von
Tom Gurney
Tom Gurney BSc (Hons), Kunstgeschichte-Experte mit über zwanzig Jahren Erfahrung
Veröffentlicht am 2. März 2026 / Aktualisiert am 23. Oktober 2026
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Porträts und Figurenbilder von Claude Monet
Claude Monet stellte Menschen auf unterschiedliche Weise dar. Er malte namentlich bekannte Modelle, Familienmitglieder, Personen in einem Garten und Figuren, deren Erscheinung vom Licht im Freien geprägt wird. Diese Zwecke können sich überschneiden. Ein Porträt kann von der Wiedererkennbarkeit leben. In einem Figurenbild kann eine vertraute Person Modell stehen, während ein anderer Aspekt der Szene im Vordergrund steht. In Monets Werk finden sich Beispiele für beide Ansätze. [2] [3] [4]
Auf einen Blick
- Salonporträt Camille, auch bekannt als Die Frau im grünen Kleid, 1866 [1]
- Auftragsbildnis Madame Louis Joachim Gaudibert, 1868 [2]
- Figurenkomposition Frauen im Garten, begonnen 1866 [3]
- Familienmotiv Jean Monet auf seinem Dreiradpferd, 1872 [4]
- Familienszene im Freien Frau mit Sonnenschirm. Madame Monet und ihr Sohn, 1875 [6]
- Kostümbild La Japonaise, 1876 unter dem Titel Japonerie ausgestellt [7]
Camille und das öffentliche Porträt
1866 stellte Monet sein Ganzfigurenbild Camille, häufig als Die Frau im grünen Kleid bezeichnet, im Pariser Salon aus. Die Kunsthalle Bremen beschreibt den Erfolg des Gemäldes und bringt die Haltung und Kleidung des Modells mit zeitgenössischen Modebildern und Fotografien im Carte-de-Visite-Format in Verbindung. [1]
Camille wendet sich halb ab und neigt den Kopf. Der lange Rock nimmt einen großen Teil der unteren Bildfläche ein. Vor dem dunklen Hintergrund treten Figur und Kleidung besonders deutlich hervor.
Das große Format verleiht der jungen Frau in zeitgenössischer Kleidung eine auffällige Präsenz vor dem Salonpublikum. Die Wirkung beruht wesentlich auf dem Verhältnis zwischen Modell, modischer Erscheinung und dem Anspruch, das Bild öffentlich zu zeigen.
Die Stoffe tragen zu dieser Präsenz bei. Der Wechsel heller und dunkler Partien im Kleid und der Gegensatz zwischen Rock und Jacke geben dem Maler verschiedene Oberflächen, die er voneinander absetzen kann.
Das Werk zeigt, dass Monet sich früh mit großformatigen Figurenbildern befasste. Das ist neben den Landschaften, für die er vor allem bekannt ist, ein wichtiger Teil seiner Arbeit.
Auftragsbildnis und Familienstudie
Madame Louis Joachim Gaudibert von 1868 zeigt deutlich, dass Monet auch als Auftragsporträtist arbeitete. Das Musée d’Orsay datiert den Auftrag auf den 3. September 1868. [2]
Das Gemälde ist mehr als zwei Meter hoch. Die stehende Haltung und das aufwendige Kleid verleihen der Porträtierten eine förmliche Präsenz. Die Möbel um sie herum verorten die Figur in einem Innenraum.
Der Zweck unterscheidet sich von einem Bild eines spielenden Kindes oder einer vertrauten Person beim Spaziergang. Ein Auftragsbildnis ist mit einem Auftraggeber und einem bestimmten gesellschaftlichen Rahmen verbunden. Monets eigene Pinselführung bleibt dabei erkennbar.
Dieser Unterschied lässt innerhalb eines vertrauten Formats Raum für Experimente. Monet konnte in der Tradition des Porträts arbeiten und zugleich über Farbe, Textur und Blickführung entscheiden.
