Gemälde

Claude Monets Gemälde verbinden unmittelbare Beobachtung, Experimente mit Farbe und die wiederholte Untersuchung wechselnden Lichts. Auch ihre spätere Rezeption gehört zur Geschichte der modernen Kunst.

Monets Stellung in der Kunst des 20. Jahrhunderts lässt sich nicht auf eine einzige Wirkungslinie reduzieren. So unterschiedliche Künstler wie Kazimir Malevich, Henri Matisse, Robert Delaunay und Piet Mondrian gingen innerhalb der Moderne unterschiedliche Wege. Monets späte Seerosen wurden außerdem Teil einer späteren Auseinandersetzung mit der Abstraktion, insbesondere im Vergleich mit Jackson Pollock und Mark Rothko. Basquiat gehört zu einer jüngeren Generation und darf nicht zu den ursprünglichen abstrakten Expressionisten gezählt werden. Die Verbindung zwischen Monet und der amerikanischen Abstraktion betrifft die Rezeption seiner späten Gemälde; sie bedeutet nicht, dass Impression, Sonnenaufgang diese Bewegung begründet hätte. ^{[1] [2]}

Monets Serien untersuchen das Verhältnis zwischen einem erkennbaren Motiv und seiner wechselnden Erscheinung. Ein Getreideschober, eine Baumreihe oder eine Kathedralfassade bietet einen beständigen Vergleichspunkt, während Licht und Atmosphäre Farben und Konturen verändern. Es sind Gemälde der Wahrnehmung, keine wissenschaftlichen Messungen von Wetter oder Klima. Die Fotografie existierte bereits während Monets Laufbahn; seine Leistung beruht nicht auf dem Fehlen fotografischer Bilder. Seine Gemälde fragen danach, was Farbe, Pinselführung und eine Folge von Leinwänden über einen Ort zeigen können, das eine einzelne Ansicht nicht erfasst. Die Vielfalt innerhalb einer Serie ist ebenso bedeutsam wie das wiederkehrende Motiv: Wiederholung wird zu einem Mittel, Unterschiede zu erkunden. ^[3]

Mit der Gestaltung seines eigenen Gartens in Giverny machte Monet eine Landschaft für die fortgesetzte Untersuchung zugänglich. Dieser Abschnitt stellt seine Gemälde sowie die Techniken, Materialien und Themen vor, die einzelne Werke mit dem Verlauf seiner Laufbahn verbinden. ^[11]

Techniken, Materialien und Themen in Claude Monets Ölmalerei

Im 19. Jahrhundert rückten Monet und andere Impressionisten das Malen im Freien ins Zentrum ihrer Arbeit. Sie führten eine bestehende Tradition weiter, statt sie zu erfinden. Monets Ölgemälde verbinden die genaue Aufmerksamkeit für bestimmte Orte mit Anordnungen von Farbe und Pinselstrichen, die einer Szene einen lebendigen, manchmal traumhaften Charakter geben können. ^[4]

Dieser Leitfaden behandelt Monets Arbeit im Freien und im Atelier, die praktischen Materialien der Ölmalerei und die Themen seiner Einzelbilder und Serien.

Freilichtmalerei: eine charakteristische Praxis der Impressionisten

Der französische Ausdruck für Freilichtmalerei bezeichnet die Arbeit unter freiem Himmel: Der Künstler malt vor einer Landschaft oder einem anderen Motiv im Freien. Das verlangt nicht, dass jeder Strich eines fertigen Bildes draußen aufgetragen wird. Direkt vor der Natur entstandene Ölskizzen gab es schon Generationen vor dem Impressionismus; Corot und Daubigny waren bedeutende Vertreter dieser Praxis im 19. Jahrhundert. Monet entwickelte dieses Erbe durch die ausdauernde Beobachtung von Licht, Wasser und Atmosphäre weiter. Vor dem Motiv kann der Maler die tatsächlich gesehenen Farben mit denen auf der Leinwand vergleichen. Ein Schatten verändert sich beim Vorüberziehen einer Wolke, während eine Spiegelung zerfällt, sobald sich das Wasser bewegt. Solche Bedingungen schaffen praktische Schwierigkeiten ebenso wie Möglichkeiten. Die scheinbar unmittelbare Wirkung eines Gemäldes darf deshalb nicht als Beweis gelten, dass es in einer einzigen Sitzung im Freien vollendet wurde. Beobachtung, Auswahl und spätere Überarbeitung konnten sämtlich zum fertigen Bild beitragen. ^{[4] [5]}

