Femme au chapeau

La Femme au chapeau, pour reprendre son titre français d'origine, représente la femme de l'artiste, Amélie Parayre. Le portrait a été achevé en 1905, juste un an avant un autre de ses tableaux les plus célèbres dans Le Bonheur de Vivre.

Les deux présentent des schémas de couleurs similaires qui faisaient partie intégrante du mouvement fauviste, dont Matisse était l'un des contributeurs les plus connus. Tout au long de sa carrière, il s'impliquera dans une multitude de mouvements artistiques différents ainsi que dans une variété de techniques différentes, bien que le fauvisme reste un élément clé de son œuvre finale.

Le tableau a reçu de nombreuses critiques lors de sa première exposition, mais au fil du temps, ce style de couleur a fini par convaincre les critiques de ses mérites.

Le terme pour ce mouvement artistique vient du français pour "bêtes sauvages" qui est précisément la façon dont les artistes qui ont produit des œuvres de cette manière ont été initialement décrits. Il est facile de comprendre pourquoi ils ont dû faire face à tant de résistance lorsque l'on considère les combinaisons de couleurs extraordinaires qui ont marqué un nouveau moment dans le développement de l'histoire de l'art.

Il a remis en question les normes du monde de l'art et les critiques mettent généralement du temps à s'adapter à ces nouveaux développements. Femme au chapeau utilise des couleurs qui n'auraient jamais été utilisées dans l'art du portrait auparavant. Leur combinaison se heurtait également à un modernisme agressif qui évitait toute subtilité.

Le style expressif d'artistes comme celui-ci bénéficierait de la montée en popularité de la photographie, qui réduisait le besoin de portraitistes réalistes qui avaient dominé au cours des siècles précédents en remontant à la Renaissance. Les peintres devaient désormais offrir autre chose qu'une représentation fidèle et c'est là que les membres de mouvements artistiques tels que l'expressionnisme et le postimpressionnisme seraient considérés comme précieux et hautement qualifiés.

Matisse lui-même a trouvé sa propre niche, capturant des éléments de la vie française au début du XXe siècle avec une luminosité jamais vue auparavant. On peut voir des similitudes avec le travail d'artistes allemands tels qu'August Macke et Ernst Ludwig Kirchner , bien qu'ils aient utilisé des tons sombres pour un plus grand contraste.

Amélie Matisse, la femme de l'artiste, est le modèle féminin qui pose ici. Son style vestimentaire est typique de la bourgeoisie française, avec des gants à manches longues et un éventail. Elle a l'air élégante et chic, ce à quoi son mari aurait sans aucun doute été à la fois fier mais aussi ravi d'avoir un contenu aussi riche à partir duquel travailler. Elle a une expression sérieuse, sans doute comme l'a demandé Henri, et elle regarde à notre gauche.

Son visage est mince, sans la moindre suggestion d'autre chose que de la beauté et on peut comprendre comment elle en est venue à être utilisée comme muse par son mari à tant d'occasions. Sa pose ressemble à celle d'un mannequin professionnel, ce qui suggère qu'elle l'a déjà fait plusieurs fois auparavant. Sa robe est dans des tons de vert et de bleu, avec une ceinture rouge vif coupée horizontalement. Ses cheveux sont châtain clair,

Avec cette œuvre d'art arrivée en 1905, Matisse connaissait une nouvelle direction dans sa carrière. Il s'éloignait de ses peintures antérieures qui avaient fourni une plus grande clarté de forme - il souhaitait désormais s'appuyer davantage sur des méthodes expressionnistes qu'un format réaliste. La couleur a joué un rôle important dans la construction de la forme au sein de ces nouvelles compositions, Le Bonheur de Vivre en étant un autre exemple.

Cette réduction de détail donnerait l'apparence d'une pièce d'étude dans les générations précédentes, mais elles devaient désormais être considérées comme des œuvres d'art achevées, livrées dans une construction moderne. Ce changement explique comment certains ont eu du mal à exclure des styles d'art plus modernes, la voie de l'abstraction étant encore avancée par des artistes comme Miro, Picasso (un ami personnel et rival de Matisse) et Kandinsky.

Cette pièce étonnante se trouve dans la collection du musée d'art moderne de San Francisco. Il a changé de mains plusieurs fois et a finalement été donné à cette institution des beaux-arts en 1990 par Elise S. Haas, dans le cadre d'un groupe d'œuvres plus large comprenant des peintures d'une variété d'artistes apparentés ainsi qu'un certain nombre de sculptures.

Alors qu'il y avait déjà une impressionnante sélection d'œuvres à découvrir sur le site, elle a été encore améliorée avec certains des points forts des œuvres d'art offertes ici. La pièce mesure 80,65 cm × 59,69 cm (31 3⁄4 po × 23 1⁄2 po) et est considérée comme l'une des peintures les plus célèbres issues de la carrière de Matisse ou du mouvement fauviste plus généralement. Il est également important dans l'histoire de l'art de constater que le rejet initial de la couleur est ensuite accepté puis vraiment aimé.