Aufschlussreicher ist die Frage nach dem Zweck des jeweiligen Gemäldes. Die Erwartungen und Monets Umgang mit ihnen können sich von Bild zu Bild unterscheiden.
Frauen im Garten, vier Figuren in einer Komposition
Frauen im Garten, 1866 begonnen, vereint mehrere Figuren in einer großen Komposition im Freien. Laut Musée d’Orsay stand Camille für die drei Figuren links Modell. Ihre Gesichter sind wenig individualisiert. [3]
Diese Unterscheidung ist grundlegend. Mehrere Figuren in einem Bild müssen keine verschiedenen, erkennbaren Personen darstellen. Ein Modell kann Haltungen und Formen für die gesamte Komposition liefern.
Auf den weißen Kleidern werden Sonne und Schatten besonders gut sichtbar. Ihre Formen stehen in Beziehung zum Baum in der Mitte, zum Weg und zu den Pflanzen ringsum. Dadurch sind die Frauen mit dem Aufbau des Gartens verbunden.
Monet begann das Bild im Freien und vollendete es im Atelier. Die Jury des Salons lehnte es 1867 ab. [3] Die Entstehungsgeschichte zeigt einen Arbeitsprozess in mehreren Etappen, vor dem Motiv und später im Atelier.
Die Aufgabe bestand darin, Figuren und Landschaft unter denselben Lichtbedingungen zu vereinen. Ähnlichkeit war ein möglicher Gesichtspunkt. Ausschlaggebend war der Zusammenhalt der Komposition.
Jean Monet und ein Gemälde im Familienbesitz
Das Met führt das Gemälde von Monets Sohn Jean aus dem Jahr 1872 heute unter einem Titel, der sich so übersetzen lässt Jean Monet auf seinem Dreiradpferd. Bekannt ist es auch unter einem älteren Titel, hier übersetzt als Jean Monet auf seinem Spielzeugpferd. Das Spielzeug hat die Form eines Pferdes und ist mit Rädern versehen. [4]
Das Museum verortet die Sitzung im Garten des neuen Familienhauses in Argenteuil. Jean war fünf Jahre alt und saß seinem Vater für das Gemälde Modell.
Das intime Bild wurde bewusst arrangiert. Kind, Spielzeug und Garten bilden einen erkennbaren Schauplatz. Durch die Pose wird der junge Porträtierte zum Mittelpunkt.
Monet behielt das Bild sein Leben lang und stellte es nie aus. Mehrere seiner großen Figurenbilder waren dagegen für Ausstellungen bestimmt. [4] So konnte derselbe Künstler für ein Publikum oder für den Familienkreis arbeiten.
Dieser Unterschied im Zweck macht einen Teil der Bedeutung des Gemäldes aus. Ein Familienbild kann einen persönlichen Augenblick festhalten, fern von den Erwartungen eines Ausstellungspublikums.
Eine Gartenszene mit ungewisser Geschichte
Camille Monet auf einer Gartenbank von 1873 verbindet eine erkennbare Porträtierte mit einer weniger eindeutigen Begegnung. Das Met setzt Camilles Kleidung zur damaligen Mode in Beziehung und bespricht den Zettel in ihrer Hand, den Tod ihres Vaters in jenem Jahr und die Möglichkeit, dass der Herr ihr sein Beileid ausspricht. [5]
Dieser Vorbehalt ist wichtig. Eine plausible Deutung der Szene lässt offen, was die dargestellten Personen genau sagen oder empfinden.
Das Bild verbindet Kleidung, Blumen, Körperhaltung und räumliche Nähe. Die Bank führt die Figuren an einem Ort zusammen, während ihre Beziehung schwer lesbar bleibt. Der Garten bildet eine häusliche Umgebung und ordnet zugleich die Farben um sie herum.
Die Szene lässt verschiedene Lesarten zu, von Freizeit bis Trauer. Gerade das Ungeklärte trägt zu ihrer Wirkung bei.
