Danaë

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Danaë von Gustav Klimt

Danaë liegt zusammengerollt in einem fast quadratischen Bildfeld. Ihr Kopf ruht auf violettem Stoff, ihre Augen sind geschlossen, und eine Hand verschwindet nahe den angezogenen Schenkeln. Von oben dringt ein goldfarbener Strom ein und zieht über den eng zusammengezogenen Körper. Gott, Palast und Kind bleiben außerhalb des Bildes. Sichtbar sind Haut, Stoff und der göttliche Strom, in dem der Mythos Zeus erkennt.

Gustav Klimt malte Danaë 1907/08 und zeigte das Gemälde erstmals 1908 auf der Kunstschau Wien. Es wird heute als Privatbesitz geführt. Vom Eigentümer liegt kein öffentlich zugänglicher Werkdatensatz mit neuerer technischer Untersuchung, Zustandsbericht oder Hinweisen zum Zugang vor. Belegt sind Öl auf Leinwand und ein Format von etwa 77 mal 83 Zentimetern.^[1][4]

Das Bild ist dafür bekannt, die Empfängnis mit großer erotischer Intensität darzustellen. Die Frage nach der Zustimmung bleibt dabei offen. Danaës Vater hat sie eingesperrt, weil ihm ein Orakel vorausgesagt hat, dass sein Enkel ihn töten werde. Zeus verwandelt sich, um zu ihr vorzudringen. Geschlossene Augen, geöffnete Lippen und umhüllende Stoffe können Ekstase andeuten. Ob Danaë diese Begegnung unter ungleichen Machtverhältnissen wollte oder ihr zustimmte, lässt sich daraus nicht ablesen.^[1][5]

Diese Spannung bestimmt das Bild. Der Gott erscheint als sichtbarer Strom. Danaë wirkt zugleich geschützt und durchdrungen, zurückgezogen und entblößt. Klimt verdichtet die lange mythologische Handlung auf engem Raum. Form, körperlicher Druck und die gemalte Stofflichkeit tragen fast die gesamte Szene.

Auf einen Blick

• KünstlerGustav Klimt
• TitelDanaë
• Datierung1907/08^[1]
• TechnikÖl auf Leinwand^[4]
• Ungefähre Maße76,83 × 82,87 Zentimeter, meist auf 77 × 83 Zentimeter gerundet^[4]
• Heutiger BestandPrivatsammlung^[1]
• ThemaZeus erreicht die eingesperrte Danaë in Gestalt eines goldenen Stroms. Später bringt sie Perseus zur Welt.^[5]
• Erste AusstellungKunstschau Wien 1908, in dem Klimt gewidmeten Raum^[1]
• Erster KäuferEduard Ast, für 8.000 Kronen^[1][6]
• Spätere HängungIm ovalen Damensalon der Villa Ast, einem von Josef Hoffmann entworfenen Innenraum^[6]
• Zugehörige ZeichnungenDie digitale Werkgruppe zu Danaë in der Albertina umfasst 23 Blätter, darunter frühe Studien zu Haltungen, die Klimt für das Gemälde weiterentwickelte^[2][3]
• MaterialangabenGoldfarbene Partien sind sichtbar. Für Blattgold oder anderes Metall liegt kein aktueller technischer Befund des Eigentümers zu diesem Werk vor.

Danaë vor Klimt

Die Geschichte beginnt mit einem Orakel. Akrisios, König von Argos, erfährt, dass ein Sohn seiner Tochter Danaë ihn töten werde. In der vom Mythografen Apollodor überlieferten Fassung sperrt er sie in eine bronzene Kammer, damit sie kein Kind bekommt. Zeus erreicht sie dennoch als goldener Strom, der durch das Dach eindringt. Aus der Begegnung geht Perseus hervor.^[5]

Beim Versuch, die Weissagung abzuwenden, schafft Akrisios die Voraussetzungen für ihre Erfüllung. Er kontrolliert die Bewegungsfreiheit und die Sexualität seiner Tochter. Zeus überwindet diese Einschließung durch göttliche Verwandlung. Als Akrisios das Kind entdeckt, sperrt er Danaë und Perseus in eine Truhe und wirft sie ins Meer. Beide überleben, und die weitere Geschichte des Perseus nimmt ihren Lauf.^[5]

Die antiken Fassungen ergeben keine einheitliche rechtliche oder psychologische Deutung nach heutigen Maßstäben. Übersetzungen und Nacherzählungen sprechen von Geschlechtsverkehr, Verführung, Schändung oder Vergewaltigung. Das Machtgefälle ist deutlich. Danaë steht unter der Gewalt ihres Vaters, während ein Gott in einer Gestalt zu ihr vordringt, der sich eine Sterbliche kaum auf Augenhöhe widersetzen kann.

