Der Kuss

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Der Kuss von Gustav Klimt

Wenige Gemälde erkennt man so schnell wie Gustav Klimts Der Kuss. Auf einer Reproduktion fallen zuerst die goldene Fläche, die kniende Frau und der Mann auf, der sich zu ihr beugt. Vor dem Original verändert sich die Metalloberfläche mit dem Standort. Das Paar wirkt zugleich geborgen und gefährdet. Die Umarmung erscheint zärtlich. Doch der Körper der Frau beugt sich unter dem Gewicht des Mannes, und ihre Füße reichen fast bis zum Rand der Blumenwiese. Seine Lippen berühren ihre Wange.

Klimt schuf das Gemälde auf dem Höhepunkt und gegen Ende der Goldenen Periode. Gold, Silber, Platin, Messing, Öl-Harz-Farben, Graphit und gewöhnliche Malfarbe sind auf Bereiche mit unterschiedlichen Eigenschaften verteilt. Die sichtbare Haut bleibt verletzlich und vergleichsweise schmucklos. Die Kleidung geht in Mustern auf. Das Metall lässt den Grund zugleich wie Atmosphäre, Wand, Ikone und kostbaren Gegenstand wirken. Eine private Geste erhält so den Maßstab eines öffentlichen Bildes.

Die Entstehung war bewegter, als die Ruhe des fertigen Bildes vermuten lässt. 1908 wurde es unfertig als Liebespaar gezeigt und noch während der Ausstellung für die österreichische Staatssammlung angekauft. Klimt überarbeitete es gründlich und lieferte es 1909 fertig ab. Mit dem Wechsel vom Liebespaar zu Der Kuss veränderten sich auch Figuren, Kleidung und Blumenwiese. Im heutigen Gemälde des Belvedere kommen diese Schritte der Zeichnung, Vergoldung, Ausstellung und Überarbeitung zusammen.

Auf einen Blick

• KünstlerGustav Klimt
• TitelDer Kuss (Liebespaar)
• DatierungUm 1907–1909
• TechnikÖl-Harz-Farben, Gold, Silber, Platin und Messing auf grundierter Leinwand
• Maße180 × 180 cm
• SammlungBelvedere, Wien. Üblicherweise im Oberen Belvedere ausgestellt.
• SignaturGVSTAV / KLIMT
• Erste AusstellungKunstschau Wien 1908 unter dem Titel Liebespaar
• ErwerbIm Juli 1908 für die Moderne Galerie bewilligt, noch vor der Fertigstellung
• Sichtbares DetailDer Mann küsst die Frau auf die Wange.

Der Kuss in sieben Details

Die nummerierten Punkte zeigen, wie Material, Gesten und Bildausschnitt der Umarmung ihre Spannung geben.

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Details aus DER KUSS

Die Ausschnitte zeigen einzelne Partien des Gemäldes. Wählen Sie ein Vorschaubild, um es zu vergrößern.

1

Goldgrund

Die Metallfläche umgibt die Figuren und gibt ihnen die kostbare Erscheinung einer Ikone.

2

Gesichter und Berührung

Der Mann küsst die Frau auf die Wange. Ihr abgewandtes Gesicht macht die Szene vieldeutiger, als der Titel vermuten lässt.

3

Unterschiedliche Gewänder

Rechtecke und Kreise unterscheiden die beiden Gewänder. Der Goldgrund bindet sie zu einem Ganzen zusammen.

4

Blumenwiese am Rand

Das Paar befindet sich dicht am Rand der Blumenwiese. Diese Grenze lässt die Umarmung gefährdet erscheinen.

5

Hände

Die Spannung liegt in kleinen Gesten der Hände. Sie können Halt, Erwiderung oder Widerstand andeuten.

6

Sichtbare Haut

Die vergleichsweise schmucklose Haut lässt die Körper inmitten der Muster verletzlich wirken.

7

Bildrand

Im Quadrat der Leinwand lassen die aufrechte Form des Paars und der Rand der Wiese die Umarmung inszeniert und eingeschlossen wirken.

Was geschieht im Gemälde?

Ein Mann beugt sich über eine kniende Frau und umschließt sie mit seinem breiten gemusterten Mantel. Mit der linken Hand hält er ihr Gesicht seitlich, mit der rechten wendet er ihren Kopf sanft, aber bestimmt zu sich. Ihre Augen sind geschlossen. Ein Arm reicht um seinen Nacken, der andere hebt sich zwischen beiden. Ihre Finger berühren seine Hand. Er küsst sie oben auf die Wange, nahe der Schläfe.

Klimt lässt die Stellung der Körper schwer erfassbar werden. Der Unterkörper des Mannes verschwindet im Mantel, und das Kleid der Frau geht in den Mantel und das umgebende Gold über. Ihre Knie scheinen auf einem blühenden Vorsprung zu ruhen. Die Drehung ihres Rumpfs und die gestreckten Beine lassen die Haltung jedoch unsicher wirken. Möbel, Raum und Horizont fehlen als Bezugspunkte. Das Paar könnte auf einer Wiese sein, in einem goldenen Nichts schweben oder von einem Ornament ohne gewöhnliche Raumtiefe umgeben sein.

Die gemeinsame Silhouette füllt das Quadrat als fast rechteckige Masse. Rundherum bleibt nur ein relativ schmaler Streifen aus gesprenkeltem Metall. Der Kopf des Mannes ragt oben heraus. Unten unterbricht die Wiese den abstrakten Grund und gibt den Figuren einen fragilen Halt. Rechts fällt ihr Rand nahe den nackten Zehen der Frau ab. Jenseits davon ist nur Gold zu sehen. Der blühende Boden kann wie der Rand eines Abgrunds wirken.

