Künstler der 20. Jahrhunderts

Das 20. Jahrhundert brachte die Entwicklung einer Reihe bestehender Kunstrichtungen mit sich, gefolgt von der Entstehung neuer und bahnbrechender künstlerischer Ansätze.

Es war eine Zeit umfangreicher Experimente und auch der Globalisierung der Kunst, vorangetrieben durch den technologischen Wandel.

Im späten 19. Jahrhundert gab es die ersten Anzeichen der modernen Kunst oder zumindest die ersten künstlerischen Bewegungen, die letztendlich ihre Ankunft ankündigten. Expressionisten wie Edvard Munch hatten die Kunstwelt mit ikonischen Werken wie Scream im Jahr 1893 erschüttert, und eine Reihe anderer junger Künstler standen kurz vor dem Aufstieg.

Deutschland wäre der früheste und wichtigste Knotenpunkt für diesen neuen Vorstoß, obwohl es auf der ganzen Welt eine Reihe anderer Künstler zu finden gab, darunter Belgien, Frankreich, Großbritannien und die USA, von denen die meisten später folgten.

Die modernen Medien würden geografische Barrieren niederreißen, die zuvor die Verbreitung der Kunst von einer Region in eine andere behindert hatten. Fernsehen und Fotografie haben diesen Wandel eingeleitet, mit dem Aufkommen des Internets und der sozialen Medien hat er die Dinge dann noch deutlich beschleunigt.

Seitdem haben sich viele Kulturen zu neuen Kunststilen zusammengeschlossen und die Welt ist in den letzten Jahrzehnten viel kleiner geworden. Mit Blick auf die Zukunft wird die Technologie wahrscheinlich noch mehr Veränderungen mit sich bringen, mit der Förderung und Weiterentwicklung der virtuellen Realität und der künstlichen Intelligenz, die beide wahrscheinlich dauerhafte und unbekannte Auswirkungen auf die Gesellschaft als Ganzes haben werden.

Aus einer positiveren Perspektive betrachtet gibt es in der Kunstwelt nicht mehr die institutionellen Torwächter, die es einst gab, die Möglichkeiten werden demokratischer gewährt und in der Kunstwelt breitet sich ein Geist der Innovation und Meritokratie aus.

Expressionismus vermittelt künstlerische Emotionen und Individualismus

Europa war in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts ein turbulenter, deprimierender Ort. Der Krieg verwüstete den Kontinent noch stärker als in früheren Jahrhunderten, und Künstler brauchten neue ausdrucksstarke Kunstformen, die ihren dunklen Gefühlen freien Lauf lassen konnten.

Bis zum Ausbruch des Zweiten Weltkriegs spielten die Expressionisten eine wichtige Rolle in der europäischen Kunst, angeführt von einigen in Mitteleuropa ansässigen Künstlern wie Wassily Kandinsky , Egon Schiele und Edvard Munch , wobei auch James Ensor diesen Stil beeinflusste. Im Stil des Expressionismus ging es vor allem darum, Formen von der Realität abzuwandeln, um den eigenen Gefühlszustand des Künstlers hervorzuheben, was zu seltsamen und wunderbaren Darstellungen in Szenen führte, die für jeden Künstler besonders einzigartig waren.

Indem wir die Realität veränderten, bewegten wir uns langsam in Richtung der späteren Verwendung abstrakter Kunst, und Kandinsky selbst vollzog den Übergang innerhalb seines eigenen Oeuvres. In der Kunst des 20. Jahrhunderts ging es nicht mehr um eine genaue Darstellung der Realität, sondern vielmehr um eine Ausdrucksfreiheit, nach der sich Künstler seit Jahrhunderten gesehnt hatten.

Der Kubismus setzt den Übergang zur Abstraktion fort

Paul Cezannes fraktale Darstellungen französischer Landschaften und Stillleben-Arrangements inspirierten die kubistische Bewegung , die im frühen 20. Jahrhundert entstand. Die wichtigsten Vertreter dieses aufregenden Stils waren Pablo Picasso, Georges Braque, Juan Gris und Fernand Léger . Obwohl die kubistische Ära nur wenige Jahrzehnte dauerte, entwickelte sie sich zu einer Reihe von Subgenres, die sich auf unterschiedliche Inhalte wie Porträts und Stillleben konzentrierten und gleichzeitig innovative Wege fanden, mit Blickwinkeln, Formen und Farben zu experimentieren.