Klimt lässt fast alle weiteren Episoden weg. Akrisios, die Kammer, das Orakel, der Säugling, die Truhe und das Meer bleiben außerhalb des Bildes. Danaës Körper und der herabfließende Strom genügen, um die Geschichte erkennbar zu machen.

Ein Körper, der sich im Bild zusammenzieht

Die Leinwand ist etwas breiter als hoch. Danaë zieht ihren Körper eng zusammen. Ihre Knie sind angezogen, die Schenkel wenden sich nach innen, und ihr Kopf neigt sich zu ihnen. Schulter, Rumpf und Beine bilden einen engen Bogen.

Die Haltung wird oft als kreisförmig, oval, embryonal oder an die Lage im Mutterleib erinnernd beschrieben. Die ersten beiden Begriffe bezeichnen den sichtbaren Aufbau. Die weiteren Deutungen liegen bei einem Gemälde über die Empfängnis nahe. Zunächst lässt sich die Form an der Anordnung der Gliedmaßen ablesen.

Klimt lässt um die Figur kaum freien Raum. Füße und Unterschenkel drängen an einen Bildrand, das Haar reicht fast an einen anderen heran. Stoff liegt hinter und um Danaë, und der goldfarbene Strom dringt in denselben flachen Raum ein. Ein fester Boden oder ein Bett, an dem sich die Schwerkraft ablesen ließe, ist nicht erkennbar.

Die Verdichtung steigert die körperliche Wirkung. Angewinkelte Gliedmaßen verdecken manche Partien und rücken andere näher. Der Blick erfasst den Akt durch Überschneidungen, Verkürzungen und den Druck der Formen. Danaë scheint sich in sich selbst zurückzuziehen, während die mythische Kraft in den Raum eindringt, der sie umschließt.

Eingeschlossen ohne sichtbare Kammer

Bei Apollodor ist Danaë in einer bronzenen Kammer eingeschlossen. Klimt zeigt keine erkennbaren Wände, keine Tür und kein Dach. Bildrand und violetter Stoff machen das Eingeschlossensein sichtbar.^[5]

Der Stoff legt sich um Kopf, Schultern und Beine. Er kann schützend wirken, weil er den Körper polstert und ihm eine Mulde bietet. Er kann auch einengen, weil die Komposition keinen offenen Ausweg lässt. Schutz und Gefangenschaft gehen ineinander über.

Farbe und Muster halten den Stoff nahe an der Bildfläche. Haut, Textil und goldfarbener Strom liegen nebeneinander und treten nur wenig in die Tiefe zurück. Klimt vermittelt die Einschließung durch die Anordnung des Körpers und der Stoffe, ohne die Kammer der Erzählung abzubilden.

In der Nähe des Unterkörpers erscheint eine dunkle rechteckige Partie mit einzelnen ornamentalen Zeichen. Die Formen können zu sexuellen oder symbolischen Deutungen anregen. Im Bild unterbrechen sie zunächst die Rundungen, setzen einen dunklen Akzent und schärfen den Gegensatz zwischen geometrischer Form und weicher Haut. Eine feste Bedeutung des Rechtecks ist in den Quellen nicht belegt.

Ein nach innen gewandtes Profil

Danaës Gesicht ist im Profil zu sehen. Haar und Stoff polstern den Kopf, während die Kontur von Stirn, Nase und Lippen zwischen den dicht gedrängten Formen klar hervortritt. Das Gesicht bildet eine kleine Ruhezone in der größeren Bewegung des eingerollten Körpers.

Das Profil nimmt dem Bild den Blickkontakt, den viele Porträts herstellen. Danaë schaut weder das Publikum noch eine andere Person im Raum an. Dieser Rückzug kann die Szene intim, traumhaft oder in sich geschlossen wirken lassen, obwohl der Betrachter ihr sehr nahekommt.

Die Hand verstärkt diese Mehrdeutigkeit. Sie verschwindet nahe den Schenkeln, sodass ihre Geste nur teilweise zu erkennen ist. Erotische Deutungen verstehen die Haltung häufig als Selbstberührung. Die Gustav Klimt Database dokumentiert diese Lesart.^[1] Klimt deutet die Geste an, während die genaue Lage der Hand offenbleibt.