Die Herausforderungen der Freilichtmalerei und der Gebrauch der Kastenstaffelei

Beim Malen im Freien müssen Bildträger, Farben, Pinsel und weitere Ausrüstung zum gewählten Ort gebracht werden. Ein tragbarer Malkasten und eine Staffelei erleichtern diese Aufgabe; manche Modelle verbinden Stauraum, Palette und eine Halterung für die Leinwand. Ein Malkasten aus dem 19. Jahrhundert mit zerlegbarer Staffelei und klappbarer Palette ist in der Sammlung des Petit Palais erhalten. Er belegt die verfügbare Ausrüstung, jedoch nicht, dass Monet oder die Impressionisten die Kastenstaffelei erfunden hätten. Die Tragbarkeit ist wichtig, weil der Maler einen Standpunkt erreichen und seine Ausrüstung aufbauen muss, bevor sich die Bedingungen ändern. Auch unterwegs und zwischen den Sitzungen müssen die Materialien geschützt werden. Eine weitere wichtige Entwicklung war die zusammendrückbare Metalltube. Der amerikanische Maler John Goffe Rand ließ solche Tuben 1841 patentieren; weitere Verbesserungen folgten. Sie halfen, vorbereitete Farbe gebrauchsfähig zu halten, und erleichterten den Transport. Fertig hergestellte Farben machten die Palette nicht überflüssig: Die Maler konnten sie weiterhin mischen oder durch Weiß einen Ton verändern. Auch schuf die Tube die Freilichtmalerei nicht aus dem Nichts, denn vorbereitete Farben wurden bereits in anderen Behältern mitgeführt. Ihre Bedeutung liegt in der bequemeren Handhabung und Aufbewahrung. Die Entwicklung der Pigmentherstellung im 19. Jahrhundert erweiterte zudem die verfügbaren Farben. Monets Palette änderte sich während seiner langen Laufbahn; eine Liste von Erfindungsdaten kann daher kein Rezept für jedes Gemälde liefern. Auswahl, Mischung und Platzierung einer Farbe auf der Leinwand blieben künstlerische Entscheidungen, auch wenn die Materialien von einem Händler stammten. ^{[6] [7] [8]}

Natürliches Licht und die Schule von Barbizon

Monets Interesse am natürlichen Licht gehört zu einer längeren Geschichte der Landschaftsmalerei. Die im Frankreich des 19. Jahrhunderts tätigen Maler von Barbizon wurden nach einem Dorf am Rand des Waldes von Fontainebleau benannt. Sie waren sich darin einig, dass die Landschaft ernsthafte Aufmerksamkeit verdiente, obwohl ihre Arbeitsweisen unterschiedlich waren. Zu den wichtigen Persönlichkeiten dieser Geschichte zählen Théodore Rousseau, Charles-François Daubigny und Millet. Ihre Werke trugen dazu bei, den Wert einer genauen Beobachtung ländlicher Orte und alltäglicher Arbeit zu etablieren. Ihr Verhältnis zur Romantik war vielschichtiger als eine bloße Ablehnung des Gefühls zugunsten sachlicher Beschreibung. Eine intensive emotionale Reaktion auf die Natur konnte mit dem Studium bestimmter Bäume, Felder und wechselnder Himmel einhergehen. Beobachtung im Freien und Atelierarbeit waren ebenfalls vereinbar. Corot brachte beispielsweise seine Naturerfahrung ins Atelier zurück, während Daubigny Gemälde von einer schwimmenden Werkstatt aus entwickelte. Der Vergleich mit Monet zeigt sowohl Kontinuität als auch Veränderung: Die Landschaft wurde nicht plötzlich mit dem Impressionismus zu einem eigenständigen Thema; Monet erkundete jedoch neue Möglichkeiten ihrer Farben, Oberflächen und wiederholten Motive. Ähnliche Gegenstände machen diese Künstler noch nicht zu Vertretern eines einheitlichen Stils. ^[5]

