Zwei Mädchen mit Oleander

Ein frühes Klimt-Gemälde im Querformat

In Zwei Mädchen mit Oleander, entstanden um 1890–92, begegnen zwei junge Frauen einem blühenden Baum in einer sorgfältig geordneten Komposition. Das erhaltene Ölgemälde gehört dem Wadsworth Atheneum Museum of Art in Hartford, Connecticut, Inventarnummer 1993.96. Der englische Museumstitel Two Girls with Oleander bezeichnet dasselbe Werk. Klimt stellt Gesichter, Blüten und Architekturschmuck in Beziehung und lässt die Identität der Dargestellten und den Anlass der Szene offen.^[1]

Die Leinwand ist im Verhältnis zu ihrer Höhe außergewöhnlich breit. Laut Bildlegende des Museums misst das Original 21 5/8 × 50 5/8 Zoll, also etwa 55 Zentimeter in der Höhe und 129 in der Breite. Die Proportion prägt die Wirkung stärker, als die kleine Bildschirmabbildung vermuten lässt. Der Blick wandert seitwärts vom verzweigten Oleander zu den Figuren. Eine durchgehende Wand in warmen Tönen verbindet die einzelnen Partien.^[2]

Hinter den Figuren öffnet sich keine Landschaft. Der Baum wächst vor einer dunklen Nische, die Köpfe stehen vor einer helleren Wandfläche. Obwohl der Raum auf beiden Seiten eng begrenzt ist, wirkt das Bild weit. Das breite Format lässt den Zweigen Platz und schafft Raum um die Gesichter. So verbindet Klimt die Nähe der Beobachtung mit einer großzügigen Anordnung.

Wo Blüten und Hände zusammentreffen

Der Oleander nimmt einen großen Teil der linken Bildhälfte ein. Sein grauer Stamm teilt sich in mehrere Äste, die durch ein dichtes Geflecht schmaler Blätter aufsteigen. Rosa Blüten stehen in lockeren Gruppen. Manche heben sich vor fast schwarzem Laub ab, andere reichen bis vor die gelbe Wand. Je nach Hintergrund wirken ähnliche Rosatöne gedämpft oder hell beleuchtet.

Nahe der Mitte hebt die vordere Figur die Hände zu einem blühenden Zweig. Diese kleine Bewegung verbindet die beiden Bildhälften. Ihre Arme führen den Blick aus der dunklen Fläche des Kleides nach links. Die Blüten lenken ihn wieder zurück zu ihrem Gesicht. Die zurückhaltende Geste gibt der aufwendig ausgestalteten Umgebung einen menschlichen Mittelpunkt.

Der Zweig scheint in Reichweite, und die hellen Finger treten vor Blüten und dunklem Laub deutlich hervor. Hier treffen zarte Formen unmittelbar aufeinander. Der Baum bestimmt, wohin sich die Figuren wenden und worauf sich ihre Aufmerksamkeit richtet. Dadurch gibt er der ganzen Szene ihre Ordnung.

Die zweite Figur steht dahinter. Schulter und Arme der vorderen Frau verdecken sie teilweise. Ihr Gesicht ist weniger streng im Profil gesehen, und die rote Kleidung setzt einen warmen Akzent zwischen dem vorderen Kleid und der Wand. Die Überschneidung macht die Nähe der beiden sichtbar. Die unterschiedliche Drehung der Köpfe gibt jeder Figur ihren eigenen Umriss.

Der Titel lässt offen, ob die beiden Schwestern sind oder ob die älter wirkende Figur die Mutter der jüngeren ist. Sichtbar ist, dass sie denselben Raum teilen und sich der blühenden Pflanze zuwenden. Das deutliche Profil vorn und das kleinere Gesicht dahinter lenken den Blick nacheinander auf beide Figuren.

Architektur und gemustertes Kleid

Hinter den Figuren läuft eine waagerechte Zierleiste über die Wand. Ihre wiederkehrenden Kreis- und Blattformen bilden einen gleichmäßigen Rhythmus, der sich von den Verzweigungen links unterscheidet. Die Körper unterbrechen die Leiste, die jenseits von ihnen wieder einsetzt. So lässt sich die Wand hinter den Figuren weiterdenken, und der flache Bildraum gewinnt an Zusammenhang.

Darüber zeigt die breite gelbbraune Wand helle, wolkige Abstufungen und gerade Fugen. Die Fläche bleibt dadurch belebt. Ihre Wärme lässt die helle Wange und den Hals hervortreten, während Haube und Kleid den dunklen Außenumriss bilden. Das Licht macht die Figuren deutlicher, ohne die Festigkeit der Wand aufzulösen.