Klimt hält die unsichere Anordnung eng zusammen. Der geneigte Kopf des Mannes folgt der Kurve ihres Gesichts. Die Hände bilden eine Folge von Berührungen um Kopf und Schulter. Der dunkle Blätterkranz in seinem Haar antwortet auf die Blüten in ihrem. Mantel und Kleid bleiben unterscheidbar und greifen doch in einer größeren goldenen Form ineinander. Man sieht zwei Menschen, die sich einander zuwenden, und zugleich eine ornamentale Form, in der beide beinahe aufgehen.

Ein Kuss auf die Wange

Gerade das bekannteste Detail wird oft aus der Erinnerung falsch beschrieben. Das Gesicht der Frau ist nach außen und unten gedreht. Der Mann berührt mit den Lippen ihre Wange. Der kleine Abstand zwischen ihren Mündern lässt den Kuss weniger eindeutig erwidert erscheinen.

Die geschlossenen Augen und der gehobene Arm können Genuss, Ruhe oder Vertrauen ausdrücken. Ihre Finger legen sich um seinen Nacken, ihre Hand trifft seine. Der Mann steht aufrecht und beugt sich von oben herab. Seine Hände führen ihr Gesicht. Sie kniet mit freier Schulter nahe am Rand. Die Umarmung kann schützend oder einengend wirken, je nachdem, welchem Detail man folgt.

Die Zärtlichkeit der Berührung und das Ungleichgewicht der Haltungen lassen mehrere Lesarten zu. Der Kuss auf die Wange zeigt Zuneigung. Klimt lässt die Erfüllung als Annäherung, Druck und Umhüllung erscheinen und hält damit den Ausgang der Szene offen.

Die wechselnden Titel verstärken die Mehrdeutigkeit. Auf der Kunstschau 1908 hieß das Bild Liebespaar. Im Herbst 1909 erschien es in einem Museumskatalog als Der Kuss. Der erste Titel benennt eine Beziehung, der zweite eine Handlung. Beide lassen offen, wer die Figuren sind und was davor oder danach geschieht. Der neue Titel lenkt den Blick auf eine Geste, die etwas anders ausfällt, als das Wort „Kuss“ zunächst erwarten lässt.^[1]

Zwei Körper mit unterschiedlichen Mustern

Am deutlichsten unterscheidet Klimt die Figuren durch das Ornament. Senkrechte Blöcke, lange Rechtecke und dunklere Felder gliedern den Mantel des Mannes. Schwarz, Weiß, Grau und Metalltöne geben dem Muster Gewicht und folgen der aufrechten Figur. Einige Formen erinnern an Stäbe oder Mosaiksteine, andere scheinen auf dem Gold zu schweben.

Das Kleid der Frau ist bewegter. Kreise, Ovale, konzentrische Formen, farbige Blüten und geschwungene Linien breiten sich darauf aus. Der Stoff fächert sich über der Wiese auf und geht optisch in ihr auf. Der Unterschied zwischen den eckigen Formen im Mantel und den runden im Kleid zeigt, wie Klimt die Figuren durch ihre Muster unterscheidet.

Die Muster folgen keinem starren Schlüssel. Kleine Kreise erscheinen auch im Bereich des Mannes, und im Kleid der Frau gibt es ausgeprägte Senkrechten. Beide Figuren sind durch dasselbe Gold verbunden. Die Formen halten sie auseinander, während das Metall sie in einer gemeinsamen Fläche zusammenfasst.

Gesichter, Hände und Füße sind anders gemalt als die Kleidung. Weiche Farbwechsel modellieren die Haut und lassen die Unregelmäßigkeiten lebender Körper sichtbar. Der Nacken des Mannes, die gerötete Wange, die Schatten unter den Augen der Frau und der leichte Druck der Finger sind vergleichsweise naturalistisch behandelt. Neben dem harten, reflektierenden Metall und den geordneten Mustern wird die Berührung unmittelbarer spürbar.

Das Gesicht der Frau ist besonders gut zu erkennen. Es ist dem Betrachter zugewandt und entzieht sich ihm durch die geschlossenen Augen. Seine Züge lösen sich weniger stark auf als ihr Körper. Das Gesicht bewahrt die Gegenwart einer Person inmitten einer flächig gestalteten Umgebung. Sein Ausdruck bleibt offen und hält den Blick fest.

Der Rand der Blumenwiese

Zu Füßen des Paars liegt ein dichter Streifen kleiner Blumen. Weiße Gänseblümchen, helle Punkte, Blätter und verstreute Blüten füllen die Fläche unter den metallisch glänzenden Gewändern. Die Wiese bringt Farbe und Struktur in den unbestimmten Raum. An ihr wird sichtbar, wo die Körper Halt finden.

Die Wiese endet abrupt und reicht nirgends sichtbar in die Ferne. Die Zehen der Frau krümmen sich nahe der abfallenden Kante. Dünne goldene Fortsätze unter ihrem Kleid betonen die Richtung nach unten. Der Mann wirkt fester verankert, obwohl seine Füße verborgen sind. Die Umarmung kann so als Schutz am Rand eines bewohnbaren Raums erscheinen.

Vor dem Original ist diese Grenze auffälliger als in vielen Reproduktionen. Ein enger Ausschnitt oder eine flache Wiedergabe lässt die Blumen leicht als Zierstreifen erscheinen. Im 180 Zentimeter großen Quadrat wird der Halt der fast lebensgroßen Figuren körperlich nachvollziehbar. Die untersten Formen scheinen über einem unbestimmten Abgrund zu schweben.

