Selbstporträt mit Barett

Das Gesicht und das Barett

Monets Kopf ist leicht gedreht, seine Augen richten sich jedoch zum Betrachter. Der kleine Unterschied zwischen der Ausrichtung des Gesichts und der Blickrichtung verhindert, dass das Porträt zu einer flachen, symmetrischen Präsentation wird. Eine Seite empfängt mehr Licht; die andere tritt in wärmere und tiefere Schatten zurück.

Das schwarze Barett bildet über der Stirn eine breite, unregelmäßige Form. Sein Rand folgt keiner glatten geometrischen Kontur. Kleine Veränderungen im Farbauftrag lassen Falten und das Gewicht des Stoffes erkennen, während kühlere Akzente die dunkle Form vor einer einheitlichen leeren Fläche bewahren. Darunter entstehen Stirn, Nase und Wange aus aneinandergrenzenden Farbbereichen.

Der Bart bietet eine andere Oberflächenwirkung. Braune Partien mischen sich mit kühleren grauen und blauen Strichen. Seine Fülle entsteht daher durch wechselnde Richtungen und Tonwerte, anstatt durch die sorgfältige Wiedergabe jedes einzelnen Haars. Der Schnurrbart verdeckt einen großen Teil des Mundes, wodurch die Augen für die Begegnung besonders wichtig werden.

Eine gerunzelte Stirn kann Konzentration andeuten, verrät aber nicht genau, was Monet dachte. Das Gemälde zeigt einen Ausdruck, keine Niederschrift privater Gedanken. Seine Wirkung entsteht aus dem Verhältnis zwischen einem erkennbaren Gesicht und den sichtbaren malerischen Mitteln, mit denen dieses Gesicht gestaltet wurde.

Arbeitskleidung und ein schlichter Hintergrund

Der grauviolette Kittel breitet sich über die untere Hälfte der Leinwand aus. Ein weißer Kragen und ein dunkles Halstuch trennen Kopf und Kleidung voneinander und bilden unter dem Bart eine kleine, aber wichtige Gruppe gegensätzlicher Formen. Lange schräge Striche deuten die Falten des Gewands an, ohne jede Naht gleich ausführlich auszuarbeiten.

Die Figur umgibt keine aufwendige Atelierszenerie. Hinter Monet hängt keine fertige Landschaft, neben seiner Schulter steht keine Staffelei, und kein Sortiment von Pinseln wird als berufliches Attribut vorgeführt. Barett, lockere Kleidung und die Behandlung der Farbe vermitteln auch ohne diese zusätzlichen Requisiten den Eindruck eines arbeitenden Künstlers.

Auch der blaue Hintergrund legt keinen bestimmbaren Raum fest. Seine breiten Pinselzüge wechseln in Richtung und Dichte; um Kopf und Schultern bleiben hellere Zonen stehen. Die Figur wirkt zugleich körperlich anwesend und von einer Fläche umgeben, die für die Bewegung des Pinsels weiterhin offen erscheint.

Diese Entscheidungen verleihen dem Porträt Intimität, ohne es in jeder Hinsicht ungezwungen zu machen. Monet hat Pose, Bildausschnitt und Kleidung gewählt. Das Bild ist ebenso eine Selbstdarstellung wie eine Beobachtung seines Aussehens. Was beiläufig erscheint, ist dennoch sorgfältig geordnet.

Ein berufliches Selbstverständnis im Jahr 1886

Die Datierung stellt das Porträt an einen folgenreichen Punkt in Monets Laufbahn. Er hatte sein Haus in Giverny 1883 gemietet, doch sein Berufsleben beschränkte sich keineswegs auf das Dorf. Die Darstellung der letzten Impressionistenausstellung durch das französische Kulturministerium beschreibt eine Gruppe, deren Mitglieder zunehmend unterschiedliche Wege einschlugen. Monet gehörte nicht zu den siebzehn Künstlern dieser letzten Gruppenausstellung von 1886. Stattdessen beteiligte er sich an Georges Petits internationaler Ausstellung. ^[2]

Das bedeutet nicht, dass er die mit dem Impressionismus verbundenen malerischen Interessen aufgegeben hätte. Es zeigt vielmehr, dass künstlerische Identität und die Zugehörigkeit zu einer Ausstellungsgemeinschaft nicht dasselbe waren. Ein Künstler konnte eine erkennbare Arbeitsweise beibehalten und zugleich ein anderes Publikum oder einen vorteilhafteren Rahmen für seine Werke suchen.