Der Eindruck von Innerlichkeit sagt wenig über Danaës Zustimmung aus. Profil und geschlossene Augen können sichtbare Zeichen des Widerstands zurücktreten lassen. Ob Danaë dem Geschehen zustimmt, bleibt offen. Die Haltung lässt das Publikum die Szene als privat erleben, ohne ihm die Sicht der mythologischen Figur zu erschließen.

Der herabfließende Goldstrom

Zeus erscheint als goldfarbener Strom, der von oben ins Bild dringt. Eine menschliche oder tierische Gestalt ist ihm nicht gegeben. Mythos und Bildform fallen zusammen. Der Gott wird zu der Substanz, die sich durch das Bild bewegt.^[1][5]

Damit entfällt die Begegnung zweier Körper, während die göttliche Macht den ganzen Raum durchdringt. Eine männliche Figur ließe sich verorten, zurückweisen oder auf Abstand halten. Der goldfarbene Strom hat kein Gesicht und kaum feste Grenzen. Er dringt in die Umhüllung aus Stoff ein und fließt am Körper entlang. Der Zugang wird als Licht, Farbe und Bewegung sichtbar.

Die Gustav Klimt Database deutet den Strom als Vergegenständlichung göttlicher Präsenz und beschreibt die kostbare Wirkung des umgebenden Brokats.^[1] Diese Beobachtungen helfen, die Bildwirkung des Goldtons zu verstehen. Die genaue materielle Zusammensetzung des Gemäldes bleibt offen.

Die vorliegenden Werkangaben nennen Öl auf Leinwand.^[4] Solange der heutige Eigentümer keine Materialanalyse veröffentlicht hat, beschreiben „Goldregen“, „goldfarbener Strom“ oder „metallischer Glanz“ das Sichtbare am genauesten. Mit Farbe und Oberflächenbehandlung konnte Klimt Goldwirkung erzeugen, auch wenn nicht jede leuchtende Partie Metall enthält.

Zeus ohne Körper

Die Verwandlung verändert das Kräfteverhältnis im Bild. Zeus hat Richtung und Kraft, bleibt jedoch ohne menschliche Anatomie, Blick und Mimik. Die sichtbare körperliche Verletzlichkeit liegt ganz bei Danaë.

Das hat widersprüchliche Folgen. Ohne einen zweiten Körper, der sie festhält oder niederdrückt, kann die Szene weniger gewaltsam erscheinen. Der Gott kann zugleich übergriffiger wirken, weil die herabfließende Substanz in den umschlossenen Raum eindringt, ohne an einen festen Ort gebunden zu sein.

Gold weckt Vorstellungen von Wert, Glanz und Göttlichkeit. Im Mythos verschafft es Zeus Zugang zu Danaë. In der Komposition ist es zugleich das hellste bewegte Element. Klimt gibt der Macht eine schöne Form. Der Strom zieht den Blick an, während die Geschichte danach fragen lässt, was diese Anziehung bewirkt.

Zeus erscheint ohne Körper, doch sein Eingreifen gibt der Komposition ihre Richtung. Danaë ist die einzige dargestellte Person. Der Gott ist in dem Geschehen gegenwärtig, das sie betrifft.

Haut vor violettem Stoff

Die erotische Intensität des Gemäldes entsteht aus Farbe und Haltung. Tiefvioletter oder purpurfarbener Stoff umschließt die warmen Hauttöne. Der goldfarbene Strom fließt zwischen beiden hindurch und über sie hinweg. Die Kontraste lassen den Körper warm und die Farbe des Stoffs besonders satt erscheinen.

Der Stoff folgt den Rundungen des Körpers und bedeckt ihn stellenweise. Er verbirgt und enthüllt ihn im Wechsel. So entsteht ein privater Raum um den Akt, der den Blick des Publikums zugleich näher an die Figur heranführt.

Das Muster verändert den Maßstab des Bildes. Große Körperrundungen stehen neben kleinen wiederkehrenden Zeichen. Der Blick wandert von der zusammengerollten Figur als Ganzem zu den kleinsten Einzelheiten der Oberfläche. Die naturalistische Modellierung vermittelt das Gewicht des Körpers und die Beschaffenheit der Haut, während das Ornament die Flächigkeit der Leinwand betont.