Claude Monets impressionistischer Stil

Monets Gemälde können eine erkennbare Struktur bewahren und zugleich ihre Umrisse durch Farbe und Pinselführung lockern. In einer Folge von Brückenbildern bleibt der Bogen möglicherweise die ordnende Form, während Wasser, Laub und Spiegelungen wechseln. Der Vergleich der Leinwände macht solche Unterschiede deutlicher: Eine kühle Partie kann den Blick auf den Schatten lenken, während wärmere Farbe einer anderen Fassung einen anderen Schwerpunkt gibt. Zu seinen Serien gehören Getreideschober, Pappeln, die Kathedrale von Rouen und der Seerosenteich. Diese Gruppen sind keine austauschbaren Versuche unter identischen Bedingungen. Die Kathedralbilder entstanden beispielsweise überwiegend aus Räumen gegenüber der Fassade, statt vor einer Staffelei auf der Straße. Monet arbeitete 1892 und 1893 in Rouen und überarbeitete die Leinwände anschließend in Giverny weiter. Die Serie umfasst mehr als dreißig Ansichten; zwanzig wurden für die Pariser Ausstellung von 1895 ausgewählt. In diesen Werken kann das Gebäude dicht und verschattet erscheinen oder sich in hellere, weichere Farbe auflösen. Die Betrachtung einer Gruppe lenkt die Aufmerksamkeit auf das Verhältnis von architektonischer Form und vorübergehender Beleuchtung. Ein fester Gegenstand kann instabil wirken, ohne seine Identität zu verlieren. Die Seerosenbilder stellen ein anderes räumliches Problem dar, denn Spiegelungen und schwimmende Pflanzen können sich eine Bildfläche ohne herkömmlichen Horizont teilen. Ihre Vielfalt spiegelt auch Veränderungen von Monets Formaten und Arbeitsweisen über viele Jahre wider. Eine Serie ist daher mehr als eine Aufzeichnung aufeinanderfolgender Augenblicke: Sie bildet eine gestaltete Gruppe, in der jedes Gemälde das Verständnis der anderen verändern kann. ^{[3] [9]}

Der Aufbau der gemalten Oberfläche

Für Monets Gemälde galt keine Regel, nach der eine Leinwand in derselben Sitzung im Freien begonnen und vollendet werden musste. Die Rückkehr zu einem Bild konnte bedeuten, Beziehungen auf der gesamten Fläche zu verändern, statt einer fertigen Ansicht nur kleine Einzelheiten hinzuzufügen. Ölfarbe ermöglicht außerdem unterschiedliche Kontakte zwischen den Schichten. Frische Farbe, die in eine noch nasse Partie eingearbeitet wird, kann sich vermischen; ein Strich auf trockener Farbe kann dagegen deutlicher getrennt bleiben. Technische Untersuchungen bestätigen, dass Monet Mischungen ebenso wie reinere Farbe verwendete; die Behauptung, er habe das Mischen auf einer Palette verweigert, ist falsch. Seine Materialien und seine Malweise veränderten sich, und weder eine einzige Pinselform noch eine feste Abfolge erklärt jede Leinwand. Dick aufgetragene Farbe, häufig als Impasto bezeichnet, verleiht der Oberfläche ein körperliches Relief. Kleinere Striche können breitere Partien unterbrechen oder verbinden, müssen aber nicht bloß der abschließenden Ausarbeitung dienen. Der Blick kann der Richtung eines Strichs folgen, eine durchscheinende untere Farbe wahrnehmen oder die Dichte benachbarter Bereiche vergleichen. Solche Wirkungen helfen, die gemalte Oberfläche von der dargestellten Landschaft zu unterscheiden. Sie erklären auch, weshalb ein aus der Ferne mühelos wirkendes Bild aus der Nähe eine ausdauernde, komplexe Arbeit erkennen lässt. Der Eindruck wechselnden Lichts entsteht durch Entscheidungen über die Farbe ebenso wie durch die vor dem Motiv beobachteten Bedingungen. ^[10]