Die Blumen verbinden die Figuren auch mit dem Ornament. Blüten erscheinen im Haar und auf dem Kleid der Frau. Farbige Rundformen führen vom Gewand zur Wiese, bis sich Stoffmuster und Pflanze kaum noch voneinander trennen lassen. Kleidung, Körper und Boden greifen gestalterisch ineinander.

Gold als Material und seine Wirkung im Licht

Die Bezeichnung „Goldbild“ erfasst nur einen Teil der Oberfläche von Der Kuss. Untersuchungen des Belvedere haben Gold, Silber, Platin, Messing und weitere Materialien in unterschiedlichen Kombinationen nachgewiesen. Die Metalle reflektieren das Licht anders als Pigmente. Deshalb verändert sich das Aussehen des Gemäldes mit der Beleuchtung.^[1]

Klimt begann auf leicht grundierter Leinwand mit einer Unterzeichnung aus Graphit und fixierte sie mit einer dünnen, transparenten Lasur. Auf größere Flächen brachte er Blattmetall und metallhaltige Zubereitungen auf. Eine dunkelbraune Öl-Harz-Lasur bestimmte den Ton des Grundes mit. Über einzelne Partien streute Klimt kleine Flocken aus Gold, Platin und Messing. Das Belvedere vergleicht die Wirkung mit japanischen Maki-e-Lackarbeiten, bei denen Metallpulver oder Metallflocken ein leuchtendes Dekor bilden.^[1]

Die Bildzonen sind unterschiedlich aufgebaut. Große Teile des Mantels wurden vergoldet und mit Reliefornament, Metall und Farbe weiter ausgearbeitet. Im Kleid verband Klimt Messing und Gold in einer anderen Schichtenfolge mit farbigen Mustern. Wiese, Haar und Haut liegen auf anders behandelten Partien. Pigmente wie Zinnober und Kobalt blieben für die Körper und die Blumen wesentlich.^[1]

Das Gold kann grenzenlos wirken, weil es dem Hintergrund die gewohnte Tiefe nimmt. Reliefs und übereinanderliegende Schichten machen zugleich die Arbeit an der Oberfläche sichtbar. Das Licht scheint aus dem Raum zu kommen und dem Bild selbst anzugehören. Wer seinen Standort verändert, sieht, wie ein Metall aufleuchtet und ein anderes zurücktritt. Die Umarmung ist von einer Atmosphäre umgeben, die aus greifbaren Materialien entsteht und sich keinem gewöhnlichen Bildraum zuordnen lässt.

Gold konnte für Klimt und sein Publikum vieles aufrufen. Byzantinische Mosaiken, mittelalterliche Goldgründe, japanische Lackkunst und weitere ostasiatische Arbeiten zeigten, wie kostbare Oberflächen über die Wiedergabe der sichtbaren Welt hinauswirken. Klimt hatte die Mosaiken des 6. Jahrhunderts in Ravenna gesehen. In seinen reifen Werken erprobte er, was Materialien aus Handwerk und Dekoration in der Malerei leisten können. Das Belvedere beschreibt den Metalleinsatz als Herausforderung an eine rein nachahmende Kunst. Das Gold trägt Licht durch seine eigene Reflexion.^[3]

Die Nähe zur Ikone liegt in der sichtbaren Wirkung. Das Gold löst das Paar aus alltäglichen Zeit- und Ortsbezügen und gibt der Geste den Ernst eines rituellen Bildes. Die Gewänder erinnern zugleich an Textilien, Schmuck, Mosaiken und gestaltete Innenräume. Klimt verbindet sakralen Glanz mit dem modernen Zusammenspiel von Malerei und angewandter Kunst.

Die Umarmung in den Zeichnungen

Der geschlossene Aufbau des fertigen Bildes ging aus vielen Versuchen hervor. Klimt zeichnete stehende und kniende Paare und prüfte, wie zwei Figuren eine gemeinsame Kontur bilden können, ohne ihr eigenes Gewicht zu verlieren. Eine Zeichnung von etwa 1907–1908, Stehendes Liebespaar von der Seite, vereint bereits mehrere Elemente des Gemäldes. Das Paar steht erhöht neben einer rosenartigen Pflanze. Die Gewänder umschließen die Körper und heben die freien Köpfe hervor.^[2]

Die erhaltenen Blätter zeigen verschiedene Möglichkeiten. Klimt veränderte die Neigung der Köpfe, die Haltung der Arme und das Verhältnis von Stehen und Knien. Beim Zeichnen fand er Gesten, die die emotionale Spannung tragen konnten, bevor er die Körper in Metall und Muster überführte. Die sparsamen Linien konzentrieren sich häufig auf Nacken, Schulter, Hände und den Fall des Stoffs.

Das Wien Museum bewahrt Entwürfe im Zusammenhang mit Der Kuss und dem Palais Stoclet. Zusammen zeigen sie, wie oft Klimt das umschlungene Paar aufgriff. Er variierte es in Zeichnungen, Gemälden und dekorativen Aufträgen, um Nähe, Umhüllung und die Grenze zwischen Figur und Fläche zu erkunden.^[4]

Eine wichtige Parallele ist Die Erfüllung, das umschlungene Paar im Mosaikfries für den Speisesaal des Palais Stoclet in Brüssel. Auch dort gehen die Körper im reichen Ornament ineinander über. Architektur und Mosaik geben der Umarmung jedoch einen anderen Rhythmus. Beide Werke zeigen, wie Klimt eine Umarmung zu einer geschlossenen dekorativen Form entwickeln konnte, in der die Zärtlichkeit der Geste spürbar bleibt.

