Portraits et figures chez Claude Monet

Camille et le portrait présenté au public

En 1866, Monet expose son portrait en pied Camille, souvent intitulé La Femme à la robe verte, au Salon de Paris. La Kunsthalle Bremen rappelle le succès du tableau et rapproche la pose et la tenue du modèle des images de mode et des portraits photographiques au format carte de visite. ^[1]

Camille se détourne à demi, la tête inclinée. Sa longue jupe occupe une grande partie du bas de la toile. Le fond sombre met en valeur la figure et le vêtement.

Le grand format donne à cette jeune femme en tenue contemporaine une présence publique remarquable. Le rapport entre le modèle, la mode et l’ambition d’exposer est au cœur de l’effet produit.

Les étoffes contribuent à cette présence. L’alternance du clair et du sombre dans la robe et le contraste entre la jupe et la veste donnent au peintre plusieurs surfaces à différencier.

Le tableau montre que les premières ambitions de Monet comprennent la figure à grande échelle. C’est un aspect important de son œuvre, aux côtés des paysages pour lesquels il est surtout connu.

Le portrait de commande et l’étude familiale

Madame Louis Joachim Gaudibert, daté de 1868, montre clairement que Monet a aussi peint des portraits sur commande. Le musée d’Orsay date la demande du 3 septembre 1868. ^[2]

Le tableau mesure plus de deux mètres de haut. La pose debout et la robe élaborée donnent au modèle une présence solennelle. Le mobilier qui l’entoure situe la scène dans un intérieur.

Le but diffère de celui d’une scène d’enfant qui joue ou d’une promenade avec une personne proche. Le portrait de commande répond à un commanditaire et à un cadre social précis, tout en gardant la touche propre à Monet.

Cette différence laisse place à l’expérimentation au sein d’un format familier. Monet peut faire des choix de couleur, de texture et de répartition de l’attention tout en travaillant dans la tradition du portrait.

Il est plus éclairant de partir de la fonction de chaque tableau. Les attentes et la manière dont Monet y répond varient selon le portrait.

Femmes au jardin, quatre figures dans une composition

Femmes au jardin, commencé en 1866, réunit plusieurs figures dans une grande composition de plein air. Selon le musée d’Orsay, Camille a posé pour les trois figures de gauche, dont les visages restent peu individualisés. ^[3]

Cette distinction est essentielle. La présence de plusieurs figures dans un tableau ne permet pas toujours d’y reconnaître des personnes différentes. Un seul modèle peut fournir des poses et des formes pour l’ensemble de la composition.

Les robes blanches rendent le soleil et l’ombre particulièrement visibles. Leurs formes répondent à l’arbre central, à l’allée et à la végétation alentour, reliant les femmes à la structure du jardin.

Monet commence le tableau dehors et l’achève en atelier. Le jury du Salon le refuse en 1867. ^[3] L’histoire du tableau témoigne d’un travail mené en plusieurs étapes, sur le motif puis en atelier.

Le défi est de réunir figures et paysage sous la même lumière. La ressemblance reste une possibilité, tandis que l’accord de l’ensemble détermine la composition.

Jean Monet et un tableau gardé dans la famille

Le Met donne aujourd’hui au tableau de 1872 représentant Jean, le fils de Monet, le titre que l’on peut traduire par Jean Monet sur son cheval tricycle. Il est aussi connu sous un titre plus ancien, traduit ici par Jean Monet sur son cheval-jouet. Il s’agit d’un jouet à roues en forme de cheval. ^[4]

Le musée situe la séance dans le jardin de la nouvelle maison familiale à Argenteuil. Jean avait cinq ans et Monet l’a fait poser pour le tableau.

Cette image intime a été soigneusement composée. L’enfant, le jouet et le jardin forment un cadre reconnaissable, et la pose place le jeune modèle au centre du tableau.

Monet a gardé cette toile toute sa vie sans l’exposer. Plusieurs de ses grandes compositions de figures étaient en revanche destinées aux expositions. ^[4] Le même peintre pouvait ainsi travailler pour le public ou pour le cercle familial.

Cette différence de fonction fait partie de l’intérêt du tableau. Une image familiale peut fixer un moment personnel, loin des attentes du public d’une exposition.

Une scène de jardin dont l’histoire reste incertaine

Camille Monet sur un banc de jardin, daté de 1873, associe un modèle identifiable à une rencontre plus incertaine. Le Met rapproche la tenue de Camille de la mode de l’époque et évoque le billet dans sa main, la mort de son père cette année-là et la possibilité que l’homme lui présente ses condoléances. ^[5]

Cette réserve est importante. Une interprétation plausible de la scène laisse ouverte la question des paroles et des émotions exactes des personnes représentées.

Le tableau réunit vêtement, fleurs, posture et proximité. Le banc rassemble les figures dans un même cadre sans rendre leur relation facile à lire. Le jardin forme à la fois un lieu domestique et un agencement de couleurs autour d’elles.