Das Musée Rodin hält fest, dass Monet und Renoir 1886 bei Petit Gemälde neben Rodins Skulpturen ausstellten. Ihre gemeinsame Ausstellungstätigkeit entwickelte sich weiter und mündete 1889 in die große Präsentation von Monet und Rodin. Das erhellt den Zusammenhang des Entstehungsjahrs des Selbstporträts, belegt aber nicht, dass dieses Gemälde selbst in jenen Ausstellungen hing. ^[5]

Privates Bildnis und wachsendes Publikum

Auch Paul Durand-Ruels Rolle hilft, das berufliche Umfeld zu verstehen. Die Untersuchung des Händlers durch das Philadelphia Museum of Art betont seine Förderung einzelner Künstler durch Einzelausstellungen, darunter Monets Rückschau von 1883 und die spätere Präsentation der Pappeln. Solche Ausstellungen machten die besondere Entwicklung eines Künstlers sichtbar, statt lediglich ein oder zwei Bilder innerhalb einer großen gemischten Schau zu zeigen. ^[3]

Durand-Ruels New Yorker Unternehmen eröffnete 1886 einen weiteren wichtigen Weg. Das Musée du Luxembourg beschreibt die günstige Aufnahme der Ausstellung und die Notwendigkeit, sie in größere Räume zu verlegen. Amerikanische Sammler veränderten nicht über Nacht jeden Aspekt von Monets Lage, wurden aber zu einem wichtigen Bestandteil des wachsenden Markts für seine Gemälde. ^[4]

Das Selbstporträt lässt sich neben dieser veränderten öffentlichen Stellung betrachten, ohne auf eine Feier des Erfolgs reduziert zu werden. Der schlichte Hintergrund und die Arbeitskleidung stellen keinen offensichtlichen Reichtum zur Schau. Der Betrachter begegnet zuerst der Aufmerksamkeit des Malers und der stofflichen Farbe, bevor ein Anspruch auf gesellschaftliche Auszeichnung erkennbar würde.

Das Gemälde war auch nicht einfach ein für diesen neuen Markt bestimmtes Produkt. Nach der Darstellung des Givernyer Museums verkaufte Monet es zu Lebzeiten nicht; sein Sohn Michel behielt es anschließend sein ganzes Leben lang. Entscheidend ist hier die Unterscheidung zwischen dem Markt um einen Künstler und der Geschichte einer einzelnen Leinwand. ^[1]

Farbe, Ähnlichkeit und sichtbarer Pinselstrich

Das Gesicht erhält seine Wärme teilweise durch den Gegensatz zum kühleren Hintergrund. Rosa und ockerfarbene Partien an Stirn und Wange stehen gegen blasse Blautöne, während dunkelbraune Zeichen Augenhöhlen und Bart bestimmen. Farbe beschreibt die Form, setzt aber zugleich die bemalte Oberfläche in Bewegung.

Verschiedene Bereiche erfahren unterschiedliche Arten der Aufmerksamkeit. Für die Augen genügen kleine, entschiedene Zeichen; der Bart verlangt eine dichtere Ansammlung; der Kittel erlaubt längere und offener sichtbare Striche. Die unfertig wirkenden Ränder der Kleidung lassen diese Unterschiede besonders deutlich erkennen. Sie beweisen für sich genommen nicht, ob Monet das Gemälde als vollendet betrachtete.

Es wäre deshalb irreführend, impressionistische Malweise und genaue Ähnlichkeit so gegeneinanderzustellen, als hätte der Künstler zwischen ihnen wählen müssen. Das Porträt ist auf beides angewiesen. Seine breiten Striche besäßen ohne das besondere Gesicht wenig persönliche Kraft, und die Ähnlichkeit hätte einen anderen Charakter, wenn jede Pinselspur unterdrückt wäre.

Sichtbar bleibt eine Folge malerischer Entscheidungen. Man kann den Gegensatz warmer und kühler Partien oder die unterbrochenen Ränder eines Ärmels beschreiben, ohne die genaue Pigmentmischung, die Reihenfolge jeder Schicht oder die Dauer einer Sitzung zu kennen. Solche Fragen erfordern Belege, die über den sichtbaren Eindruck hinausgehen.

Das spätere Selbstporträt

Monet kehrte in dem eigenständigen Portrait de l’artiste von 1917, heute in der Sammlung des Musée d’Orsay, zum eigenen Bildnis zurück. Diese größere Leinwand misst 70,5 mal 55 cm und gelangte 1927 durch Georges Clemenceaus Schenkung in die französische Nationalsammlung. Diese Angaben gehören zum späteren Bild und nicht zum privat besessenen Werk von 1886. ^[6]

Der Vergleich erinnert daran, wie viel sich innerhalb des scheinbar einfachen Formats eines Brustbilds verändern kann. Ein späteres Bild muss nicht dieselbe Beziehung zwischen Kleidung, Hintergrund und Gesichtsmodellierung wiederholen. Keines der beiden Porträts sollte als zeitloses Emblem losgelöst von seiner eigenen Datierung und Geschichte verstanden werden.

Unter Monets Porträts ist Selbstporträt mit Barett besonders eindringlich, weil es den Beobachter an die Stelle des gewöhnlich betrachteten Modells setzt. Der Künstler, der so viel Zeit mit dem Betrachten von Landschaften und Menschen verbrachte, stellt sich selbst derselben Prüfung. Das Ergebnis ist weder eine vollständige Autobiografie noch ein klinischer Bericht über sein Sehvermögen. Es ist ein gemaltes Bildnis, dessen Unmittelbarkeit auf einer auswählenden, bewussten Gestaltung beruht.

Häufige Fragen