In Danaë erfüllt der Goldton eine genaue mythologische Aufgabe, und der violette Stoff umschließt die Figur auf besondere Weise. In anderen Werken der Goldenen Periode kann metallischer Glanz den Rang einer porträtierten Person markieren, an Sakrales erinnern oder Teil eines architektonischen Mosaiks sein. Hier stellt der leuchtende Strom Zeus dar.

Geschlossene Augen und die Frage der Zustimmung

Danaës Lider sind geschlossen, ihr Mund ist leicht geöffnet. Gesichtsausdruck und Handhaltung haben Deutungen als Traum, Orgasmus, Selbstberührung oder ekstatische Hingabe angeregt. Die Gustav Klimt Database dokumentiert diese erotische Deutungstradition. Schon private Äußerungen aus dem Jahr 1908 konnten den Strom ausdrücklich als phallisch verstehen.^[1]

Die Sinnlichkeit liegt im Aufbau des Bildes. Klimt gibt dem Mythos eine erotische Form, während der Gesichtsausdruck die Frage nach der Zustimmung offenlässt. Geschlossene Augen können Lust, Schlaf, Rückzug oder Verletzlichkeit andeuten. Sie können auch einer malerischen Konvention für inneres Empfinden folgen.

Der Mythos setzt der Deutung eine weitere Grenze. Danaë ist bereits eingesperrt, damit sie kein Kind bekommt, und Zeus kann kraft seiner Macht zu ihr vordringen. Der Ausdruck, den Klimt ihr gibt, ändert an diesen Bedingungen des Zwangs nichts.

Klimt erotisiert die Begegnung, und die Geschichte beruht auf einem tiefen Machtgefälle. Beide Aspekte zusammen erklären, warum das Bild zugleich eindringlich und verstörend wirkt.

Eine embryonale Haltung?

Der zusammengezogene Körper erinnert leicht an einen Embryo. Knie, Schenkel, Rumpf und Kopf bilden ein Oval, und die Geschichte mündet in eine Empfängnis. Diese Assoziation kann den Blick auf das Bild bereichern, wenn sie von der sichtbaren Form ausgeht.

Danaë ist eine erwachsene Frau. Ihr Körper umschließt einen engen Raum, der keiner bestimmten Phase der embryonalen Entwicklung entspricht. Die Form kann zugleich Sammlung, Schwangerschaft, Rückzug, Schutz und Druck andeuten.

Wer vor allem den Kreis sieht, kann die Asymmetrie übersehen. Der Kopf ist zur Seite gerückt, die Gliedmaßen kreuzen sich in unterschiedlichen Winkeln, und der goldfarbene Strom dringt in den Raum der Figur ein. Der Körper ist einer Kraft ausgesetzt, die eine eigene Richtung hat.

Die Haltung vermittelt den Mythos, bevor das Publikum alle seine Merkmale erkannt hat. Der Körper zieht sich nach innen zusammen, und der Strom dringt in diesen Raum ein. Die Empfängnis wird zu einem räumlichen Geschehen.

Stellen die Muster Zellen dar?

Einige Autoren haben die ovalen Formen im Brokat als Blastozysten oder embryonale Zellen gedeutet. Die Gustav Klimt Database führt diesen Vorschlag unter den Deutungen zur Fortpflanzungssymbolik an.^[1]

Der Vorschlag gehört zur neueren Interpretation. Eine überlieferte Äußerung Klimts dazu ist nicht bekannt. Maßstab, Wiederholung und Einbindung in das Stoffmuster unterscheiden die Formen von wissenschaftlichen Darstellungen der Zellentwicklung.

Die Ovale können dennoch an biologische Vorgänge denken lassen. Wer weiß, dass Danaë später Perseus zur Welt bringt, kann ihre Wiederholung mit Zellteilung, Fruchtbarkeit oder frühem Leben verbinden. Das Ornament scheint dann die Geschichte der Empfängnis über den Körper hinaus fortzuführen.

Andere sehen zunächst ein Stoffmuster. Beide Wahrnehmungen können nebeneinander bestehen. Im Gemälde sind ovale Motive sichtbar, die in der Forschung als Zellen gelesen worden sind. Die Deutung als Blastozysten bleibt eine Lesart.