Beispiele hierfür waren der Protokubismus, der Kristallkubismus und der Tubismus. Obwohl der Kubismus in dieser kurzen Zeit eine dominierende Kraft war, war er auch in den anderen Bewegungen, die von seinen Innovationen inspiriert wurden, von großer Bedeutung, darunter Orphismus, Futurismus, Suprematismus, Dada, Konstruktivismus, Purismus und abstrakte Kunst im Allgemeinen.

Einige der berühmtesten kubistischen Künstler behielten diesen Stil in ihren verbleibenden Jahren bei, während andere, wie etwa Pablo Picasso, weiterhin Innovationen in anderen Stilen hervorbrachten, um ihr Schaffen frisch zu halten und auf dem neuesten Stand zu bleiben.

Der Fauvismus bringt einen Clash of Colour mit sich

Les Fauves waren eine weitere bedeutende Künstlergruppe, die im frühen 20. Jahrhundert entstand. Die ihnen verliehene Bezeichnung „Wilde Bestien“ war völlig abwertend, was den kontroversen Stil ihrer Arbeit unterstrich. Farbe war der entscheidende Bestandteil des Fauvismus, und ihr wurde eine höhere Bedeutung beigemessen als jedem anderen Aspekt ihrer technischen Arbeit, wobei die meisten seiner Vertreter helle und stark kontrastreiche Töne wählten, die nicht immer der Realität entsprachen.

Zu den wichtigsten Namen dieser Gruppe gehörten André Derain, Maurice de Vlaminck und Henri Matisse , und der Großteil ihrer Inhalte konzentrierte sich auf Landschaften, Stadtansichten und Porträts. Während sich die Akademiker mit ihren widersprüchlichen Farbpaletten unwohl fühlten, wurde die Öffentlichkeit von dieser kurzen, aber einflussreichen Bewegung begeistert.

Der Surrealismus verbindet das Unterbewusstsein mit bildender Kunst

Der Surrealismus erschien im zweiten Viertel des 20. Jahrhunderts und bot etwas wirklich Einzigartiges für die europäische Kunstszene. Diese Kunstform verbreitete sich weit und breit und entwickelte sich tatsächlich zu einem globalen Phänomen, das sich auch auf eine Vielzahl von Medien auswirkte, darunter Malerei, Bildhauerei, Film und Theater. Im Mittelpunkt stand die Neuanordnung von Gegenständen in einer Reihenfolge, die sich jeder Logik oder Erwartung widersetzte, und die Surrealisten nutzten regelmäßig die Philosophie als Grundlage für ihre Arbeit.

Zu den führenden Köpfen dieser organisierten Gruppe gehörten André Breton, Max Ernst , Rene Magritte und Salvador Dalí, aber auch viele weitere berühmte Namen arbeiteten am Rande dieser bahnbrechenden Bewegung. Wie bei vielen organisierten Kunstbewegungen, die ihre eigenen Manifeste veröffentlichten, würde jede angewandte Kontrolle bald zu Auseinandersetzungen zwischen ihren kreativen Mitgliedern führen.

Die Instabilität innerhalb Europas zu dieser Zeit machte es auch schwieriger, die Bewegung zusammenzuhalten, und bald tauchten eine Reihe von Ableger-Subgenres auf. Dem Surrealismus lag eine stark linksgerichtete politische Ideologie zugrunde , aber diese war in den meisten neuen europäischen Kunstbewegungen ziemlich Standard, und diejenigen, die gegensätzliche Überzeugungen vertraten, mussten tendenziell unabhängig arbeiten, so wie es auch heute noch der Fall ist.

Der abstrakte Expressionismus entwickelt Spontaneität in der abstrakten Kunst

Der abstrakte Expressionismus baute auf dem Werk von Wassily Kandinsky sowie den automatisierten Techniken der Surrealisten auf und gab der amerikanischen Kunst eine wichtige einheimische Bewegung, die aus den 1940er Jahren stammt. Der durch den Zweiten Weltkrieg verursachte Umbruch in Europa veranlasste eine Reihe bedeutender Künstler, in die USA zu ziehen, was im Laufe der Zeit dazu beitrug, das globale Kunstzentrum der Welt von Paris nach New York zu verlagern.