Beim Vergleich von Porträts und Figurenbildern kann diese Unsicherheit bestehen bleiben. Auch wenn Camille erkennbar ist, bleiben die Bedeutung einzelner Gesten und die Absichten des Malers offen.
Camille und Jean unter freiem Himmel
Das Gemälde der National Gallery of Art Frau mit Sonnenschirm. Madame Monet und ihr Sohn von 1875 zeigt Camille und Jean auf einer grasbewachsenen Anhöhe. Der Blick von unten lässt die Frau vor dem Himmel besonders deutlich hervortreten. [6]
Sonnenschirm, Kleid und Schleier geben jeweils andere Hinweise auf Licht und Luft. Das Gras besteht aus dichten kurzen Pinselstrichen, während die Wolken lockerer gemalt sind. Die Farben der Umgebung erscheinen in der auf den ersten Blick weißen Kleidung.
Die Identität der Familienmitglieder bleibt wichtig. Die Figuren sind in ein größeres Gefüge aus Himmel, Boden, bewegtem Stoff und Schatten eingebunden.
Daran wird sichtbar, wie sich Porträt und Figurenmalerei im Freien berühren können. Die Personen bleiben erkennbar. Zugleich vermittelt ihre Anwesenheit einen Maßstab für den Raum und lässt das Wetter spürbar werden.
Die Familienszene von 1875 ist ein eigenständiges Werk neben den späteren Freilichtstudien mit ähnlichen Titeln. Der Sonnenschirm ist ein Motiv, das in mehreren Bildern wiederkehrt.
La Japonaise, Kostüm, Inszenierung und Japonismus
Das Museum of Fine Arts in Boston identifiziert das Modell in La Japonaise als Camille in japanischer Kleidung und mit blonder Perücke. Monet stellte das Gemälde 1876 unter dem Titel Japonerie. [7]
Die Präsentation des Kimonos und der Fächer gehört zur westlichen Begeisterung für japanische Gegenstände, dem Japonismus. Camilles Kostüm gibt Aufschluss über diese westliche Mode. Für die Identität des Modells und die Entstehung des Bildes sind die Angaben zum Werk maßgeblich.
Die große Figur, das leuchtend rote Gewand und die dekorativen Gegenstände erzeugen eine theatralische Wirkung. Das Kostüm verändert die Darstellung einer vertrauten Person, während Modell und Rolle unterscheidbar bleiben.
Der Restaurierungsbericht des Bostoner Museums dokumentiert auch unterschiedliche zeitgenössische Kritiken. [7] Die Reaktionen des Publikums waren unterschiedlich.
Im Vergleich mit einer Gartenszene ist der Raum auffällig auf die Präsentation ausgerichtet. Stoffe und Accessoires bestimmen das Thema des Bildes und seinen Bezug zum zeitgenössischen Geschmack mit.
Camille auf dem Totenbett, ein behutsamer Blick
Das Musée d’Orsay besitzt Camille auf dem Totenbett, eine Leinwand von 1879 mit den Maßen 90 mal 68 Zentimeter. [8] Das Motiv unterscheidet sich grundlegend von einem Ausstellungsporträt oder einer inszenierten Kostümszene.
Das Gesicht erscheint zwischen hellen Stoffen und einem Geflecht kurzer Pinselstriche. Es bleibt erkennbar. Farbe und Malweise entfernen sich zugleich von der glatten Ausführung eines herkömmlichen Porträts.
Das Werk kann Betrachter bewegen. Die Leinwand lässt jedoch offen, welche Rolle Trauer und die berufliche Gewohnheit des Beobachtens für den Maler in diesem Augenblick spielten.
Schon die Identifikation als Bildnis Camilles nach ihrem Tod zeigt die persönliche Bedeutung des Werks. Ihre letzten Worte und die Gedanken des Malers lassen sich aus dem Bild nicht erschließen.
Der Vergleich mit früheren Bildern desselben Modells kann aufschlussreich sein, wenn die unterschiedlichen Zwecke und Anlässe sichtbar bleiben.