Das Motiv hat auch außerhalb von Klimts Werk Vorläufer. In Edvard Munchs Der Kuss, das in mehreren Fassungen aus den 1890er Jahren bekannt ist, verschmelzen zwei Gesichter zu einer dunklen, fast unteilbaren Form. Klimts Licht, Materialien und Körperhaltungen unterscheiden sich deutlich. Der Vergleich zeigt eine gemeinsame Frage. Was geschieht mit der Eigenständigkeit zweier Menschen, wenn sie sich im Kuss vereinen?

Auf dem Höhepunkt der Goldenen Periode

„Goldene Periode“ ist eine rückblickende Bezeichnung für die Jahre, in denen Klimt Metall und Ornament eine beherrschende Rolle gab, etwa in Judith I, im ersten Bildnis Adele Bloch-Bauers und in Hoffnung II. Der um 1907–1909 entstandene Kuss steht nahe dem Höhepunkt und dem Ende dieser Phase.^[1][2]

Klimt hatte sich inzwischen von der illusionistischen Historienmalerei entfernt, mit der er erste Erfolge erzielt hatte. Der Streit um die Deckengemälde für die Universität Wien hatte öffentliche Aufträge schwieriger gemacht. Private Bildnisse, Landschaften, Allegorien und Ausstellungsbilder gaben ihm mehr Spielraum. Im Umfeld der Wiener Secession und der Wiener Gestaltung konnte er ein Gemälde als Teil einer Kunst verstehen, in der Architektur, Möbel, Textilien und Grafik gemeinsame Formen entwickelten.

Der Kuss bündelt diese Entwicklungen. Das Quadrat erinnert an die Regelmäßigkeit einer Tafel oder eines Wandfelds. Das reliefartige Ornament lässt die handwerkliche Arbeit am Gegenstand erkennen. Die plastisch gemalte Haut zeigt Klimts akademisches Können mitten in bewusst flach gehaltenen Partien. Malerei und Dekoration bestimmen die Wirkung gemeinsam.

Nach 1909 gewann Farbe in vielen Bildnissen und Landschaften an Eigenständigkeit. Muster blieben wichtig und nahmen andere Formen an. Der Kuss versammelt die Mittel der Goldenen Periode in dem Moment, in dem Klimt begann, das Verhältnis von Farbe und Oberfläche neu zu gestalten.

Die Kunstschau von 1908

Erstmals öffentlich zu sehen war das Gemälde auf der Wiener Kunstschau von 1908 außerhalb des regulären Programms der Secession. Vom 1. Juni bis zum 15. November vereinte die Ausstellung Architektur, Malerei, Skulptur und angewandte Kunst in eigens eingerichteten Räumen. Klimt stand im Mittelpunkt und zeigte sechzehn Gemälde und achtzehn Zeichnungen in drei Sälen.^[1][2]

Das damals Liebespaar genannte Gemälde hing an prominenter Stelle gegenüber dem Eingang zu einem der Säle. Ihm gegenüber befanden sich Die drei Lebensalter der Frau. Die Hängung setzte erotische Nähe und den weiblichen Lebenszyklus zueinander in Beziehung. Sie war Teil eines gestalteten Rundgangs, der das Zusammenspiel der Künste sichtbar machen sollte.^[1]

Bei der Eröffnung war das Bild noch unfertig. Eine Fotografie von Moriz Nähr dokumentiert den früheren Zustand, besonders die noch wenig ausgearbeitete Partie links unten. Die Komposition war bereits geschlossen genug, um den Raum zu beherrschen und die Aufmerksamkeit der öffentlichen Sammlung zu gewinnen. Die ersten Besucher sahen eine andere Fassung als die heute vertraute.^[1]

Am 10. Juli 1908, noch während der Kunstschau, beschloss der Ankaufsausschuss der Modernen Galerie den Erwerb. Die 25.000 Kronen waren der höchste Betrag, den die Institution bis dahin für das Werk eines lebenden Künstlers bezahlt hatte. Nach den Auseinandersetzungen mit staatlichen Institutionen gelangte so ein noch unfertiges modernes Gemälde Klimts zum Rekordpreis in die Staatssammlung.^[1]

Die Galerie wählte ein Werk aus, das Klimt aus eigener Initiative begonnen und bereits öffentlich gezeigt hatte. Diese Abfolge erklärt sowohl seine künstlerische Freiheit als auch die frühe Anerkennung des Gemäldes.

Ein staatlicher Ankauf nach öffentlichem Streit

Die Bedeutung des Ankaufs lässt sich am Preis allein nicht ablesen. Klimts Verhältnis zum offiziellen österreichischen Kulturbetrieb war durch die Fakultätsbilder für die Universität Wien schwer belastet. Kritiker, Professoren und Politiker griffen die Allegorien an. Schließlich zahlte Klimt das Honorar zurück und erhielt die Werke wieder. Den Erwartungen des Staates fügte er sich deshalb nicht.

Vor diesem Hintergrund markierte der Ankauf der Liebenden einen Wandel in der institutionellen Anerkennung, während der frühere Konflikt fortbestand. Die Moderne Galerie erwarb ein eigenständig konzipiertes Werk, das auf einer von Künstlern organisierten Ausstellung zu sehen und erkennbar noch nicht fertig war. Die Galerie reagierte auf das Ansehen, das Klimt sich außerhalb staatlicher Auftragsprogramme erarbeitet hatte.

