Zeichnungen

Der Künstler Kandinsky bediente sich während seiner Karriere verschiedener Stile, aber es waren seine abstrakten, geometrischen Formen, für die er heute am bekanntesten ist. Diese präzisen Formen konnten auch als Zeichner erreicht werden, und der Künstler plante viele seiner Bilder mit diesem Medium.

Dies war ein Künstler, der die Theorie hinter der Kunst schätzte, sowie die technischen Kenntnisse, die erforderlich sind, um der beste Künstler zu werden, der man sein kann. Unabhängig von Ihrem eigenen Stil erkannte er, dass es wichtig ist, die Höhepunkte der Kunstgeschichte zu verstehen und zu schätzen, die bis in die Frührenaissance und sogar davor zurückreichen.

Diese Bewegungen legten großen Wert auf die Qualitäten des Zeichners, wobei ein Maler nicht akademisch akzeptiert wurde, es sei denn, er konnte auch auf hohem Niveau zeichnen. Schon früh arbeitete Kandinsky hart daran, genau zeichnen zu können, und auch viele seiner frühen Lehrer unterstrichen die Bedeutung des Mediums.

Später kombinierte er regelmäßig Zeichnung und Aquarell, um schnell Studienbilder zusammenzustellen, die auf ein späteres Ölbild vorbereiteten. Dadurch konnte er sich ein gutes Bild davon machen, wie seine Ideen letztendlich aussehen würden, ohne jedoch zu viel Zeit in den anfänglichen Prozess zu investieren. Sein Stil war besonders präzise, was bedeutete, dass Änderungen an einem Ölgemälde besonders schwierig sein würden.

Kandinskys Studienskizzen

Die außerordentlichen Bewertungen, die Kandinskys Gemälden in den letzten Jahren zugeschrieben wurden, haben große Kunstinstitutionen ermutigt, auch die Zeichnungen zu erwerben, die aus seiner Karriere übrig geblieben sind. Alle seine berühmten Werke wie Komposition VII , Komposition VIII und Quadrate mit konzentrischen Kreisennach einigen vorbereitenden Skizzen zustande gekommen wäre.

Einige dieser abstrakten Szenen waren außergewöhnlich komplex, und man konnte das fertige Stück nicht ohne beträchtliche Vorplanung erreichen. Viele dieser Zeichnungen wurden freigelegt, während andere aufgrund der Zerbrechlichkeit des Papiers und der Art und Weise, wie der Künstler sie nicht so gepflegt hätte wie seine fertigen Ölarbeiten, verloren gingen oder zerstört wurden.

Wenn wir seine Zeichnungen untersuchen, können wir nachvollziehen, wie er von der ersten Idee bis zur endgültigen Arbeit ging, und normalerweise ging er von einer Zeichnung zur nächsten und fügte jedes Mal langsam mehr Details hinzu. Sobald er zufrieden war, gingen wir weiter, bis er die endgültige, ungefähre Zusammensetzung erreichte. Dieser Prozess würde auch mit traditionelleren Kunstwerken funktionieren, wie z. B. dem Erfassen von figurativen Elementen einzeln,

Hier ist ein Video enthalten, das den Künstler bei der Arbeit festhält und einen faszinierenden Einblick in die Entstehung seiner abstrakten Linien und Formen bietet. Das Studium der früheren Zeichnungen hilft uns auch, Kandinskys Denken zu verstehen und insbesondere, welche Elemente der Komposition für ihn am wichtigsten waren. Zum Beispiel eine Reihe von Zeichnungen für Komposition IVwurden aufgedeckt, die sich ausschließlich auf die Kosaken konzentrieren, die sich auf der rechten Seite der Szene umarmen.

Dann wandte er sich anderen Figuren in dieser Szene sowie den größeren Elementen der Hintergrundlandschaft zu. Vielleicht wurden die verbleibenden Elemente dann instinktiv produziert, wobei frühere Arbeiten in seiner Erinnerung verwendet wurden. Allein für Komposition IV wurden etwa 20 Zeichnungen freigelegt, von denen sich die meisten heute im Besitz des Centre Georges Pompidou in Paris befinden. Wenn sie nebeneinander ausgestellt werden, können wir schnell so viel über den Geist des Künstlers erfahren. Eine kürzlich erschienene Veröffentlichung hat auch dazu beigetragen, die Aufmerksamkeit auf diese spezifische Reihe von Arbeiten zu lenken.