Besonders wichtig ist die Kleidung der vorderen Figur. Ein helles Band läuft unter der gerundeten dunklen Haube über die Stirn. Seine Kante trennt Gesicht und Kopfbedeckung. Weiter unten bleibt auf dem dunklen Stoff des Kleides ein feines Muster erkennbar. Klimt unterscheidet Haube, Haut, Ärmel und die wie bestickt wirkende Fläche durch jeweils andere Linien und Tonwerte.

Blütenbüschel und Kleidermuster zeigen zwei Arten von Feinheit. Stängel und Blütenblätter weisen unregelmäßig in verschiedene Richtungen. Das Stoffmuster folgt dagegen der Form des bekleideten Körpers. Die Zierleiste bringt eine dritte, regelmäßigere Ordnung ein. Der Blick wechselt zwischen Pflanze, Gewebe und reliefartig wirkendem Schmuck, die im Bild ihre unterschiedlichen Oberflächen behalten.

Das Werk ist in Öl auf Leinwand gemalt. Die warmen Töne der Architektur können in der Reproduktion neben dem dunklen Laub golden wirken. Die Farbe allein gibt keinen Aufschluss über Blattgold oder Bronzepulver. Die Wirkung beruht auf den sichtbaren Unterschieden zwischen den gemalten Oberflächen und lässt sich aus dem Bild selbst erklären.

Ein Vorbild aus der Renaissance für die vordere Figur

Die Klimt Foundation nennt ein konkretes Vorbild aus der Renaissance: Francesco Lauranas Frauenbüste im Kunsthistorischen Museum in Wien. Sie bringt Frisur und Kleidung der vorderen Figur mit der Skulptur in Verbindung. Klimt könnte die Büste bei seinen Arbeiten an der Ausstattung des Museums studiert haben. Der Vergleich betrifft die Gestaltung. Wen Laurana oder Klimt darstellte, lässt sich daraus nicht ableiten.^[3]

Dieser Bezug hilft, die Verbindung von Lebendigkeit und Strenge zu verstehen. Die Haube umschließt den oberen Teil des Kopfes, das helle Stirnband setzt eine klare Grenze, und der lange Hals und das dunkle Kleid gliedern die untere Partie. Das Profil wirkt dadurch gesammelt und in sich geschlossen, obwohl die Hände mitten in einer Bewegung sind.

Klimt greift auf die Form eines älteren Kostüms zurück und gibt dem Gesicht zugleich eine glaubhafte Weichheit. Der sanfte Übergang von der Wange zum Schatten unterscheidet sich von der scharfen Kante der Haube. Aus diesem Wechsel entsteht der Eindruck einer lebendigen Person. Eine gleichmäßige Ausarbeitung aller Einzelheiten hätte eine andere Wirkung.

Die Stiftung ordnet das Bild auch dem Historismus zu und vergleicht seine erdachte historische Atmosphäre mit den Genreszenen von Lawrence Alma-Tadema. Der Vergleich beschreibt eine stilistische Nähe. Ein konkretes kopiertes Gemälde ist damit nicht belegt. Die aufwendige Kleidung und Architektur entwerfen eine Vergangenheit, die sich kaum als Dokument der Wiener Alltagskleidung um 1890 lesen lässt.^[3]

Manche Muster erinnern an Klimts spätere Arbeiten. Hier bleibt die Wand jedoch eine feste Fläche hinter den Figuren, das Kleid umhüllt einen plastischen Körper, und die Zweige nehmen vor der Nische Raum ein. Das Ornament verstärkt diese räumliche Wirkung. So lässt sich das frühe Bild aus seiner eigenen Anlage heraus betrachten.

Die Profilzeichnung und das Gemälde

Eine verwandte Zeichnung dokumentiert die Arbeit am vorderen Kopf. Das Dorotheum führte das um 1890 entstandene Bildnis eines Mädchens im Profil als Studie zu Zwei Mädchen mit Oleander. Das Blatt misst 45 × 32 Zentimeter und ist in Bleistift mit weißen Akzenten ausgeführt. Es trägt einen Nachlassstempel und ist als Strobl 3291b erfasst. Der Auktionseintrag bezieht es ausdrücklich auf die vordere Figur des Gemäldes in Hartford.^[4]

Auf der Zeichnung lässt sich das Verhältnis von Stirn, Nase, Lippen, Kinn und Hals für sich untersuchen. Auf der Leinwand tritt das Profil zu einem ausladenden Baum, einer zweiten Person und einer langen Zierleiste hinzu. Der Kopf bleibt als einzelne Form erkennbar und fügt sich in einen Bildaufbau ein, dessen stärkste Bewegung waagerecht verläuft.

Der Nachlassstempel ist keine eigenhändige Signatur. Die genannten Maße gehören zum Papier. Der dokumentierte Zusammenhang zeigt, dass Klimt den Kopf eigens untersuchte. Wie er das Profil auf die Leinwand übertrug, welche weiteren Studien es gab und wer Modell stand, bleibt offen.