Auch der Zeitpunkt zeugt von ungewöhnlicher Entschlossenheit. Museen warten oft ab, bis sich der Ruf eines Künstlers gefestigt hat und ein Werk vollendet ist. Im Juli 1908 trug das Bild noch nicht den Titel, unter dem es berühmt werden sollte. Die Komposition war noch im Fluss, und die Leinwand war noch nicht geliefert. Der Ankaufsausschuss erwarb ein Werk im Entstehen und räumte Klimt ein, weiter über seine Gestalt zu bestimmen.^[1][5]

Damit wird die geläufige Gegenüberstellung von radikalem Künstler und konservativer Institution brüchig. Derselbe öffentliche Kulturbetrieb, der Teile von Klimts Kunst zurückgewiesen hatte, konnte eines seiner kühnsten Experimente bewahren. Je nach Auftrag, Gremium und Zeitpunkt fielen die Entscheidungen sehr unterschiedlich aus.

Der Rekordpreis von 25.000 Kronen machte die Entscheidung weithin sichtbar. Er zeigte, dass ein moderner österreichischer Künstler schon zu Lebzeiten die bis dahin größte finanzielle Zusage der Galerie erhalten konnte. Der spätere Ruhm des Bildes lässt leicht vergessen, wie gewagt der Ankauf war. Das Museum entschied sich für das unfertige Bild eines umstrittenen Künstlers, weil es dessen Bedeutung bereits erkannte.

Der Ankauf sicherte dem Gemälde zudem seinen Platz in Wien. Dass es später zum Wahrzeichen der Stadt werden konnte, hängt mit der frühen Aufnahme in die staatliche Sammlung zusammen. Internationale Ausstellungen festigten Klimts Ruf, während das Bild im Belvedere über Generationen hinweg immer wieder ein Wiener Publikum erreichte.

Ein Meisterwerk, das nach seinem Erfolg weiter Gestalt annahm

Nach der Kunstschau arbeitete Klimt an der Komposition weiter. Technische Aufnahmen und der Vergleich mit dem Ausstellungsfoto zeigen Änderungen an Gewändern, Blumen, Gliedmaßen und Umrissen. Klimt überarbeitete den Schmuck des männlichen Mantels, zeichnete die weibliche Gestalt deutlicher und verlängerte ihre Unterschenkel. Auf der Wiese ergänzte oder veränderte er Blumen. Der linke Unterarm der Frau, zunächst stärker verdeckt, wurde deutlicher sichtbar. Unter der endgültigen Fassung entdeckte man sogar Spuren eines ursprünglich eingezeichneten Bartes.^[1]

Die goldenen Flächen wirken mitunter so geschlossen, als hätte Klimt sie in einem Zug entworfen. Die Überarbeitungen zeigen, wie sehr das Muster selbst zur Komposition gehörte. Ein Rechteck, ein Umriss oder eine Blumengruppe konnte das Verhältnis der beiden Körper ebenso stark verändern wie die Stellung einer Hand.

Der unfertige Zustand wirft auch eine Frage nach der frühen Rezeption auf. Der Ankauf stand schon fest, ehe Klimt seine letzten Entscheidungen getroffen hatte. Der Erfolg setzte also früher ein. Die Änderungen betonten jedoch Züge, auf die sich heutige Deutungen häufig stützen: wie weit die Frau an den Rand heranreicht, wie klar sich die Gewänder unterscheiden und wie sich die Blumenwiese in das Bildganze fügt.

Klimt vollendete das Bild im Juni 1909 und lieferte es im folgenden Monat. Im Herbst führte es der Museumskatalog als Der Kuss. Ob die Umbenennung mit der letzten Arbeitsphase abgestimmt war, bleibt offen. Beides kennzeichnet den Übergang vom ausgestellten Werk im Entstehen zum heutigen Museumsstück.^[1]

Sind Gustav Klimt und Emilie Flöge dargestellt?

Die Vermutung, das Liebespaar stelle Gustav Klimt und Emilie Flöge dar, ist reizvoll, oft wiederholt und unbewiesen. Flöge war eine wegweisende Wiener Modeschöpferin und Klimts engste lebenslange Vertraute. Briefe, gemeinsam verbrachte Sommer und familiäre Verbindungen zeugen von großer Nähe. Welcher Art ihre Beziehung genau war, bleibt ungewiss. Klimt mied eindeutige Selbstdarstellungen und gab selten Erklärungen, mit denen sich die Figuren seiner Allegorien bestimmen ließen.

Einige Indizien halten die Vermutung lebendig. Eine Brosche von 1908 mit einer Umarmung als Motiv wurde mit den Initialen Klimts und Flöges in Verbindung gebracht. In den Vorarbeiten zum Kuss erscheint ein bärtiger Mann, der entfernt an Klimt erinnern könnte. Das Bild entstand zudem in einer Zeit, in der das Motiv des sich umarmenden Paares in seinem Werk und seinem privaten Bildumfeld wiederholt auftauchte.^[1][2]

Die Identität der Figuren bleibt offen. In der endgültigen Fassung hat der Mann kaum Züge eines herkömmlichen Porträts, und das Gesicht der Frau lässt sich Flöge nicht sicher zuordnen. Persönliche Empfindungen konnten in die Arbeit einfließen, ohne dass Klimt eine bestimmte Begebenheit oder bestimmte Menschen darstellen musste. Die Biografie bietet eine mögliche Quelle unter mehreren.

