Danaë

Artemisia Gentileschis Danae ist auf etwa 1612 datiert, zu diesem Zeitpunkt wäre die Künstlerin Ende Teenager gewesen. Schon in diesem frühen Stadium lieferte sie einige außergewöhnliche Porträts ab, wie auch in Susanna and the Elders demonstriert wurde.

Danae lehnt sich in dieser Szene auf ihrem Bett zurück, während ein Diener im Hintergrund emsig arbeitet. Ihr Bett ist lose gemacht, was darauf hindeutet, dass sie sich über Nacht darin bewegt hat, vielleicht unruhig. Ein atemberaubendes rotes Tuch wird über ihre weißen Laken gelegt, was ein stilvolles Element hinzufügt und auch eine wohlhabende Umgebung suggeriert. Danae's Körper wird von der Künstlerin ehrlich eingefangen, mit Kurven, die andere Künstler manchmal auf ihre Vorstellung von einem „perfekten“ Körper reduzieren würden.

Artemisia war mehr daran interessiert, den weiblichen Körper zu feiern, und bevorzugte während ihrer gesamten Karriere Realismus, unabhängig von der Wirkung, die dies auf den Betrachter haben könnte. Der Diener am unteren Ende der Szene ist ebenfalls wunderschön gekleidet, mit einem hellblauen Outfit mit weißer Kopfbedeckung.

Das größere Bild unten hilft uns, mehr Details in diesem Gemälde zu sehen, und dazu gehören die goldenen Locken, die an den Schultern der jungen Frau hängen, wenn sie sich hinlegt. Münzen fallen von oben herab, einige davon landen auf ihrem blassen Körper. Sie scheint sich dessen nicht bewusst zu sein. Die Qualitäten, mit denen der Künstler die verschiedenen Texturen dieser Szene einfängt, ermöglichen es uns, die Elemente dieses Gemäldes fast zu erreichen und zu berühren.

Wir können uns das Gefühl gut vorstellen, das rote Tuch oder die langen Haare von Danae zu berühren. Die Rolle der Frau in der Renaissance und im Barock war im Vergleich zu den Karrieren männlicher Künstler weniger bekannt, und so spielten Künstler wie Artemisia Gentileschi eine wichtige Rolle, indem sie uns daran erinnerten, dass Frauen in der Gesellschaft lebendig und wohlauf waren und nicht einfach konnten von männerzentrierten Industrien wie der Kunstwelt ignoriert werden.

Sie würden auch stilistisch einen wichtigen Kontrast bieten, der sich aufgrund ihrer alternativen Perspektive natürlich ergab. Dies verschaffte Gentileschi in gewisser Weise einen Vorteil, da Sammler daran interessiert waren, ihren Sammlungen einzigartige Gegenstände hinzuzufügen.

Die Geschichte von Danae erzählt uns, wie sie von König Acrisius von Argos, ihrem Vater, gezwungen wurde, in ihrem Zimmer zu bleiben. Dies stammt direkt aus der griechischen Mythologie und viele andere Elemente daraus wurden in den letzten Jahrhunderten auch zur Inspiration der Kunst verwendet. Danae wurde ferngehalten, um sie vor einer Schwangerschaft zu schützen, nachdem dies vorhergesagt worden war.

Als Reaktion darauf würde Zeus ihre Versuche überwinden, indem er den Raum als Goldregen betrat, wie es Gentileschi in diesem Gemälde zeigt. Perseus würde ihr Sohn sein. Die griechische Mythologie hat Künstlern oft einige dramatische Szenen zum Arbeiten gegeben, auch mit einigen Elementen der Fantasie, die ihnen einen größeren Spielraum gegeben haben, als es sonst möglich wäre.

Solche Gegenstände wären normalerweise wahrscheinlich nicht zugelassen worden, wenn sie direkt aus der eigenen Vorstellung stammen, aber weil sie aus angesehenen Erzählungen der Mythologie stammen, dann waren die damaligen Akademiker viel akzeptabler. Diese Mode würde dann spätere Generationen von Künstlern beeinflussen, die dazu inspiriert würden, ihre eigene Sichtweise auf dieselben Themen und Themen zu produzieren.

Die Schwierigkeiten, mit denen Frauen konfrontiert sind, könnten auch den Antrieb und die Inspiration liefern, die erforderlich sind, um die besten Kunstwerke zu produzieren, und Gentileschi würde das Trauma ihres eigenen Lebens in ihre Arbeit einfließen lassen. Die entsetzliche Vergewaltigung ermutigte sie, sich in vielen ihrer Bilder auf starke weibliche Figuren zu konzentrieren, und dies half ihr vielleicht, sich als weibliche Ikone für viele in der heutigen Welt zu etablieren.

Hindernisse wie sie zu überwinden und trotzdem eine einflussreiche Karriere zu machen, ist für viele Menschen auf der ganzen Welt sehr inspirierend, nicht nur für Frauen. Ihre einzigartige Rolle als Frau im Barock hat in den letzten Jahren auch den Wert ihrer Arbeit gesteigert, da Galerien, die sich auf diese Periode der europäischen Kunstgeschichte konzentrieren, nur wenige Künstler dieses Geschlechts zur Verfügung stehen. Viele weitere sind im Laufe des letzten Jahrhunderts oder so erschienen,

Dieses Thema wurde im Laufe der Jahre von einer großen Anzahl von Künstlern behandelt, wobei einige der denkwürdigsten Versionen von Rembrandt van Rijn, Gustav Klimt und mehreren von Tizian waren. Es ist interessant, jede dieser alternativen Interpretationen zu vergleichen, insbesondere angesichts der Stilvielfalt einiger dieser Künstler.

Klimts zum Beispiel kommen viele Jahrhunderte später und bieten einen ganz anderen Ansatz in Bezug auf Farbe, Haltung und Perspektive. Mythologische und religiöse Themen wurden über viele Jahrhunderte hinweg behandelt und bieten eine schnelle Möglichkeit, verschiedene Künstler und Bewegungen zu vergleichen, wobei Danae nur ein Beispiel dafür ist. Tatsächlich haben die meisten Künstler die Arbeit von Künstlern aus der Vergangenheit studiert und dann Ideen aus ihren Interpretationen in ihre eigene Karriere übernommen, um sicherzustellen, dass der Weg des Einflusses weitergeht.

Dieses entzückende Porträt befindet sich jetzt in der Sammlung des Saint Louis Art Museum, USA. Die Institution beherbergt eine breite Palette von Gegenständen aus allen möglichen Kulturen und Zivilisationen, was sie zu einem Ort macht, der fast jeden Geschmack ansprechen kann. In der Malerei liegt ihr Schwerpunkt auf amerikanischer und europäischer Kunst, und einige der Highlights, die hier zu finden sind, sind Long Live Love oder Charming Country von Max Ernst, Madame Roulin von Paul Gauguin, Composition of Red and White: Nom 1/ Komposition Nr.

4 mit Rot und Blau von Piet Mondrian, Judith und Holofernes von Giorgio Vasari und auch Nummer 3, 1950 von Jackson Pollock. Schon diese kleine Auswahl unterstreicht die Bandbreite der hier zu findenden Stile, die von der Frührenaissance bis zur New York School alles abdeckt.