Nymphéas avec reflets de hautes herbes

Pourquoi la datation compte

La nouvelle datation déplace le tableau dans l’œuvre de Monet. Le catalogue de Sotheby’s de 2013 le situait entre 1914 et 1917, parmi les grandes peintures du jardin d’eau de la fin de sa carrière. Lors de l’exposition du Kimbell Art Museum en 2019, le commissaire George Shackelford le présentait toutefois comme une toile probablement peinte en 1896 ou 1897, appartenant au premier ensemble consacré à la surface du bassin. Le musée de Giverny a retenu 1897 en 2025. ^{[1] [2] [3]}

Cette datation précoce frappe d’autant plus que le tableau mesure deux mètres de large. Son ampleur dépasse celle d’une première étude de dimensions modestes. Dès les premières années, le bassin semble offrir à Monet des possibilités qui vont au-delà du petit paysage de chevalet.

L’ancienne datation reste un élément de l’histoire éditoriale du tableau. La touche libre et les accords de violet et de vert ne s’expliquent plus d’emblée par la guerre ou la baisse de la vue de Monet. La toile invite plutôt à suivre la formation de son idée de peinture décorative.

De longues herbes au-dessus des nymphéas

De longues feuilles étroites entrent par le coin supérieur gauche et traversent le haut de la toile. Certaines sont pâles et vivement éclairées, tandis que d’autres se fondent dans des courbes d’un vert plus sombre. En dessous, des touches et des reflets allongés descendent dans l’eau. Le mouvement du tableau tient en grande partie à ces deux directions, celle des feuilles qui se courbent et celle des traits qui plongent sous elles.

La partie inférieure suit un autre rythme. Des feuilles rondes de nénuphars forment des groupes qui se chevauchent. Le vert menthe, le lilas et le rose se répartissent sur leurs larges surfaces. De petites fleurs émergent de ces groupes, avec des pétales pâles autour de cœurs jaunes. Leur éclat concentré interrompt les transitions plus douces d’une feuille à l’autre.

Le contraste tient autant aux plantes qu’à la composition. De minces rubans répondent à des disques plats, des passages sombres à des taches lumineuses, des lignes descendantes à des formes qui semblent s’étaler latéralement. On peut reconnaître les plantes tout en suivant le jeu des courbes et des couleurs sans devoir identifier chaque espèce.

Une étendue d’eau bleu violacé vers le haut à droite ménage une zone moins dense. Le regard quitte l’entrelacs des feuilles pour ce passage plus calme, puis revient en suivant les arcs des herbes. Ce parcours anime le grand rectangle alors même que le bassin semble immobile.

Reflets et ombres portées

Le commentaire du Kimbell attire l’attention sur l’eau lisse comme du verre et sur la manière dont elle reflète les feuilles courbes. Sa lecture repose sur les rapports entre les plantes et leur image dans l’eau. La surface participe à la composition par son calme même. ^[3]

Une ombre portée et un reflet résultent de phénomènes différents. Les formes sombres ne sont pas toutes des silhouettes d’herbes qui font écran au soleil. Certaines répètent ou prolongent les formes au-dessus de l’eau. D’autres se mêlent à des passages de lumière et de couleur réfléchies. Monet rend leurs contours difficiles à isoler.

Le tableau ne permet pas de reconstituer toute la rive. Une grande partie de la végétation entre par les bords du cadre. Aucun horizon continu ne sépare la terre du ciel. Les feuilles retombantes suggèrent une berge proche, mais elles ne suffisent pas à situer précisément le point de vue dans le jardin. Le cadrage serré évoque un lieu sans en donner une vue d’ensemble.

Un jardin qui se prête à l’observation

Monet aménage lui-même ce jardin d’eau. En 1893, il acquiert une parcelle supplémentaire et demande l’autorisation de créer un bassin alimenté par un bras de l’Epte. Le musée des impressionnismes Giverny indique qu’il plante des nénuphars de couleur provenant de la pépinière Latour-Marliac. Un agrandissement suit en 1901. ^[5]

La datation révisée à 1897 situe le tableau avant cet agrandissement. Le jardin encore récent fournit déjà le sujet de tableaux ambitieux. Jardinage et peinture se rejoignent. L’aménagement de l’eau et des plantations permet de revenir observer le lieu, tandis que chaque composition en retient un fragment. ^[5]

Ici, le chemin autour du bassin, la maison et les figures humaines restent hors champ. L’organisation du jardin importe toujours, mais elle se lit indirectement dans la rencontre des feuilles, de l’eau et des reflets. Le résultat s’éloigne du plan de plantation comme de la vue générale de Giverny. Monet resserre délibérément le champ du regard.

Les débuts d’un projet décoratif

L’exposition Monet en pleine lumière du Grimaldi Forum, en 2023, donne à la toile un rôle particulier. Elle la rapproche d’une idée que Monet décrit en 1897, celle de disposer des peintures d’eau autour d’une salle circulaire. Elle présente le tableau comme un prototype conservé lié à ce premier ensemble décoratif disparu. Cette lecture des commissaires situe la toile dans l’histoire du projet et la distingue des panneaux installés aujourd’hui à l’Orangerie. ^[4]

Un prototype peut explorer l’échelle, le cadrage et la continuité visuelle d’une idée sans être intégré à sa réalisation finale. Ici, les formes coupées par les bords donnent l’impression que le bassin se prolonge au-delà du rectangle. Le tableau se lit comme un fragment d’une étendue d’eau bien plus vaste.

L’Orangerie suit l’idée décorative depuis la fin des années 1890 jusqu’à la reprise du grand projet en 1914 et à son installation en 1927. Le musée distingue également les vues où la berge reste visible des compositions presque entièrement occupées par l’eau, les fleurs et les reflets. La toile aux hautes herbes se situe entre ces deux approches. La végétation donne un sentiment de proximité, tandis que l’absence d’horizon assouplit l’espace habituel du paysage. ^[6]

Provenance, expositions et limites des sources

Le catalogue de vente de 2013 retrace le passage de l’œuvre de Monet à son fils Michel, puis à Katia Granoff dans les années 1950 et enfin aux propriétaires qui l’ont mise en vente. Il signale également un cachet Claude Monet en bas à droite. Ce cachet ne prouve pas que Monet ait lui-même signé ou marqué la toile achevée. ^[2]

Le tableau figure en 2011 dans l’exposition Monet’s Water Lilies: An Artist’s Obsession au Wadsworth Atheneum. Le musée décrit une exposition qui réunit des prêts publics et privés pour montrer la diversité des approches de Monet, avec des photographies du jardin en complément. La présence du tableau témoigne d’un prêt d’exposition. ^{[2] [7]}

La notice d’exposition récente sur la collection Nahmad fournit un repère solide sur l’appartenance actuelle du tableau. Elle ne garantit pas qu’on puisse le voir en permanence dans une galerie publique. ^[1] L’intérêt durable de cette toile tient surtout aux questions qu’elle soulève sur la manière de peindre l’eau, sur les débuts des Nymphéas et sur la naissance d’un projet décoratif qui se développe pendant des décennies.

Questions fréquentes