Die Ungewissheit trägt zur Wirkung des Bildes bei. Namenlose Figuren können leichter als Urbilder erscheinen als dokumentierte Modelle. Ihre körperliche Eigenart bleibt dabei wesentlich: der Winkel ihres Körpers, sein Druck von oben, die unterschiedlichen Muster, die jede Figur gliedern. Das Bild gewinnt einen Teil seiner Allgemeingültigkeit daraus, dass es offenlässt, wessen Erfahrung es zeigt.

Liebe, Mythos und Allegorie

Das Werk ist oft als Allegorie der Liebe gelesen worden. Die Abgeschiedenheit des Paares, die kostbaren Materialien und das Fehlen einer konkreten Handlung stützen diese Lesart. Das umgebende Gold entzieht die Umarmung einem zeitlich bestimmbaren Raum oder einer erkennbaren Landschaft. Das Paar scheint in einem symbolischen Zustand zu verharren, enthoben dem Alltag.

Die Forschung hat das Paar auch mit Liebenden aus Mythos und Literatur verglichen: Amor und Psyche, Dionysos und Ariadne oder Paolo und Francesca. Solche Parallelen erschließen den kulturellen Hintergrund des Motivs. Ein Attribut, das eindeutig auf eine dieser Geschichten verweist, fehlt. Die Szene erreicht die Intensität eines Mythos und lässt ihre Handlung offen.^[1]

Der Wiesenrand legt eine weitere allegorische Deutung nahe. Liebe kann am Rand des Nichts Schutz bieten. Begehren kann das Bewusstsein für Gefahr aussetzen. Die Goldfläche kann Erfüllung oder den Verlust der Außenwelt meinen. Solche Lesarten ergeben sich aus dem Zusammenspiel sichtbarer Formen: wie sich die Körper umschließen und berühren, wie unsicher ihr Halt ist und wie ihre Konturen im Gold verschwinden.

Weil Klimt seine Werke selten erklärte, gewinnt die Deutung an Überzeugungskraft, wenn sie bei sichtbaren Beziehungen ansetzt. Der Mann überragt die kniende Frau. Ob darin Schutz, Hingabe, Herrschaft, Ekstase oder ein wechselndes Zusammenspiel davon liegt, hängt davon ab, wie man die ganze Komposition liest.

Geschlecht, Macht und Einvernehmen

Neuere feministische Lesarten haben die Annahme hinterfragt, Der Kuss sei ein ungetrübtes Bild gegenseitiger Zuneigung. Der Körper des Mannes beherrscht die obere Bildhälfte. Sein Gesicht bleibt weitgehend verborgen, während seine Hände den Kopf der Frau führen. Sie befindet sich tiefer, ist stärker dem Blick ausgesetzt und dem Rand näher. Die eckigen und runden Ornamente können kulturell geprägte Geschlechtergegensätze zwischen Festigkeit und Weichheit, Aktivität und Empfänglichkeit verstärken.^[1]

Diese Beobachtungen lassen verschiedene Schlüsse zu. Die Frau legt den linken Arm um den Mann, berührt seine Hand und kann einen friedlichen Eindruck machen. Ein offener Kampf ist nicht zu sehen. Die Unterschiede in Haltung und Handlungsspielraum bleiben dennoch sichtbar, auch wenn der Glanz des Goldes sie leicht überstrahlt.

Zärtlichkeit und Macht können in derselben Geste liegen. Fürsorge kann in Besitzanspruch übergehen, und auch Hingabe kann eine eigene Entscheidung sein. Gerade wo das Gesicht des Mannes verborgen bleibt, ist das der Frau sichtbar. Er umschließt sie mit seinem Körper, doch ihr Ausdruck bestimmt, wie wir die Szene empfinden. Ihr Innenleben bildet den menschlichen Mittelpunkt des Bildes.

Die Beliebtheit des Werks hat diese Spannung oft vereinfacht. Als Zeichen romantischer Liebe lässt sich das Paar leicht reproduzieren, wenn man den Wiesenrand abschneidet oder übersieht, dass der Kuss der Wange gilt. Die vollständige Komposition zeigt wieder, wie heikel das Gleichgewicht ist. Das Bild bleibt wirksam, weil es der Liebe eine anziehende Form gibt und Raum für Zweifel lässt.

Wie das Bild ohne Zimmer Intimität schafft

Herkömmliche Darstellungen von Liebenden zeigen oft einen Ort, an dem das Paar für sich sein kann: ein Schlafzimmer, einen Garten, einen Hauseingang oder eine abgeschiedene Landschaft. Klimt verzichtet auf fast alle solchen erzählerischen Hinweise. Tageszeit, Architektur, Wetter und Requisiten fehlen. Selbst die Wiese ist zu schmal, um als glaubhafter Schauplatz zu dienen.

So entsteht ein Raum, der vor allem eine Empfindung vermittelt. Das Gold drängt nach vorn und rückt das Paar an die Bildoberfläche und damit an uns heran. Zugleich schließt die Versunkenheit der beiden uns aus. Wir sehen das Gesicht der Frau, aber ihr Blick erreicht uns nicht. Der Mann wendet sich von uns ab. Ihre Nähe liegt offen vor uns und bleibt innerlich unzugänglich.

Das quadratische Format verstärkt diese Geschlossenheit. Anders als ein hohes Porträt oder eine breite erzählerische Komposition lenkt es den Blick kaum auf eine Fortsetzung außerhalb des Bildes. Seine Maße schaffen ein in sich geschlossenes Feld. Das Paar füllt es wie ein monumentales Zeichen, während die unregelmäßige Unterkante ihm Bewegung verleiht.