Claude Monets Gemälde erkunden

Monets Gemälde verbinden die praktischen Möglichkeiten der Ölfarbe mit einer außergewöhnlich ausdauernden Aufmerksamkeit für Orte und wechselnde Erscheinungen. Tragbare Ausrüstung und vorbereitete Farben unterstützten die Arbeit im Freien, während das Atelier Raum für Überarbeitung und anspruchsvolle späte Kompositionen bot. Seine Serien bringen verwandte Leinwände miteinander ins Gespräch und machen Unterschiede von Farbe, Atmosphäre und Malweise zum Bestandteil des Themas. Weder spontane Beobachtung noch sorgfältige Konstruktion erklärt allein die Ergebnisse. Vergleichen Sie zur Erkundung seines Werks einzelne Gemälde innerhalb einer Serie und betrachten Sie anschließend ihre Oberflächen und die verschiedenen Entstehungsorte genauer. Der Garten in Giverny, die Kathedrale von Rouen und die Uferansichten seiner früheren Laufbahn stellen jeweils andere Aufgaben von Raum und Licht. Ihre Verbindungen werden deutlicher, wenn Monets Praxis als Entwicklung verstanden wird, statt als feste Formel unvermischter, im Freien aufgetragener Farbe.

Quellen

1. Musée de l’Orangerie, Seerosen. Die amerikanische Abstraktion und der späte Monet, Ausstellung 2018; Rezeption in den 1950er Jahren. Quelle ansehen
2. The Museum of Modern Art, Jean-Michel Basquiat, 1960–1988; New York und sein Durchbruch in den 1980er Jahren. Quelle ansehen
3. The National Gallery, London, Monets Gemäldeserien in Rouen: Beobachtung, Überarbeitung im Atelier und die Ausstellung von 1895. Quelle ansehen
4. The National Gallery, London, Die Landschaftsölskizze, 2007–2008; Geschichte der Ölstudien im Freien. Quelle ansehen
5. Dita Amory, The Metropolitan Museum of Art, Die Schule von Barbizon: französische Naturmaler, 2007. Quelle ansehen
6. Petit Palais, Paris Musées, Malkasten mit zerlegbarer Staffelei und klappbarer Palette, Sammlungsnachweis. Quelle ansehen
7. National Portrait Gallery, Britische Künstlerbedarfshändler, 1650–1950: John Goffe Rand, Patente und frühe Anbieter. Quelle ansehen
8. The National Gallery, London, Leitfaden zum Impressionismus: schnelles Malen, Farbtuben und Der Strand in Trouville. Quelle ansehen
9. Amgueddfa Cymru — Museum Wales, Kathedrale von Rouen: Sonnenuntergang, Sinfonie in Grau und Schwarz; Chronologie und Umfang der Serie. Quelle ansehen
10. Ashok Roy, The National Gallery, Monets Palette im 20. Jahrhundert: Seerosen und Iris, Technical Bulletin 28, 2007, S. 58–68, insbesondere S. 61. Quelle ansehen
11. Maison et jardins de Claude Monet, Zeittafel: Giverny und die Entwicklung des Gartens. Quelle ansehen

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