Dieser Prozess wurde dann in den nächsten Iterationen seiner Kompositionsserie fortgesetzt. Es war diese Reihe von Gemälden, die Kandinsky zu dem Ruf verhalfen, den er noch heute genießt, und ohne seine vorbereitenden Skizzen hätten die fertigen Werke vielleicht nicht die gleiche Wirkung gehabt. Viele berühmte Namen aus der globalen Kunstwelt arbeiten nicht immer bequem in einem großen Atelier.

Sie arbeiten möglicherweise von Zeit zu Zeit an einem Wim und möchten diese Ideen für spätere Entwicklungen aufzeichnen. Skizzenbücher erfüllen diese Anforderung dann perfekt, sind leicht zu transportieren und ermöglichen zudem ein schnelles Arbeiten. Sie können dann gespeichert und zu einem späteren Zeitpunkt, in einigen Fällen sogar Jahrzehnte später, abgerufen werden.

Kandinskys Zeichnungen dienten jedoch eher einem definierten Zweck, normalerweise mit Blick auf ein bevorstehendes Gemälde und daher nicht auf die gleiche Weise gespeichert worden wie einige Landschaftskünstler, die viele Jahre später darauf zurückgreifen würden, um sich an einen bestimmten Ort zu erinnern, an dem sie sich plötzlich entschieden hatten, an ihm zu arbeiten. Dies war fast eine Form der manuellen Fotografie, zu einer Zeit, als diese Kunstform noch in den Kinderschuhen steckte.

Das Kunstwerk, das wir hier gezeigt haben, trug den Titel Zarte Spannung (Zarte Spannung) und verwendete eine Kombination aus Aquarell und Tinte. Es ist Teil der ständigen Sammlung des Museo Nacional Thyssen-Bornemisza in Madrid, das selbst eine beeindruckende Sammlung einflussreicher moderner Kunst besitzt. Diese Zeichnung stammt aus dem Jahr 1923 und diese Institution ist einer der Höhepunkte der spanischen Hauptstadt, die nach wie vor eines der besten Reiseziele für Kunst weltweit ist.

Das Museo Nacional Thyssen-Bornemisza besitzt auch Originalwerke anderer bemerkenswerter Meister wie Paul Cezanne, Domenico Ghirlandaio, Peter Paul Rubens, Giambattista Pittoni und Vincent van Gogh in einer wirklich vielseitigen Sammlung. Neben diesem aufregenden Veranstaltungsort können Sie in der Stadt auch das Museo del Prado und Reina Sofia besuchen.

Kandinskys Coverdesigns

Der Künstler fertigte auch eine Vielzahl von Illustrationen für verschiedene Publikationen an, vor allem ein Coverdesign für Der Blaue Reiter. Dieser Almanach war ein Gemeinschaftsprojekt, das darauf abzielte, gleichgesinnte moderne Künstler zusammenzubringen. Zu diesem Zeitpunkt war er eng mit einer Reihe anderer namhafter Künstler verbunden, und sie tauschten gerne Ideen und Theorien über die Richtung aus, in die sich die Kunstszene bewegen sollte.

Die Mitwirkenden hatten relativ viel Freiheit, alle Themen zu diskutieren, für die sie sich leidenschaftlich interessierten, und einige der anderen beteiligten wichtigen Künstler waren Franz Marc, August Macke, Alexej von Jawlensky, Gabriele Münter und Albert Bloch. Kandinsky selbst war eines der profiliertesten und einflussreichsten Mitglieder und erhielt daher die Ehre, ein Cover-Design zu produzieren. Die gesamte Bewegung wurde nach seinem Gemälde aus dem Jahr 1903 benannt, das ein Pferd und einen Reiter zeigt, die über eine grüne Landschaftsszene sprinten.