

Anders Zorn

Des peintures telles que Summer Fun d' Anders Zorn captureraient la beauté et la tranquillité du paysage scandinave. Zorn a combiné des éléments d'impressionnisme et de réalisme pour livrer des œuvres d'art détaillées et étonnantes, y compris de nombreux portraits, autoportraits et œuvres figuratives. Zorn a également fait partie d'une période de succès dans cette région au tournant du siècle, qui comprenait également un certain nombre d'artistes de Finlande, du Danemark et de Norvège, aux côtés de sa Suède natale.

Plaisirs d'été par Anders Zorn

Albert Edelfelt

Albert Edelfelt était un artiste finno-suédois du réalisme et l'un des nombreux artistes importants du réalisme venus de Finlande dans la seconde moitié du XIXe siècle. Il aimait capturer la vie des populations locales et couvrait une variété de classes sociales, apportant une grande variété à son travail. Il y aurait des gens qui travaillaient dur, comme c'était typique pour le mouvement, mais aussi d'autres qui profitaient de leurs loisirs, ainsi que des fidèles. Ses représentations avaient tendance à être basées sur l'extérieur, avec une abondance de lumière et de détails, donnant vie à ces temps passés d'une manière qu'aucun autre mouvement artistique ne pourrait réaliser de la même manière.

La Russie était un endroit populaire pour le réalisme à cette époque, et Edelfelt a été tenté à travers le pays avec un certain nombre de commandes qui ont contribué à élargir sa réputation. Il n'était plus seulement un peintre domestique finlandais. Cela dit, la majeure partie de son succès est venue de ses voyages à travers la Finlande, en observant la magnifique campagne et ses habitants. Cette curiosité n'a jamais quitté l'artiste, menant à une abondance de paysages, de portraits et de récits détaillés de la vie quotidienne à travers cette nation variée.

Le Jardin du Luxembourg, Paris par Albert Edelfelt

Garçons jouant sur le rivage par Albert Edelfelt

La fille au râteau d'Albert Edelfelt

Helene Schjerfbeck

Helene Schjerfbeck était une peintre finlandaise liée au mouvement du réalisme. Elle a produit un grand nombre de scènes domestiques, reflétant peut-être le rôle des femmes dans la société à ce moment-là. Il y avait une honnêteté et une précision dans son travail qui étaient typiques du réalisme, et elle couvrait également la vie des femmes plus fréquemment que la plupart de ses homologues masculins ne le feraient. On peut établir des comparaisons avec des femmes impressionnistes telles que Morisot et Cassatt à cet égard, mais aujourd'hui, Schjerfbeck est considérée comme une artiste éminente et hautement qualifiée à part entière, son sexe n'étant qu'un aspect supplémentaire de ses réalisations et de son style artistique.

Mère et enfant par Helene Schjerfbeck

Pekka Halonen

Pekka Halonen était un autre peintre finlandais à succès dont le style était étroitement lié au mouvement artistique du réalisme. Des exemples tels que Pionniers en Carélie, que vous trouverez ci-dessous, dépeignent honnêtement la vie en Finlande vers la fin du 19ème siècle. La plupart de ses scènes étaient basées à l'extérieur, capturant la beauté du paysage finlandais, ainsi que les activités menées par la population locale, tant au travail que pendant les loisirs. L'artiste reste une attraction majeure au sein des collections permanentes d'un certain nombre de galeries d'art et de musées nationaux de premier plan, et les détails trouvés dans son travail ont assuré une popularité continue jusqu'à nos jours.