Klimts gemusterte Oberflächen verändern auch das Verhältnis von Figur und Grund. Die Figuren scheinen aus dem Hintergrund hervorzutreten und wieder in ihn zurückzukehren. Ihre Gewänder vermitteln zwischen beiden. Die Umarmung verbindet auf diese Weise auch Modellierung und Fläche, Körper und Ornament, Bild und Gegenstand.

Aus der Ferne und aus der Nähe

Der Kuss erschließt sich auf zwei beinahe gegensätzliche Arten. Aus der Ferne bildet das Paar ein einziges gewaltiges Zeichen. Der dunkel geränderte Mantel des Mannes bildet eine Säule, das Kleid der Frau breitet sich darunter aus, und die beiden Köpfe schließen die Form nach oben ab. Die einzelnen metallischen Akzente verschmelzen zu einer goldenen Atmosphäre. Das Motiv lässt sich fast augenblicklich erfassen. Darin liegt ein Grund für seinen hohen Wiedererkennungswert.

Aus der Nähe löst sich diese Einheit auf. Im breiten Feld treten Flocken, Lasuren, Blattmetall und ungleichmäßige Reflexe hervor. Erhabene Muster unterbrechen glatte Partien. Kleine Unterschiede zwischen Platin, Silber, Messing und Gold werden sichtbar, sobald man den Standort wechselt. In den scheinbar nahtlosen Gewändern treten Übergänge, Überarbeitungen und unterschiedliche Auftragstechniken hervor. Der einheitliche Glanz erweist sich als Ergebnis vieler einzelner Entscheidungen.

Bei Gesichtern und Händen vollzieht sich der umgekehrte Wandel. Aus der Ferne erscheinen sie wie kleine naturalistische Inseln im Ornament. Aus der Nähe zeigt sich, mit wie wenig Modellierung Klimt den Druck eines Fingers, die Wärme einer Wange oder ein geschlossenes Lid vermittelt. Die stillen Tonabstufungen wirken neben dem Metall umso empfindlicher. Die Haut gewinnt an Präsenz, weil ihre Weichheit im übrigen Bild so selten eine Entsprechung findet.

Mit der Entfernung verändert sich auch die Handlung, die wir wahrnehmen. Von der anderen Seite des Saals wirkt das Bild wie eine Vereinigung. Aus der Nähe fallen die einzelnen Gesten auf: sein Daumen an ihrem Kiefer, ihre Finger an seiner Hand, der Abstand zwischen den Mündern, die unbequeme Drehung ihres Halses und ihre ausgestreckten Zehen. Das Zeichen löst sich in eine Folge von Berührungen auf. Beide Sichtweisen bleiben wirksam.

Darin unterscheidet sich die Leinwand von einem kleinen Bild für den privaten Gebrauch. Mit 180 Zentimetern Seitenlänge kann sie einen Raum prägen und sich in einer gestalteten Ausstellung behaupten. Die entscheidenden Vorgänge sind winzig. Der Kuss auf die Wange und die Fingerspitzen ziehen uns heran, dann treten wir zurück, um wieder das ganze Quadrat zu sehen. Die Intimität entfaltet sich innerhalb der monumentalen Form.

Auch das umgebende Gold verändert sich mit dem Abstand. Von Weitem erscheint es leer, ein unendliches Feld ohne Hinweise auf die alltägliche Welt. Aus der Nähe zeigt sich eine dicht bearbeitete Fläche aus sehr konkreten Materialien. Erzählerisch ist das Feld leer, als Gegenstand voller Einzelheiten. Es entzieht die Liebenden dem gewöhnlichen Raum und erinnert uns zugleich an die Leinwand vor uns.

Die bekanntesten Reproduktionen halten jeweils eine Beleuchtung und einen Abstand fest. Sie vermitteln Aufbau, Farbverhältnisse und Haltung, während das Aufleuchten und Abdunkeln der verschiedenen Metalle beim Wechsel des Blickwinkels dem Original vorbehalten bleibt. Vor der Leinwand kommt die Zeit hinzu, die wir zum Vorbeigehen, Anpassen des Blicks, Näherkommen und Zurücktreten brauchen. Klimt macht unsere Bewegung zum Teil dessen, was am Werk sichtbar wird.

Von Wien in die Welt

Nach der Aufnahme in die Moderne Galerie wurde Der Kuss 1911 in Rom und 1912 in Dresden gezeigt. Das Bild blieb die meiste Zeit in der österreichischen Sammlung und überstand politische Umbrüche und die Auslagerung im Krieg. Seit 1954 ist es mit der Präsentation im Oberen Belvedere verbunden und reiste in den letzten Jahrzehnten selten. Als letzte größere Ausleihe nennt das Belvedere Rom im Jahr 1997.^[1]

Sein fester Platz in der Sammlung half, das Bild zu einem kulturellen Wahrzeichen des Wien um 1900 zu machen. Auf engem Raum vereint es vieles, was heute mit dieser Zeit verbunden wird: Gold, Ornament, Erotik, psychologische Mehrdeutigkeit und fließende Grenzen zwischen bildender und angewandter Kunst. Sein Ruhm reicht weit über diesen historischen Zusammenhang hinaus. Auch wer wenig über die Secession oder das Wien der Habsburger weiß, kann unmittelbar auf das gehaltene Gesicht, die geschlossenen Augen und das umgebende Licht reagieren.