Frühe zeichnerische Studien

Der digitale Katalog der Albertina fasst 23 Zeichnungen in der Werkgruppe zu Danaë zusammen. Die Zahl bezeichnet eine Zuordnung durch die Forschung, die sich weiterentwickeln kann. Eine von Klimt selbst erstellte Liste oder die endgültige Gesamtzahl seiner Studien lässt sich daraus nicht ableiten.^[2][3]

Alice Strobl datierte viele verwandte Haltungen um 1903, mehrere Jahre vor dem Gemälde von 1907/08. Einige wurden zunächst mit Medizin in Verbindung gebracht und fanden in dem heute zerstörten Fakultätsbild keine Verwendung. Klimt beschäftigte sich später erneut mit der Darstellung angehobener, gekreuzter oder stark angewinkelter Beine.^[2]

Die frühen Studien zeigen, wie lange Klimt sich mit diesen Fragen beschäftigte. Ein Künstler kann eine Haltung festhalten, ein Blatt wieder aufgreifen oder eine frühere Idee verwandeln, wenn ihr ursprünglicher Zusammenhang längst vergangen ist. Der endgültige Titel und der Bildaufbau von Danaë gehören zum Gemälde von 1907/08.

Die unterschiedlichen Ursprünge erklären, warum die 23 Blätter dem Gemälde verschieden nahestehen. Einige kommen der endgültigen Anordnung der Beine nahe, andere gehören zu einer größeren Gruppe liegender oder schwebender Körper. Die Zuordnung im Katalog hält unterschiedlich enge Beziehungen fest.

Was die Gruppe von dreiundzwanzig Zeichnungen umfasst

Digitale Werkgruppen sind Hilfsmittel der Forschung. Sie bringen Arbeiten zusammen, die unmittelbar, wahrscheinlich, thematisch oder historisch miteinander verbunden sind. Die Zahl von 23 Einträgen in der Albertina kann sich deshalb durch neue Zuschreibungen, Umgruppierungen, Digitalisierungen oder Deutungen ändern.^[3]

Bei Danaë hilft diese Offenheit, die Entstehung der endgültigen Haltung zu verstehen. Klimt griff auf Körperstellungen zurück, die er über längere Zeit erprobt hatte. Ein für ein anderes Vorhaben angehobenes Bein konnte Jahre später wiederkehren. Eine bekleidete Figur konnte eine Anordnung klären, die er später als Akt malte. Eine Umkehrung konnte die Richtung ändern, während der Bezug zu einem früheren Blatt bestehen blieb.

Die Gruppe zeugt damit von längerer zeichnerischer Arbeit. Aus den 23 Blättern lässt sich keine einzelne Sitzung rekonstruieren, in der Klimt eine Vorlage auswählte und vergrößerte. Offen bleibt auch, welche Blätter bereits bei ihrer Entstehung den Titel Danaë trugen.

Diese Entstehungsgeschichte macht die ungewöhnliche Verdichtung der Figur verständlicher. Die endgültige Haltung erscheint als späte Lösung eines gestalterischen Problems, das Klimt in mehreren Zusammenhängen wieder aufgriff. Ihre erotische Wirkung baut auf diesen Studien auf.

Von angehobenen Beinen zum engen Oval

In den zugehörigen Zeichnungen erprobte Klimt an bekleideten und nackten Figuren, wie sich die Beine kreuzen und anheben lassen und dabei den Rumpf verdecken. Eine frühe Haltung nimmt bereits ein wichtiges Verhältnis der Gliedmaßen vorweg, während andere offener bleiben. Im Gemälde verdichtete Klimt diese Versuche zu einem engen Oval.^[2]

Auch Richtungswechsel sind wichtig. Bei der Übertragung einer gezeichneten Figur ins Gemälde kann Klimt die Haltung spiegeln und zuvor getrennte Gliedmaßen so weit zusammenrücken, dass sie einen neuen Raum umschließen. Solche Veränderungen zeigen, wie frei er mit den Studien umging.

Die Albertina verweist auch auf die kunstgeschichtliche Tradition liegender Frauenfiguren, darunter Darstellungen der Danaë bei Tizian und Correggio sowie eine Haltung der Leda, die aus Kopien nach Michelangelo bekannt ist. Diese Vorbilder verorten Klimt in einem etablierten mythologischen Repertoire.^[2]

Die eingerollte Haltung kann an mehrere dieser Vorbilder erinnern. Die Vergleiche reichen kaum aus, um ein direktes Zitat eines einzelnen Meisters nachzuweisen. Die Figur folgt auch Klimts eigener Absicht, sie auf einer nahezu quadratischen Fläche zu verdichten.