La scène se prête à plusieurs lectures, du loisir au deuil. L’incertitude fait partie de son intérêt.

La comparaison entre portrait et composition de figures peut tenir compte de cette incertitude. Reconnaître Camille laisse encore ouverte la signification de certains gestes et l’intention du peintre.

Camille et Jean sous un ciel ouvert

Le tableau de la National Gallery of Art La Femme à l’ombrelle. Madame Monet et son fils, daté de 1875, place Camille et Jean sur une hauteur herbeuse. Le point de vue bas fait ressortir la femme contre le ciel. ^[6]

L’ombrelle, la robe et le voile traduisent chacun à leur façon la lumière et l’air. L’herbe est faite de petites touches serrées, tandis que les nuages sont traités plus librement. Les couleurs environnantes se retrouvent dans les vêtements qui paraissent blancs au premier regard.

L’identité familiale reste importante, et les figures s’inscrivent dans un ensemble plus vaste de ciel, de sol, d’étoffes en mouvement et d’ombres.

Ce rapport montre comment le portrait et la peinture de figures en plein air peuvent se rejoindre. Les personnes restent reconnaissables, et leur présence donne une mesure à l’espace et rend sensible le temps qu’il fait.

La scène familiale de 1875 est une œuvre distincte des études de plein air plus tardives aux titres semblables. L’ombrelle est un motif qui revient d’une toile à l’autre.

La Japonaise, costume, mise en scène et japonisme

Le Museum of Fine Arts de Boston identifie le modèle de La Japonaise comme Camille en costume japonais, coiffée d’une perruque blonde. Monet a exposé le tableau en 1876 sous le titre Japonerie. ^[7]

La présentation du kimono et des éventails relève de l’engouement occidental pour les objets japonais, appelé japonisme. Le costume de Camille renseigne sur cette vogue occidentale. Pour identifier le modèle et situer la réalisation du tableau, il faut s’appuyer sur la documentation de l’œuvre.

La grande figure, le vêtement d’un rouge éclatant et les objets décoratifs alentour produisent un effet théâtral. Le costume transforme la présentation d’une personne familière tout en laissant distincts le modèle et son rôle.

Le dossier de restauration du musée de Boston fait aussi état de réactions critiques diverses à l’époque. ^[7] Les réactions du public ont varié.

Par rapport à une scène de jardin, l’espace est manifestement aménagé pour la présentation. Les étoffes et les accessoires contribuent à définir le sujet du tableau et son rapport au goût de l’époque.

Camille sur son lit de mort, regarder avec retenue

Le musée d’Orsay conserve Camille sur son lit de mort, une toile de 1879 qui mesure 90 sur 68 centimètres. ^[8] Le sujet diffère profondément de celui d’un portrait d’exposition ou d’une scène en costume.

Le visage apparaît parmi des étoffes claires et un réseau de petites touches. Il reste reconnaissable, tandis que la couleur et la facture l’éloignent du fini lisse d’un portrait conventionnel.

L’œuvre peut émouvoir le spectateur. La toile laisse toutefois ouverte la question de la place du chagrin et des habitudes d’observation dans l’esprit du peintre.

Le simple fait qu’il s’agisse d’une image de Camille après sa mort suffit à établir la portée personnelle du tableau. Ses dernières paroles et les pensées du peintre restent hors de portée de l’image.

La comparaison avec des images antérieures du même modèle peut éclairer la toile, à condition de garder visibles les différences de fonction et de circonstances.

Figures et portraits au-delà des années 1870

L’œuvre de Monet Essai de figure en plein air. Femme à l’ombrelle tournée vers la droite, datée de 1886, appartient au musée d’Orsay. Elle est distincte de la scène familiale de 1875 conservée à Washington. ^[9]

Cette date tardive rappelle que Monet a continué à peindre des figures après les années d’Argenteuil. Il pouvait revenir à une figure debout tout en développant sa peinture de paysage.

Le musée Marmottan Monet conserve aussi Le Portrait de Poly, daté de 1886 et portant une inscription qui mentionne Belle-Île. ^[10] Ce portrait d’un homme identifié rappelle que les modèles de Monet dépassent le cercle des représentations de Camille.

Ces œuvres montrent que les figures continuent d’apparaître à mesure que les priorités de Monet évoluent. La place du portrait varie selon les périodes.

Pour comparer ces œuvres, partez de chaque tableau. Identifiez la personne, examinez les circonstances connues, observez comment la figure occupe l’espace et voyez ce que la touche met en évidence. Les réponses de Monet varient d’une toile à l’autre.

Portraits et tableaux de figures

La Femme à la robe verte

Femmes au jardin

Madame Monet en kimono japonais

Camille Monet sur un banc de jardin

Femme à l’ombrelle

Camille Monet sur son lit de mort

Jean Monet sur son cheval-jouet

Autoportrait au béret

Essai de figure en plein air. Femme à l’ombrelle

Femme au jardin

Le Déjeuner sur l’herbe

Le Déjeuner

Questions fréquentes