von Tom Gurney
Tom Gurney, BSc (Hons), beschäftigt sich seit über zwanzig Jahren mit Kunstgeschichte
Veröffentlicht am 21. August 2026 / Aktualisiert am 23. Oktober 2026
E-Mail: tomgurney1@gmail.com / Telefon: +44 7429 011000
Über Pallas Athene
Eine behelmte Göttin tritt dem Betrachter im Quadrat entgegen. Seitlich ragt ein Speer auf. Ein Schuppenpanzer bedeckt ihre Brust, in der Mitte glänzt ein Gorgonengesicht. Roter Stoff, dunkle Konturen und gold-, kupfer- und silberartige Glanzlichter lassen die Figur zugleich antik und entschieden neu erscheinen. In einer Hand hält sie einen winzigen Akt, der sich als Siegesfigur oder als nackte Wahrheit lesen lässt.
Gustav Klimt malte Pallas Athene 1898 im ersten vollen Jahr der Wiener Secession. Das Wien Museum nennt Öl auf Leinwand, 75 × 75 cm, Inventarnummer 100686. Der Rahmen misst 85,3 × 84,7 × 5 cm. Oben links steht die gemalte Signatur GUSTAV / KLIMT. / 1898.[1]
Den Rahmen entwarf Klimt. Auf der oberen Leiste steht PALLAS ATHENE in Großbuchstaben. [3] Die Inschrift benennt die Göttin. Athene, Schutzgöttin der Weisheit, der Strategie, des Handwerks und der Künste, wird zum bewaffneten Zeichen für Künstler, die sich vom älteren Wiener Ausstellungswesen lösen wollten.
Der Glanz von Helm und Rüstung entsteht durch Farbe. Das Museum nennt Öl auf Leinwand. Messing gehört zu einem anderen Werk, einem um 1900 entstandenen Pallas-Relief von Klimts Bruder Georg.[1][2][3][6]
Auf einen Blick
- KünstlerGustav Klimt
- TitelPallas Athene
- Datierung1898[1]
- TechnikÖl auf Leinwand[1][2]
- Bildmaß75 × 75 cm[1][2]
- Rahmenmaß85,3 × 84,7 × 5 cm[1]
- InventarnummerWien Museum 100686[1]
- Signatur und DatumGUSTAV / KLIMT. / 1898, oben links[1]
- RahmenVon Klimt entworfen, mit PALLAS ATHENE auf der oberen Leiste[3]
- MotivAthene mit Helm, rotem Chiton und geschuppter Ägis, mit Speer und kleinem Akt[3][4]
- Erste PräsentationZweite Ausstellung der Wiener Secession, November 1898[3][4]
- HängungAm 9. August 2026 in Wien. Meine Geschichte im zweiten Obergeschoss des Wien Museums, Bereich „Wien um 1900“[1]
Athene, Athena und Minerva
Pallas Athene ist der Museumstitel und die Inschrift auf dem Rahmen. Athene ist die gebräuchliche deutsche Form des griechischen Namens, im Englischen meist Athena. Minerva ist die römische Entsprechung und erscheint in der Motivklassifikation des Museums.[1]
Die Namen gehören zu unterschiedlichen Sprachen und antiken Traditionen. Pallas Athene benennt das Gemälde, Athene die Göttin im Text.
Der antike Beiname Pallas hat mehrere mythologische Erklärungen. Klimt konzentriert das Bild auf die Gegenwart der Göttin und lässt den erzählerischen Zusammenhang offen.
Helm, Speer, Ägis und Gorgoneion machen die bewaffnete Athene erkennbar. Der Rahmen nennt ihren Namen.
Klimt verdichtet den Mythos zu einer Figur, die Schutz, Kunst und öffentliches Auftreten miteinander verbindet.
Ein Quadrat für die Konfrontation
Die Leinwand misst genau 75 cm auf jeder Seite. [1] Gleiche Höhe und Breite konzentrieren die Figur und lassen wenig Raum für eine erzählerische Ganzfigurenszene.
Der Helm drängt nach oben, die Rüstung breitet sich seitlich aus und der Speer setzt eine starre Senkrechte. Die Handlung im Hintergrund bleibt hinter der Göttin zusammengedrängt.
Die strenge Frontalität verstärkt die Begegnung. [3] Gesicht und Brustpanzer stehen dem Betrachter wie eine Schranke gegenüber.