Die Mythologie als Rahmen für den Akt

In der europäischen Kunst bot die Geschichte der Danaë seit Langem einen anerkannten Rahmen für den liegenden Akt. Der Mythos lieferte einen angesehenen Namen, ein göttliches Ereignis und berühmte Vorbilder. Das Publikum konnte offener Sinnlichkeit im vertrauten Rahmen der klassischen Kultur begegnen.

Nach Einschätzung der Albertina könnte diese Tradition erklären, warum das Bild weniger öffentliche Empörung hervorrief, als seine unverhüllte Erotik vermuten ließe. Das ist eine plausible Deutung. Die Reaktionen konnten unterschiedlich ausfallen, und die Überlieferung gibt nur begrenzt Auskunft darüber, wie das Publikum das Werk aufnahm.^[2]

Klimt greift die Konvention auf und steigert ihre Wirkung. Das Publikum rückt sehr nahe an die Szene heran. Danaës Körper nimmt fast die ganze Bildfläche ein, und der Gott erscheint als Strom, dessen Verlauf sexuell eindeutig ist. Die ausführliche antike Szenerie herkömmlicher Darstellungen fällt weg.

Der gesellschaftlich anerkannte mythologische Titel und der enge erotische Bildausschnitt stehen damit in einem Spannungsverhältnis. Die Tradition macht das Thema erkennbar, während Klimt einen großen Teil der herkömmlichen Zurückhaltung aufgibt.

Danaë in der älteren Malerei

Das Danaë-Thema bot der europäischen Malerei seit Langem wiederkehrende Motive. Eine Frau liegt oder ist eingeschlossen, ein Goldregen fällt herab, und eine Dienerin oder Gegenstände können der göttlichen Verwandlung den Anschein einer Szene des Reichtums geben. Die Albertina nennt unter den Vorbildern Tizian und Correggio. Die zugehörigen Zeichnungen lassen sich auch mit einer aus Kopien nach Michelangelo bekannten Haltung der Leda vergleichen.^[2]

Diese Namen verorten Klimt in einer Bildtradition, aus der er einzelne Elemente übernimmt. Er lässt die Dienerin, das geräumige Bett und den lang ausgestreckten Körper weg, die in manchen früheren Fassungen vorkommen. Seine Danaë zieht sich zusammen, und die erzählerischen Requisiten fallen weg.

Der Vergleich mit Leda betrifft einzelne Aspekte. In beiden Mythen erreicht Zeus eine Sterbliche durch Verwandlung, und beide Themen regten Künstler zur Darstellung zusammengezogener weiblicher Körper an. Eine ähnliche Beinstellung kann in beiden Geschichten vorkommen, während die Figuren ihre jeweilige Identität behalten.

Klimts Eigenart liegt in der Verdichtung. Er behält den klassischen Namen und das goldene Zeichen bei und drängt den Körper in einen flachen, fast quadratischen Raum. Die älteren Vorbilder legitimieren das Thema, während die räumliche Lösung diesem Gemälde eigen ist.

Erstmals auf der Kunstschau 1908 gezeigt

Klimt vollendete Danaë für die Kunstschau Wien 1908 und zeigte das gerade fertiggestellte Werk in dem ihm gewidmeten Raum. Die Gustav Klimt Database verzeichnet sechzehn Gemälde in dieser Präsentation.^[1]

Das Publikum sah das Bild inmitten einer dichten Gruppe neuerer Arbeiten, bevor es in Privatbesitz gelangte. Innerhalb dieser Gruppe fiel Danaë durch ihr fast quadratisches Format und den eng zusammengezogenen Körper auf.

Die Albertina hat keine überlieferte zeitgenössische Kritik gefunden, die öffentlich Anstoß an der Erotik des Gemäldes nahm.^[2] Private Reaktionen konnten die sexuelle Form des Goldstroms deutlicher benennen.^[1] Die Zeugnisse zeigen zwei Arten, über das Bild zu sprechen. Die öffentliche Kritik orientierte sich an der Sprache der Ausstellung, während private Äußerungen direkter aussprachen, was die Komposition andeutete.

Das Publikum kann unterschiedlich reagiert haben. Manche Besprechungen könnten verloren sein, manche Besucher gleichgültig geblieben sein, und anderen könnte der vertraute Mythos den Zugang erleichtert haben. Die erhaltenen Zeugnisse belegen vor allem, dass kein öffentlicher Skandal dokumentiert ist.