Pionniers en Carélie par Pekka Halonen

Jules Bastien-Lepage

Dans la dernière partie du mouvement du réalisme, une ramification apparaîtra qui deviendra connue sous le nom de naturalisme. Jules Bastien-Lepage était un peintre français qui y obtint un succès considérable, et des exemples tels qu'Octobre 1878, présentés ci-dessous, donnent une indication du lien entre les deux mouvements. Malgré la nature humble des sujets de l'artiste, souvent capturés dans de simples vêtements de style rural, il permettait également à la lumière d'inonder ses scènes, ce qui évitait de créer une ambiance négative dans ses peintures. Il avait tendance à se concentrer sur des portraits individuels ou des œuvres intimes avec seulement quelques personnages plutôt que sur des arrangements plus complexes.

Octobre 1878 de Jules Bastien-Lepage

Jules Breton

Jules Breton était un artiste naturaliste français du XIXe siècle qui a produit un certain nombre de superbes peintures au coucher du soleil qui ont capturé une image romantique des travailleurs pauvres de la France rurale. En règle générale, l'artiste capturait des portraits figuratifs d'un petit groupe de personnages travaillant dans les champs, avec un fond uni assis derrière, combiné à une utilisation dramatique de l'éclairage. Le contenu est parfaitement adapté au mouvement du réalisme, mais ses méthodes techniques ont combiné plusieurs influences différentes pour créer une œuvre vraiment unique qui s'est répandue dans les collections permanentes d'un certain nombre de galeries d'art et de musées français notables.

La fin de la journée de travail de Jules Breton

Vasily Surikov

Vasily Surikov était un peintre d'histoire dont le style précis rappelait à beaucoup le mouvement du réalisme, qui était également important dans l'art russe à cette époque. Son utilisation de scènes complexes sur d'immenses toiles, avec de grandes collections de personnages en vêtements traditionnels, a attiré une forte clientèle et a été jugée tout à fait adaptée à l'art du XIXe siècle. Les scènes militaires ont inspiré un certain nombre de peintures, ainsi que d'autres événements dramatiques dans lesquels des émotions pouvaient être naturellement incorporées dans chaque œuvre, souvent sur un grand nombre de personnages.

Boyarina Morozova de Vasily Sourikov

Illarion Pryanishnikov

Illarion Pryanishnikov a aidé à former le groupe russe d'artistes du réalisme connu sous le nom de Peredvizhniki. Il a produit de grandes toiles remplies de dizaines de personnages, capturant des événements historiques et des scènes de la classe ouvrière dans les régions rurales. Beaucoup de ses peintures étaient à couper le souffle et représentent les qualités considérables trouvées dans l'art russe vers la fin du 19ème siècle. Son utilisation de la composition et de la perspective a également donné un aspect plus dynamique à nombre de ces pièces complexes.

Procession de Pâques par Illarion Pryanishnikov

Konstantin Savitsky

Konstantin Savitsky était un peintre de réalisme russe de Taganrog qui a produit un certain nombre de peintures figuratives très complexes qui capturaient la vie dans le pays à cette époque. L'accent serait toujours mis sur les classes ouvrières et inférieures de la société, donnant un élément d'éducation historique à ces œuvres d'art impressionnantes. Son souci du détail était extraordinaire et peu de gens chercheraient à reproduire son travail à la main en raison du temps nécessaire pour des projets aussi complexes. L'avantage de cette approche est que ses peintures peuvent retenir notre attention pendant une période prolongée, offrant continuellement quelque chose de nouveau à chaque fois que nous les observons.

Réparer le chemin de fer par Konstantin Savitsky

Ivan Shishkin

Ivan Shishkin était un peintre russe du 19ème siècle qui est apparu dans les premiers stades du réalisme russe. C'était un peintre paysagiste qui pouvait reproduire la nature avec un niveau de précision incroyable, et la plupart de ses scènes étaient dépourvues d'activité humaine, donnant à ses peintures une atmosphère plus détendue qu'avec certains des autres artistes mentionnés dans cet article. Shishkin aimait particulièrement les arbres dans ses œuvres et maîtrisait brillamment ce sujet, également capable de les reproduire dans diverses conditions d'éclairage.

Pluie dans une forêt de chênes par Ivan Shishkin