Das Wien Museum beschreibt die Haltung als aggressiv und distanzierend. [4] Die Göttin hält ihre Stellung. Ihre Macht liegt in der Bereitschaft und darin, den Raum zu behaupten.
Das Quadrat gibt dem Bild die Dichte eines Emblems. Bei genauer Betrachtung treten kleine Figuren, Schuppen und Glanzlichter hervor.
Ein Rahmen, der die Göttin benennt
Klimt entwarf den Rahmen für die Präsentation des Gemäldes. PALLAS ATHENE steht auf der oberen Leiste wie eine architektonische Inschrift.[3]
Der Titel ist damit Teil des Gegenstands. Signatur und Datum stehen gesondert oben links im gemalten Bild.[1]
Der Rahmen misst in der Höhe etwas mehr als zehn Zentimeter und in der Breite knapp zehn Zentimeter mehr als die Leinwand. Fünf Zentimeter Tiefe geben dem kompakten Objekt einen kräftigen Rand.[1]
Mit dem Rahmen gestaltete Klimt den Übergang von der Ausstellungswand zur Malerei. Die Göttin erscheint in einem Gegenstand, der ihren Namen ankündigt.
Georg Klimts Metallarbeiten und seine Zusammenarbeit mit Gustav erklären, warum sein Name naheliegt. Die vorhandenen Quellen schreiben ihm die Ausführung dieses Rahmens nicht zu.
Gustavs Entwurf und die Maße im Wien Museum sind belegt. Wer den Rahmen fertigte und welche Materialien verwendet wurden, bleibt offen.
Helm, Blick und roter Chiton
Athene trägt einen griechischen Helm mit Nasenschutz. Leuchtende Gelb- und Goldtöne lassen ihn wie eine zeremonielle Krone wirken und erinnern zugleich an seine Schutzfunktion.[3]
Darunter ist das Gesicht streng frontal. Der Blick tritt aus einer Komposition mit harten Kanten und Glanzlichtern hervor. Er kann kühl, distanziert oder herausfordernd wirken.
Der rote Chiton setzt einen kräftigen Kontrast zur Rüstung. Seine Wärme macht den Körper unter Helm und Ägis spürbar.[3]
Farbe, Kontur und Muster verbinden Stoff und Rüstung. Das antike Gewand gehört zu einer modernen Ordnung der Bildfläche.
Der Name eines Modells ist unbekannt. Attribute und Inschrift bestimmen die Figur als Athene.
Ägis und Gorgoneion
Athene trägt einen Schuppenpanzer oder eine Ägis auf der Brust. In der Mitte sitzt das Gorgoneion, der abgetrennte oder maskenhafte Kopf der Gorgone. Er dient als Schutz- und Schreckzeichen.[3]
Das Wien Museum hebt das Grinsen und die herausgestreckte Zunge hervor und versteht sie als Spitze gegen Gegner der Secession. [4] Diese Lesart ergänzt die ältere Funktion des Motivs.
In der griechischen Bildtradition wehrt das Gorgoneion Gefahr ab. Auf Athenes Brust tritt es dem Publikum von der sichtbarsten Stelle der Rüstung aus entgegen. Schutz und Provokation greifen ineinander.
Die Schuppen setzen die Wirkung fort. Klimt unterteilt den Panzer in wiederkehrende Formen, die unterschiedliche Töne auffangen. Ein Gefüge von Mustern bedeckt den Körper.
Die Rüstung ist in Ölfarbe dargestellt. Metall bezeichnet hier das dargestellte Material, während die Werkdaten Öl auf Leinwand nennen.[1][4]
Speer, Hände und Asymmetrie
Athene stützt sich mit der linken Hand am Schaft des Speers ab. [3] Die Waffe gibt dem Quadrat eine kräftige innere Senkrechte.
Die andere Hand trägt den kleinen Akt. So unterscheiden sich die beiden Seiten. Die eine hält Waffe und Stütze, die andere ein mehrdeutiges Emblem.
Der Speer zeigt, dass Athene zum Kampf bereit ist. Im Vordergrund behauptet sie ihre Stellung.
Diese Haltung lässt sich auf die Secession beziehen. Athene kann die künstlerische Freiheit sinnbildlich verteidigen. Die Szene bleibt eine Allegorie.
Der lange Schaft übersteigt den Maßstab der kleinen Hand. Seine gerade Linie scheint über die enge Masse des Körpers hinauszureichen.