Diese erhöhte Präsenz ermöglichte es den Vertretern des Abstrakten Expressionismus , schneller an Dynamik zu gewinnen, wobei Händler und Galerien dabei halfen, ihre Werke zu bewerben. Die meisten Arbeiten des Abstrakten Expressionisten wurden in einem aktiven Stil geliefert, bei dem Farbe geworfen oder lose aufgetragen wurde, ohne dass sie einen allzu großen Bezug zur Realität hatte.

Jackson Pollocks Drip Paintings sind ein bekanntes Beispiel dafür, aber auch Rothkos Wandgemälde vermitteln Ausdruck in abstrakter Form. Weitere bemerkenswerte Namen in dieser Gruppe waren Willem de Kooning und Barnett Newman. Entscheidend ist, dass diese Bewegung den Aufstieg der USA markierte, die lange Zeit als bloße Nachahmer im Schatten der europäischen Kunst gestanden hatten und nun mit ihren eigenen Innovationen führend sind.

Pop Art verbindet Populärkultur mit Kunst

Roy Lichtenstein beschäftigte sich in seiner Arbeit mit Cartoons, und es gab auch alternative Ansätze von Künstlern wie Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Eduardo Paolozzi und Richard Hamilton. Der Aufstieg des Fernsehens und der globalen Werbung trug dazu bei, diese Ideen auf der ganzen Welt zu verbreiten, und Pop Art wurde zu einem globalen Phänomen, das sich bis heute weiterentwickelt.

Konzeptkunst fördert die Idee gegenüber der Produktionsmethode

Der Aufstieg der Konzeptkunst in den 1960er Jahren förderte die Bedeutung der Idee hinter einem Werk und ermöglichte es Künstlern, diese Ideen so zu gestalten, wie sie es für angemessen hielten. In einigen Beispielen kann das Konzept aus einer Reihe von Plänen bestehen, die es jedem ermöglichen, das physische Kunstwerk selbst zu erstellen, solange er die Originalanweisungen befolgt. Dies unterstrich den Übergang der modernen Kunst weg von den traditionellen Disziplinen Malerei, Bildhauerei und Architektur hin zu einer viel offeneren Landschaft, in der die Produktionsmethoden weniger bedeutsam sind.

Als Anzeichen dafür, dass die Kunst des 20. Jahrhunderts begann, sich von der Kunst früherer Jahrhunderte zu unterscheiden, wurden die beiden Arten auch getrennt ausgestellt, wobei Galerien für moderne Kunst an alternativen Orten eingerichtet wurden. Es überrascht nicht, dass ein Großteil dieser neuen Kunst von Kritikern verspottet wurde, aber sie erhielt starke finanzielle Unterstützung von Nischengalerien und Sammlern, was dazu beitrug, den Werken ihrer führenden Vertreter wie Marcel Duchamp und Solomon LeWitt bedeutende Bewertungen zu verleihen, bevor es zu weiteren Wellen kam erscheinen in späteren Teilen des 20. Jahrhunderts.

Graffiti und Street Art bringen Kunst in den öffentlichen Raum

Der Aufstieg der Straßenkunst ermöglichte es Künstlern jeglicher Herkunft, sich auszudrücken, was es der Kunst ermöglichte, weit über die spießigen Kreise der oberen und mittleren Gesellschaft hinauszugehen. Die anfänglichen Ansichten zur Graffiti-Kunst unterschieden sich zwischen ihrer Fähigkeit, talentierten Künstlern, die aufgrund ihres sozioökonomischen Status mit Hindernissen zu kämpfen hatten, Chancen zu bieten, während andere sie lediglich als Vandalismus betrachteten.

Einige dieser Wahrnehmungen verschwanden, nachdem eine Reihe hochkarätiger Graffiti- oder Straßenkünstler bekannt wurden, was dazu beitrug, Kritiker von ihrem inhärenten Wert zu überzeugen. Dazu gehörten der amerikanische Künstler Jean-Michel Basquiat und viel später die Werke des britischen Künstlers Banksy. Politik und sozialer Aktivismus wurden zu einem starken Teil der Bewegung, und viele ihrer Kunstwerke enthielten Bezüge zu diesen Themen, obwohl linksgerichtete Politik in der Kunst bereits seit vielen Jahrhunderten vorherrschend war, nur mit unterschiedlichen Ausdrucksmedien. Street Art dient als Dach, das neben Graffiti-Kunst auch Skulpturen im öffentlichen Raum und andere Installationen im Freien umfasst.