Eduard Asts Kauf

Der Industrielle und Bauunternehmer Eduard Ast erwarb Danaë anlässlich der Präsentation von 1908 für 8.000 Kronen. Er und seine Frau bewegten sich im Umfeld der modernen Wiener Gestaltung, das Sammler, Künstler, Architekten und die Wiener Werkstätte miteinander verband.^[1][6]

Der Preis zeigt, welchen Wert das Gemälde als zeitgenössisches Werk hatte. Wie Ast die einzelnen Symbole deutete, bleibt offen. Aus dem Kauf lässt sich weder ein Porträtauftrag noch die Identität von Danaës Modell ableiten.

Asts Besitz wird durch die Umgebung verständlicher, die er für das Gemälde schuf. Josef Hoffmann entwarf die Villa Ast, in deren ovalem Damensalon das Bild später hing. Die fast quadratische Leinwand erhielt damit ihren Platz in einem sorgfältig gestalteten Wohnraum.^[6]

Der Salon zeigt, wie Danaë in einem eigens gestalteten Innenraum betrachtet werden konnte. Aus der Bezeichnung des Raums ergibt sich keine ausschließlich weibliche Lesart. Das Werk blieb ein bewegliches Ölgemälde, dessen Platz im architektonischen Ensemble bewusst gewählt war.

Ein Gemälde in Privatbesitz

Die institutionelle Forschung führt Danaë heute als Privatbesitz.^[1] Das begrenzt die öffentlich verfügbaren Angaben. Ein öffentlicher Sammlungsdatensatz, der eine dauerhafte Präsentation, neuere Konservierungsarbeiten oder eine eingehende technische Untersuchung bestätigt, liegt nicht vor.

Identität, Abbildungen und Ausstellungsgeschichte des Gemäldes sind dokumentiert. Auch im Privatbesitz kann das Werk künftig ausgeliehen werden. Die Bedingungen für den Zugang können sich ändern.

Für die Provenienz nach Ast gilt dieselbe Vorsicht. Die öffentlich verfügbaren Angaben des heutigen Eigentümers reichen für eine lückenlose Besitzfolge kaum aus. Namen, Orte und Gerüchte über Verkäufe bedürfen weiterer Belege.

Auch bei den Materialien kommt es auf die Belege an. Öl auf Leinwand ist dokumentiert.^[4] Die goldfarbene Wirkung ist sichtbar. Für eine genaue Bestimmung der metallisch wirkenden Partien, eine Zustandsbeurteilung oder einen Nachweis von Blattgold wären technische Befunde nötig, die in den herangezogenen öffentlichen Unterlagen fehlen.

Ein unbekanntes Modell

Der Titel ergibt sich aus dem Mythos. Der goldfarbene Strom lässt Danaë auch ohne einen überlieferten Namen des Modells erkennen. Die individuelle Wirkung des Körpers kann dazu anregen, nach einer realen Person zu suchen, doch keine der herangezogenen institutionellen Quellen nennt eine gesicherte Identität.

Die vorbereitenden Zeichnungen zeigen, dass Klimt Körper beim Posieren studierte. Die gemalte Figur kann Beobachtungen aus mehreren Sitzungen, überarbeitete Gliedmaßen und ein auf Ausdruck hin entwickeltes Gesicht vereinen. Die Zeichnungen belegen die Arbeit nach dem Modell und lassen dessen Identität im Gemälde offen.

Erotische Deutungen können leicht in biografische Spekulation übergehen. Die intime Haltung legt Vermutungen über Klimts private Beziehungen oder das Erleben des Modells nahe. Weder die Leinwand noch die im Katalog zusammengefassten Zeichnungen geben eine persönliche Aussage preis.

Danaë ist eine dargestellte Frau und zugleich eine Figur des Mythos. Wer die Anonymität des Modells respektiert, kann diese Ebenen auseinanderhalten und vermeidet Spekulationen über das Leben einer unbekannten Person.

Was Reproduktionen zeigen

Die meisten Menschen sehen Danaë in Reproduktionen. Abbildungen geben Aufschluss über die Komposition, die Geschichte des Titels und die grundlegenden Farbverhältnisse, besonders zusammen mit den dokumentierten Maßen und Ausstellungsunterlagen. Struktur, Lichtreflexe und Erhaltungszustand der Oberfläche sind aus der Ferne schwieriger einzuschätzen.