Nike oder Nuda Veritas?
Die Gustav Klimt Database nennt die kleine Figur auf einer Kugel Nike, die Siegesgöttin. Sie verweist auch auf den Spiegel und die Ähnlichkeit mit der Nuda Veritas, die Klimt 1899 malen sollte.[3]
Das Wien Museum sieht einen Akt mit Spiegel, der die nackte Wahrheit verkörpern könnte. [4] Diese Deutung weicht vom herkömmlichen Typus der geflügelten Nike ab.
Nike erklärt den antiken Typus einer kleinen Siegesfigur in Athenes Hand. Die nackte Wahrheit erklärt Nacktheit und Spiegel in Klimts Bildsprache.
Die Figur lässt sich als kleiner Akt mit Spiegel beschreiben, der an Sieg oder Wahrheit erinnert. Beide Lesarten verbinden den Triumph mit der Selbstprüfung.
Die monumentale Nuda Veritas im Theatermuseum entstand im folgenden Jahr. Sie hat eigene Inschriften, Blumen, eine Schlange und eine eigene Ausstellungs- und Besitzgeschichte.
Kugel, Spiegel, geringer Maßstab und Platz in Athenes Hand bestimmen hier die Deutung des Akts.
Ein Lichtblitz auf der Rüstung
Der Spiegel setzt einen bläulich weißen Lichtblitz gegen die wärmeren Kupfer- und Rotgoldtöne der Ägis. [3] Der Kontrast verleiht dem kleinen Akzent besonderes Gewicht.
Der Reflex trägt zur Aussage bei. Die Wahrheit erscheint als nackter Körper und wirft zugleich Licht in den Raum vor dem Bild.
Je nach Abstand und Beleuchtung wirkt der Spiegel als Attribut und gemalter Lichtfleck. Das Gesicht des Betrachters erscheint darin nicht als kleines Porträt.
Warme Rüstung und kühler Reflex lassen die Ölfarbe Metall, Glas und Stoff nachahmen. Der Sammlungseintrag nennt Öl auf Leinwand.[1][3]
Die Wirkung weist auf Klimts späteren dekorativen Reichtum voraus. Werke mit Metallauflagen haben eine andere Technik.
Goldfarbene Malerei
Beschreibungen von Helm und Ägis nennen Gold, Kupfer und Silber, um die sichtbaren Farben zu erfassen. [3] Für das Material sind die Werkdaten maßgeblich.
Das Wien Museum nennt Öl auf Leinwand. [1] Die Daten seines Partners geben dieselbe Technik an. [2] Keiner der Einträge verzeichnet aufgetragenes Blattgold, Messing oder Silber.
Goldfarben, kupfern, silbrig und metallisch beschreiben hier den sichtbaren Eindruck.
Pallas Athene entstand vor den bekanntesten Werken der Goldenen Periode. Das Bild zeigt Klimts wachsendes Interesse an Glanz, Frontalität und gemusterten Flächen.
Gold kann bei Klimt eine Farbe, die Illusion von Metall, ein Material oder eine Phase bezeichnen. Für dieses Bild sind Farbe und Metallwirkung gesichert.
Ein Kampf im Schatten
Hinter Athene erscheinen dunkle Figuren und ein schuppiges Wesen. Der gedrängte Kampf ist zunächst schwer zu erkennen, weil Körper und Rüstung der Göttin den Vordergrund beherrschen.[3]
Die Gustav Klimt Database verbindet die Szene mit einer schwarzfigurigen Hydria des Malers von Vatikan G 43 um 530 v. Chr., die Herakles im Kampf mit Triton zeigt. [3] Ein Text des Wien Museums verweist auf frühe griechische Schalen aus dem Umfeld Tlesons. [4]
Beide Quellen zeigen Klimts Beschäftigung mit archaischer griechischer Bildkunst. Bei der genauen Vorlage unterscheiden sie sich. Die Zuordnung bleibt offen.
Herakles und Triton bieten ein plausibles Motiv. Der Held ringt mit einem Meereswesen, dessen Unterkörper die Schuppenform erklären kann. Der Hintergrund lässt sich auf antike Darstellungen dieses Kampfs beziehen.
Das Wien Museum liest Herakles auch als die neue Kunst und Triton als den Konservatismus. [4] Diese Deutung gehört zum Umfeld der Secession.