Die leichte Zugänglichkeit hat ihren Preis. Ständige Wiederholung kann dem Werk seine Fremdheit nehmen. Gold wird zum Luxus, die Figuren stehen für Romantik, und der Titel scheint alles zu erklären. Vor dem Original widersetzen sich Größe und wechselnder Glanz dieser Vereinfachung. Metall kann je nach Winkel matt, leuchtend oder dunkel erscheinen. Erhabene Ornamente machen die Oberfläche uneben. Im scheinbar leeren Gold geschieht materiell viel.

Die Wirkungsgeschichte des Bildes bewegt sich zwischen Wiedererkennen und Wiederentdecken. Sein Umriss prägt sich leicht ein. Wie das Bild tatsächlich aufgebaut ist, erschließt sich beim genauen Blick auf das Werk selbst.

Warum Der Kuss bedeutend ist

Der Kuss hält Widersprüche zusammen und lässt sie bestehen. Das Werk ist Gemälde und kostbarer Gegenstand, intime Szene und öffentliches Monument, naturalistisch und abstrakt zugleich. Das Gold kann Zeitlosigkeit andeuten, während das Material seine handwerkliche Verarbeitung zeigt. Die Umarmung kann einvernehmlich und zärtlich wirken, obwohl Haltung und Druck ungleich verteilt sind. Die Figuren laden zu biografischen Vermutungen ein und entziehen sich einer eindeutigen Benennung.

Das Gemälde zeigt auch, wie entschieden Klimt mit dem Ornament komponierte. Die Muster bauen die Körper auf, unterscheiden und verbinden sie und drohen, ihre Konturen aufzulösen. Die Bildwirkung hängt ebenso von Rechtecken, Kreisen und Metallschichten ab wie vom Ausdruck der Gesichter.

Schließlich zeigt das Werk ein ungewöhnliches Verhältnis zwischen Entstehung und Ruhm. Es wurde gefeiert und gekauft, bevor es fertig war. Danach änderte Klimt gerade jene Einzelheiten, an denen sich spätere Generationen beim Betrachten orientieren würden. Während die endgültige Gestalt entstand, änderte sich auch der Titel. Das Meisterwerk nahm vor den Augen der Öffentlichkeit Gestalt an.

Wer erneut hinsieht, bemerkt, dass der berühmte Kuss die Lippen verfehlt, dass die Wiese abbricht, dass unter der sichtbaren Oberfläche einst ein Bart lag und dass der Goldton aus mehreren Metallen entsteht. Diese Einzelheiten geben der Liebesszene ihre Tiefe.

Der Künstler im Porträt: Gustav Klimt 1907–1909

Gustav Klimt war Mitte vierzig, als er Der Kuss malte. Vom angesehenen Dekorationsmaler akademischer Prägung hatte er sich zum umstrittensten und gefeiertsten modernen Künstler Wiens entwickelt. Er wurde 1862 in eine Familie mit Verbindungen zum Goldgravurhandwerk geboren, studierte an der Wiener Kunstgewerbeschule und führte zu Beginn seiner Laufbahn mit seinem Bruder Ernst und Franz Matsch dekorative Aufträge aus.

Ende der 1890er-Jahre gehörte Klimt zu den führenden Gründern der Wiener Secession. Die Gruppe stellte das konservative Ausstellungswesen infrage und förderte die internationale Moderne. Ihr Bestreben, Malerei, Architektur und angewandte Kunst einander anzunähern, blieb für Klimt und seine Mitstreiter auch nach ihrem Austritt aus der Secession 1905 wichtig.

Die Jahre um Der Kuss waren außerordentlich produktiv. Klimt arbeitete am ersten Porträt von Adele Bloch-Bauer, an Hoffnung II, an den Entwürfen für das Palais Stoclet und an zahlreichen Zeichnungen von Körpern, die durch Ornament verbunden sind. Auf der Kunstschau 1908 zeigte er Porträts, Allegorien, Landschaften und Arbeiten auf Papier. Vier Gemälde wurden verkauft, ein Zeichen für das Interesse privater und institutioneller Käufer.^[2]

Klimt äußerte sich öffentlich seltener zu seiner Kunst, als sein Ruhm vermuten lässt. Nur wenige Aussagen von ihm geben vor, wie einzelne Gemälde zu deuten sind. Zeichnungen, Fotografien, Briefe und Ausstellungsunterlagen liefern Anhaltspunkte. Das genaue Hinsehen bleibt unverzichtbar, weil Lebensgeschichte und Absicht allein die Bilder nicht vollständig erklären.

In Der Kuss finden seine frühe dekorative Ausbildung und seine reife Malerei auf ungewöhnliche Weise zusammen. Das Gravieren von Gold gehörte zu seinem familiären Umfeld, die angewandte Kunst zu seiner Ausbildung und das Zeichnen der menschlichen Figur zu seiner täglichen Arbeit. Auf der Leinwand kommen diese Erfahrungen gleichberechtigt zusammen. So entstand ein neuartiges Bild, in dem das Ornament die Empfindung der Liebesszene erst hervorbringt.

Häufig gestellte Fragen

Quellen

1. Belvedere. „Der Kuss (Liebespaar)“, Sammlungseintrag, kuratorischer Beitrag, Provenienz und technische Untersuchung. Quelle ansehen.
2. Gustav Klimt Database. „Gustav Klimt auf dem Höhepunkt seines Schaffens, 1907–1909“. Quelle ansehen.
3. Belvedere. „Warum verwendete Gustav Klimt Gold?“ Quelle ansehen.
4. Wien Museum. Presse- und Sammlungsdossier zu Gustav Klimt im Wien Museum. Quelle ansehen.
5. Belvedere. Geschichte und Architektur, mit der Geschichte der Modernen Galerie und der Belvedere-Sammlung. Quelle ansehen.

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