Diese Grenze fällt hier besonders ins Gewicht, weil das Gemälde von den Unterschieden zwischen Haut, Stoff und goldfarbenem Strom lebt. Die Bildschirmhelligkeit kann eine Partie metallisch erscheinen lassen oder Nuancen einebnen, die das Original bewahrt. Der Farbabgleich kann Violett in Richtung Purpur verschieben oder die Haut wärmer erscheinen lassen.

Der Bildaufbau ist gut genug dokumentiert, um ihn eingehend zu untersuchen. Auch die Technik Öl auf Leinwand ist belegt.^[1][4] Für Aussagen zum genauen Metallgehalt, zum heutigen Zustand der Oberfläche oder zur Wirkung des Originals vor Ort wären neuere technische Befunde und Beobachtungen nötig.

Diese Unterscheidung macht sichtbar, was Abbildungen zeigen und welche Fragen eine direkte Untersuchung erfordern.

Das Bild betrachten und Fragen offenlassen

Folgen Sie zunächst der Kontur des Körpers, vom Kopf über Rücken und Knie bis zu den Füßen. Danaë hat zu den Seiten hin kaum Platz. Achten Sie darauf, wo sich die Form schließt und wo der goldfarbene Strom sie unterbricht.

Unterscheiden Sie dann Stoff und Haut. Das violette Gewebe umgibt die Figur eng, zieht sich über sie und legt sich in Falten um sie. Die sichtbare Haut wirkt dadurch innerhalb eines privaten Raums entblößt.

Verfolgen Sie den Strom vom oberen Bildrand bis zur verdeckten Hand und zu den Schenkeln. Häufig lässt schon die Bewegung Zeus erkennen, bevor man nach einem herkömmlichen Attribut sucht.

Kehren Sie schließlich zum Gesicht zurück. Die geschlossenen Augen machen Danaës Rückzug spürbar und lassen ihr Erleben offen. Ob sie schläft, Lust empfindet, zustimmt oder sich innerlich entzieht, lässt sich aus ihrem Ausdruck allein kaum entscheiden.

Was Danaë verändert

Frühere Künstler konnten Danaës Kammer, Dienerinnen, einen Münzregen oder Zeus in sichtbarer Gestalt zeigen. Klimt nimmt fast alles weg, was den Blick von der Begegnung ablenken könnte. Die Spannung des Mythos konzentriert sich in den dicht aufeinander bezogenen Formen des Quadrats.

Klimts entscheidender Einfall ist, Zeus ohne menschlichen Körper darzustellen. Die göttliche Macht wird zur Bildsubstanz, hell, fließend und gerichtet, mit einer Kraft, der sich Danaë kaum entziehen kann. Sie zieht sich in einen Raum zurück, der für den eindringenden Strom offen bleibt.

Das Bild gibt der Empfängnis eine sinnliche Form und zeigt zugleich ein Eindringen unter ungleichen Machtverhältnissen. Die anziehenden Farben und Formen machen sichtbar, wie der Mythos Zwang erotisieren kann.

Embryo, Mutterleib, Zellen, Ekstase und Rückzug sind mögliche Deutungen sichtbarer Formen. Die greifbare Leistung liegt in der Komposition. Ein Körper, Stoff und ein goldfarbener Strom lassen eine antike Verwandlung unmittelbar erscheinen.

Häufig gestellte Fragen

Quellen

Accessed August 2026.

1. Gustav Klimt Database, “Gustav Klimt at His Zenith,” Danaë: 1907/08 date, private-collection status, composition and erotic interpretation, gold-coloured divine presence, 1908 Kunstschau display, private reception, Eduard Ast purchase and Villa context. Quelle ansehen.
2. Albertina, Vienna, Alice Strobl, “Danaë” drawing-group essay: early study chronology, transformed poses, links to unused earlier figure studies, artistic precedents and 1908 reception. Quelle ansehen.
3. Albertina, Vienna, “Danaë” group results, current set of 23 associated drawing records and dynamic catalogue grouping. Quelle ansehen.
4. University of Michigan Library Digital Collections, “Danaë,” image and object record, oil-on-canvas medium and approximately 76.83 × 82.87-centimetre dimensions. Quelle ansehen.
5. Perseus Digital Library, Tufts University, Apollodorus, Library, Book 2, Chapter 4: oracle to Acrisius, Danaë's confinement, Zeus as a stream of gold and the birth of Perseus. Quelle ansehen.
6. Gustav Klimt Database, “Eduard Ast,” collector history, 8,000-crown purchase and Danaë in the designed oval ladies' salon at Villa Ast. Quelle ansehen.

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