Klimt stellt die bewaffnete Göttin vor die Kampfszene. Sie scheint den Kampf zu überwachen, zu schützen oder zu billigen.
Franz von Stuck als modernes Vorbild
Die Gustav Klimt Database verweist auf Franz von Stucks Plakat für die siebte Internationale Kunstausstellung in München 1897 als formales und thematisches Vorbild.[3]
Stuck war ein führender Münchner Symbolist. Die Münchner Secession hatte Athene bereits in ihrer öffentlichen Bildsprache eingesetzt. Die Wiener Künstler konnten sie als antike Schutzgöttin und modernes Zeichen künstlerischer Unabhängigkeit kennen.
Der Vergleich verortet Klimt in einer Bildkultur, in der die bewaffnete frontale Göttin bereits vorkam. Ein konkreter Übernahmevorgang bleibt unbelegt.
Ein klassisches Thema konnte 1898 zur grafischen Sprache moderner Ausstellungen gehören. Athene hatte darin bereits einen Platz.
Klimt überträgt diese Bildsprache in ein kompaktes Ölgemälde. Materialwirkungen, Rahmen und der mehrdeutige kleine Akt geben seiner Göttin eine eigene Gestalt.
Von einer früheren Athene zur Göttin der Secession
Etwa acht Jahre zuvor hatte Klimt Athene in einem Zwickel im Treppenhaus des Kunsthistorischen Hofmuseums dargestellt, des heutigen Kunsthistorischen Museums.[3]
Die Griechische Antike (Athene) gehörte zum Schmuckprogramm eines kaiserlichen Museums und zu Klimts Karriere mit historistischen Aufträgen. Bis 1898 hatte er das Künstlerhaus verlassen und die Secession mitgegründet.
Die Gustav Klimt Database hebt hervor, wie viel militärischer und distanzierter die spätere Göttin wirkt. [3] Mit der Kleidung ändert sich ihre öffentliche Funktion.
Athene hatte eine historische Kultur im kaiserlichen Museum verkörpert. Nun stand sie für eine Gruppe, die sich als modern, unabhängig und bereit zum Widerspruch verstand.
Klimt übernahm eine vertraute Allegorie in einen neuen institutionellen Zusammenhang. Er gab ihr eine flächigere, härtere und frontalere Form.
Das Plakat der ersten Secessionsausstellung
Im Frühjahr 1898 setzte Klimt Athene an den Rand seines Plakats für die erste Ausstellung der Wiener Secession. Dort beobachtet sie Theseus im Kampf mit dem Minotauros.[3][4]
Druckzustände, große Leerflächen und die Zensur, die Theseus’ Nacktheit verdeckte, gehören zur Geschichte des Plakats. Das Gemälde im Wien Museum ist ein eigener Gegenstand.
Athene trat bereits in der Bildsprache der neuen Vereinigung als Zeugin und Schutzfigur auf. Später im Jahr rückte Klimt sie in die Mitte eines Gemäldes und ließ sie dem Betrachter direkt begegnen.
Auf dem Plakat nimmt sie einen Teil der Ankündigung ein. Im Ölgemälde füllt die Göttin ein Quadrat, das ihren Namen trägt.
Die Verbindung der beiden Bilder beleuchtet das Programm der Secession. Technik, Maße, Rahmen und Ausstellungsgeschichte sind für jedes Werk gesondert belegt.
Die zweite Secessionsausstellung
Pallas Athene wurde erstmals im November 1898 auf der zweiten Ausstellung der Secession gezeigt, als Joseph Maria Olbrichs Neubau öffnete. Klimt zeigte dort auch Bewegtes Wasser und das Bildnis Sonja Knips.[3][4]
Das Theseus-Plakat gehört zur ersten Ausstellung im Frühjahr. Das Gemälde wurde auf der zweiten erstmals gezeigt.
Die bewaffnete Schutzgöttin der Kunst stand im eigenen Gebäude der Vereinigung, als es dem Publikum geöffnet wurde. Dieser Ort verstärkte die Wirkung des Bilds.
Thema, Ausstellungsort und wiederkehrende Verwendung der Figur gaben dem Anspruch auf künstlerische Unabhängigkeit eine sichtbare Form. Die Mitglieder konnten das Bild unterschiedlich deuten.
Athene erschien neben Bildnissen, symbolistischen Wasserfiguren und internationaler moderner Kunst. Das Gemälde wirkte in einer bewusst vielfältigen Ausstellung.