Unter Klimts Zeichnungen zeigt dieses Blatt, wie genau er ein Profil vorbereiten konnte. Die Anlage unterscheidet sich von den raschen, offenen Figurenstudien, die man mit seinen späteren Jahren verbindet. Auf der Leinwand erhält das Profil eine Umgebung, eine Handlung und eine besondere Beziehung zum zweiten Gesicht.

War das Bild für einen Platz über einer Tür bestimmt?

Das lange Format wirft die Frage nach der ursprünglich vorgesehenen Hängung auf. Die Klimt Foundation erwägt wegen des niedrigen Blickpunkts und der ungewöhnlichen Proportionen eine Supraporte, also ein Gemälde über einer Tür. Der Zweck bleibt ungeklärt. Aus der Vermutung lässt sich weder ein konkreter Auftrag noch ein bestimmter Raum ableiten.^[3]

Der Bildaufbau macht die Vermutung nachvollziehbar. Die Hauptformen bleiben über die ganze Breite lesbar, und die Zierleiste gibt dem Bild eine feste Horizontale. Die Handlung vollzieht sich in den Oberkörpern der Figuren. Ein sichtbarer Boden ist dafür entbehrlich. Auch ohne gesicherten ursprünglichen Standort zeigt das Bild, wie Klimt eine Szene in ein langes Rechteck einpasste.

Im kleineren Maßstab berührt das Bild Gestaltungsfragen, die sich auch beim Theater in Taormina stellen. Die Werke sind als eigenständige Arbeiten zu betrachten. Ähnlich aufschlussreich ist der Vergleich mit dem etwa gleichzeitigen Bildnis Joseph Pembaur. Ein namentlich bekannter Musiker und zwei namenlose Figuren in historisierender Kleidung lenken die Aufmerksamkeit trotz gemeinsamer Vorliebe für präzise Formen und Schmuck auf unterschiedliche Fragen.

Aus Familienbesitz nach Hartford

Ein japanischer Behördenantrag für eine spätere Leihgabe fasst die Besitzgeschichte zusammen. Demnach schenkte Klimt das Gemälde einer Familie. Es ging an deren Sohn und Tochter in Brooklyn, New York, über, und das Wadsworth erwarb es 1993 direkt vom Sohn. Als Erwerbsfonds nennt das Dokument den Douglas Tracy Smith and Dorothy Potter Smith Fund und den Ella Gallup Sumner and Mary Catlin Sumner Collection Fund. Der Name der Familie bleibt ungenannt.^[1]

Dieselben Leihunterlagen verzeichnen eine geplante Präsentation im Aichi Prefectural Museum of Art in Nagoya vom 21. Dezember 2012 bis zum 11. Februar 2013. Die Daten betreffen eine zeitlich begrenzte Ausstellung. Eine Aufnahme außerhalb von Hartford kann daher dasselbe Bild im Rahmen einer Leihgabe zeigen.^[5]

Bei der Prüfung am 23. Oktober 2026 wies die Bildlegende des Museums das Original weiterhin dem Wadsworth zu. Ob es an einem bestimmten Tag zu sehen ist, lässt sich beim Museum erfragen. Die erhaltene Ölleinwand ist von der Profilstudie und modernen Drucken zu unterscheiden. Auf ihr treffen der üppige Baum, die zurückhaltende Geste und die geordnete Architektur zusammen.^[2]

Quellen

1. Japanische Behörde für kulturelle Angelegenheiten, Antrag zur Einstufung ausländischer Kunstwerke, 2012, Objekt 6, S. 2. Zwei Mädchen mit Oleander, Wadsworth, Inv. 1993.96. Abgerufen am 23. Oktober 2026. Quelle ansehen.
2. Wadsworth Atheneum Museum Shop, Gustav Klimt: Two Girls with Oleander Print. Bildlegende und Maße des Originals, getrennt von den Angaben zum Druck. Abgerufen am 23. Oktober 2026. Quelle ansehen.
3. Klimt Foundation, Dekorateur der Ringstraße. Abschnitt zu stilisierten und naturalistischen Porträts mit Zwei Mädchen mit Oleander. Abgerufen am 23. Oktober 2026. Quelle ansehen.
4. Dorotheum, Bildnis eines Mädchens im Profil, um 1890, Studie zu Zwei Mädchen mit Oleander, Strobl 3291b. Moderne Kunst, 28. November 2013, Los 1318. Abgerufen am 23. Oktober 2026. Quelle ansehen.
5. Japanisches Ministerium für Bildung, Kultur, Sport, Wissenschaft und Technologie, Bekanntmachung Nr. 168 vom 10. Dezember 2012. Geplante Leihgabe des Wadsworth an das Aichi Prefectural Museum of Art. Abgerufen am 23. Oktober 2026. Quelle ansehen.