Figuren und Porträts nach den 1870er-Jahren
Monets Figurenstudie im Freien. Frau mit Sonnenschirm, nach rechts gewandt von 1886 gehört dem Musée d’Orsay. Es ist ein anderes Werk als die Familienszene von 1875 in Washington. [9]
Das spätere Datum zeigt, dass Monet sich auch nach den Jahren in Argenteuil mit Figuren beschäftigte. Neben der immer umfangreicheren Landschaftsmalerei konnte er erneut eine stehende Figur zum Motiv machen.
Das Musée Marmottan Monet besitzt auch Das Porträt von Poly aus dem Jahr 1886 mit einer Inschrift, die auf Belle-Île verweist. [10] Der namentlich bekannte Mann erinnert daran, dass Monet auch andere Personen als Camille porträtierte.
Diese Werke zeigen, dass Figuren weiterhin vorkamen, während sich Monets Schwerpunkte verschoben. Die Bedeutung des Porträts wechselte im Lauf der Jahrzehnte.
Gehen Sie beim Vergleich vom einzelnen Gemälde aus. Fragen Sie, wer dargestellt ist, was über den Anlass bekannt ist, wie die Figur den Raum einnimmt und worauf die Malweise den Blick lenkt. Monets Antworten fallen von Bild zu Bild unterschiedlich aus.
Porträts und Figurenbilder
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Häufig gestellte Fragen
In Frauen im Garten steht Camille für mehrere Figuren Modell, die nicht als einzelne Porträts angelegt sind. [3]
Ja. Das Porträt von Madame Gaudibert ist ein belegter Auftrag aus dem Jahr 1868. [2]
Die National Gallery of Art identifiziert Camille und Jean. [6]
Diskussion
Betrachten Sie die Bilder und Gedanken dieses Leitfadens zu Monets Porträts und Figuren erneut. Diese Anregungen laden zu eigenen Beobachtungen ein.
Beobachtungen der Leser
Vergleichen Sie das Bildnis einer namentlich bekannten Person mit einer Figur in einem Gartenbild.
Achten Sie darauf, wie sich die Kleidung zwischen förmlichem Porträt, Freilichtstudie und Kostümbild verändert.
Unterscheiden Sie eine belegte Identität von einer unsicheren Deutung der Szene.
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Quellen
- Kunsthalle Bremen, Camille, 1866, Museumsbeitrag zu Pose, Mode und Aufnahme im Salon. Quelle ansehen.
- Musée d’Orsay, Madame Louis Joachim Gaudibert, 1868, RF 1951 20, Auftrag und Objekteintrag. Quelle ansehen.
- Musée d’Orsay, Women in the Garden, um 1866, RF 2773, Modelle, Arbeit im Freien, Fertigstellung im Atelier und Ablehnung 1867. Quelle ansehen.
- The Metropolitan Museum of Art, Jean Monet on His Horse Tricycle, 1872, Inventarnummer 2000.195, Schauplatz Argenteuil und Verbleib bei Monet. Quelle ansehen.
- The Metropolitan Museum of Art, Camille Monet on a Garden Bench, 1873, Inventarnummer 2002.62.1, Mode und vorsichtige Deutung der Szene. Quelle ansehen.
- National Gallery of Art, Woman with a Parasol - Madame Monet and Her Son, 1875, Inventarnummer 1983.1.29, Figuren, Blickwinkel und Malweise. Quelle ansehen.
- Museum of Fine Arts, Boston, Conservation in Action: La Japonaise, Kostüm, ursprünglicher Titel und zeitgenössische Rezeption. Quelle ansehen.
- Musée d’Orsay, Camille on Her Deathbed, 1879, RF 1963 3, Objekteintrag. Quelle ansehen.
- Musée d’Orsay, Study of a Figure Outdoors: Woman with a Parasol Turned to the Right, 1886, RF 2620. Quelle ansehen.
- Musée Marmottan Monet, Portrait of Poly, 1886, Inventarnummer 5023, Objekteintrag und Inschrift. Quelle ansehen.