Ablehnung und Anerkennung
Nach Angaben der Gustav Klimt Database zogen die drei jüngsten Gemälde Aufmerksamkeit auf sich. Pallas Athene und Bewegtes Wasser stießen bei fast allen Kommentatoren auf Ablehnung.[3]
Die Kritik erwartete von einer antiken Göttin Würde in vertrauter akademischer Form. Klimt setzte auf harte Frontalität, glänzende Panzerschuppen, eine grimassierende Gorgone und ungewöhnliche Farbeffekte.
Ein zeitgenössischer Text in Kunst und Kunsthandwerk erkannte eine echte Göttin der Secession. Er lobte die besondere Poesie der Farben und sagte dem gewagten Werk einen bleibenden Platz in der Wiener Malerei voraus.[3]
Widerstand und Bewunderung bestanden nebeneinander. Das Abweichen von der Tradition konnte missfallen und zugleich als Grund für die historische Bedeutung erkannt werden.
Die Reaktionen von 1898 zeigen, wie das Gemälde die Erwartungen an ein modernes Bild mit antikem Thema erprobte.
Das Exlibris der Secession
1898–1899 entwarf Klimt ein Ars ex libris für die Vereinigung bildender Künstler Österreichs Secession. Das Leopold Museum verzeichnet eine rote Farblithografie von 10,3 × 5,2 cm, ausgeführt von der Secession.[5]
Der behelmte Frauenkopf und das Gorgoneion gehen auf Pallas Athene zurück. Das Museum versteht das Motiv als Bekenntnis zur künstlerischen Freiheit und verbindet es mit Klimts Präsidentschaft von 1897 bis 1899.[5]
Die Grafik erschien 1900 zweimal in Ver Sacrum, rot auf dem Umschlag und schwarz im Heft. Klimt griff Athene in den Grafiken seiner Kollektivausstellung 1903–1904 wieder auf.[5]
Die Göttin wechselte zwischen Medien und Aufgaben. Ein quadratisches Ölgemälde lieferte das Motiv für ein kleines Zeichen des Besitzes und der Zugehörigkeit.
Lithografie, Maße, Veröffentlichung und Ausführung durch die Secession gehören zur Geschichte des Drucks.
Georg Klimts Messingrelief
Um 1900 schuf Gustavs Bruder Georg Klimt ein rundes Pallas-Athena-Relief aus getriebenem und patiniertem Messingblech. Das Leopold Museum nennt 36,8 × 36,2 cm und verzeichnet Georgs Signatur.[6]
Die Metallarbeit steht Gustavs Athena-Motiven nahe, besonders dem Profil auf dem Plakat der ersten Secessionsausstellung. Das Motiv war im künstlerischen Umfeld beider Brüder präsent.[6]
Das Relief hat einen eigenen Urheber, ein anderes Format, eine eigene Datierung, Technik und Haltung. Ein Bezug seines Messings zur Leinwand von 1898 oder zu deren Rahmen ist unbelegt.
Der Vergleich schärft den Blick für den Unterschied zwischen gemalter Metallwirkung und bearbeitetem Metall.
Gustavs Athene glänzt durch Ölfarbe. Georgs Athene ist aus Messing geformt. Die Verbindung liegt im Motiv.
Vergleiche mit Nuda Veritas und Judith I
Der kleine Akt mit Spiegel weist auf Nuda Veritas voraus. Klimt erkundet hier, wie eine entblößte Figur Wahrheit, den Blick des Publikums und künstlerische Unabhängigkeit ansprechen kann.[3][4]
Das Gemälde von 1899 ist monumental und schmal. Es trägt ein Schiller-Zitat und verbindet Blumen, Schlange und Spiegel in einer eigenen Komposition mit eigener Rezeption.
Auch Judith I bündelt weibliche Macht in Frontalität, Ornament und goldfarbenem Glanz. Judith ist eine biblische Heldin. Der Ausschnitt zeigt den Kopf des Holofernes und Blattgold ist für die Leinwand dokumentiert.
Athene ist eine mythologische Schutzgöttin in Rüstung. Das Wien Museum nennt Öl auf Leinwand. Der Vergleich zeigt, wie Klimt jeder Figur eine eigene Form von Macht gibt.
Schutz, Strategie und die öffentliche Rolle der Kunst prägen Pallas Athene. Die Göttin trägt den Anspruch einer Vereinigung, die vor ein Publikum tritt.
Wie man Pallas Athene betrachten kann
Beginnen Sie mit Quadrat und Rahmen. Lesen Sie oben den Titel und achten Sie darauf, wie vollständig die Göttin den benannten Raum ausfüllt.
Folgen Sie dem Helm zu den Augen und zum Gorgoneion. Athene, Gorgone und kleiner Akt ziehen den Blick in verschiedenen Maßstäben an.
Verfolgen Sie die gerade Linie des Speers und dann die unregelmäßigen Wiederholungen der Ägis. Die eine stabilisiert das Bild, die anderen beleben seine Oberfläche.
Betrachten Sie den kleinen Akt und lassen Sie Nike und die nackte Wahrheit als Lesarten offen. Kugel, Nacktheit und Spiegel liefern Hinweise für beide.
Lassen Sie dann den Hintergrund hervortreten. Herakles und Triton sind hinter Athene nur allmählich erkennbar. Die moderne Figur rückt vor die antike Erzählung.
Achten Sie zuletzt auf das Material. Die Ölfarbe erzeugt die Lichtblitze. Der metallische Eindruck entsteht in der Malerei.[1][2]
Standort und Hängung
Das Wien Museum besitzt das Gemälde unter der Inventarnummer 100686. [1] Der Eintrag nennt die Ausstellung Wien. Meine Geschichte.
Es ist im zweiten Obergeschoss im Bereich zum Wien der Jahrhundertwende verzeichnet. [1] Dort steht die Göttin im Zusammenhang mit dem kulturellen Wandel der Stadt.
Die Angabe galt am 9. August 2026. Leihgaben, Wechsel und konservatorische Arbeiten können die Hängung verändern.
Das Leopold Museum führt das Exlibris und Georg Klimts Relief als nicht ausgestellt. Ihr Zugang ist unabhängig von der Hängung des Ölgemäldes im Wien Museum.[5][6]
Eine antike Schutzgöttin für moderne Kunst
Athene bleibt an Titel und Attributen erkennbar. Ihre Wirkung entsteht auch aus dem Streit um die moderne Kunst in Wien.
Die Göttin steht auf einer kompakten Leinwand, die im neuen Gebäude der Secession gezeigt wurde. Der Rahmen nennt ihren Namen, die Rüstung tritt dem Blick entgegen und der Akt mit Spiegel verbindet Sieg und Wahrheit.
Antike Gefäßbilder, Stucks Münchner Vorbild und Klimts frühere Athene wirken zusammen. Klimt wählt Formen aus der Antike und der modernen Grafik aus und ordnet sie neu.
Athene kann für künstlerische Freiheit stehen, weil die Vereinigung ihr Bild wiederholt verwendete und ihm 1898 einen öffentlichen Ort gab. Ihre älteren Bedeutungen reichen über den Wiener Konflikt hinaus.
Frontalität und Glanz weisen auf spätere dekorative Arbeiten voraus. Ölmalerei und bewaffnete Schutzgöttin geben dem Bild eine eigene Stellung in Klimts Werk. 1898 konnte aus einem überlieferten Zeichen eine neue Figur der Autorität werden.
Häufig gestellte Fragen
Quellen
Quellen abgerufen im August 2026.
- Wien Museum Online Collection. Werkdaten zu 100686, Datierung, Technik, Maße, Rahmen, Signatur und Hängung. Quelle ansehen.
- Wien Museum / Google Arts & Culture. Partnerdatensatz zu Gemälde, Maßen und Technik. Quelle ansehen.
- Gustav Klimt Database. Rahmen, Rüstung, kleiner Akt, Reflex, Vorbilder, zweite Ausstellung und Rezeption. Quelle ansehen.
- Wien Museum / Google Arts & Culture. Secessionskontext, Plakat, nackte Wahrheit und weiterer Bezug zur griechischen Keramik. Quelle ansehen.
- Leopold Museum Online Collection. Lithografie von 1898–1899, Bezug zum Gemälde, Veröffentlichung und Wiederverwendung. Quelle ansehen.
- Leopold Museum Online Collection. Relief von Georg Klimt, patiniertes Messing, Maße, Signatur und motivischer Zusammenhang. Quelle ansehen.
Diskussion
Wie verändert der kleine Akt mit Spiegel Ihren Blick auf die Göttin?
