Figurenstudie im Freien: Frau mit Sonnenschirm nach links

Der Blick von unten auf die Figur

Der Betrachter sieht Suzanne von einem niedrigeren Standpunkt aus. Das Gras steigt am unteren Bildrand an und lässt den größten Teil ihrer Figur vor dem Himmel erscheinen. Dieser tiefe Blickpunkt verleiht ihr eine gewichtige Präsenz, ohne sie in einen förmlichen Innenraum zu versetzen.

Das hohe Format verstärkt diese Wirkung. Ihr Rock reicht zum Vordergrund hinunter, während der Sonnenschirm den Raum oberhalb und hinter ihrem Kopf einnimmt. Architektur oder ferne Landschaft spielen kaum eine Rolle. Figur, Gras und Himmel bilden die Hauptelemente des Gemäldes.

Die Haltung ist nicht starr aufrecht. Unten neigt sich das Kleid leicht nach links, und darüber weist das Tuch in dieselbe Richtung. Diesen Bewegungen steht der gesenkte Arm als eher senkrechte Linie gegenüber. Das Gleichgewicht lässt die Figur auf die Bedingungen ihrer Umgebung reagieren.

Das Gesicht liegt im Schatten und ist nur leicht ausgearbeitet. Das hebt die vom Museum dokumentierte Identität des Modells nicht auf, verschiebt jedoch den Schwerpunkt des Gemäldes. Die Umrisse von Kleidung und Sonnenschirm sind unmittelbarer lesbar als einzelne Gesichtszüge.

Suzanne Hoschedé als Modell

Suzanne war die Tochter Alice Hoschedés, die Monet 1892 heiratete. Der Eintrag des Met zu seinem späteren Gemälde Die Spaziergängerin beschreibt Suzanne als bevorzugtes Modell in den Jahren nach Camille Monets Tod 1879. ^[6]

Diese familiäre Verbindung unterscheidet das Bild von der bekannteren Frau mit Sonnenschirm von 1875. Die National Gallery of Art identifiziert die Figuren des früheren Werks als Monets Frau Camille und ihren Sohn Jean. ^[4] Suzanne ist somit nicht einfach ein anderer Name für die Frau im früheren Gemälde.

In der Studie von 1886 ist ihre Rolle zugleich persönlich und malerisch. Sie gehört zu Monets familiärem Umfeld, doch ihre Figur liefert auch die wichtigste helle Form, um die sich die Komposition ordnet. Ihr blasses Kleid wird zur Fläche, auf die Himmel und Gras optisch einwirken.

Der kleine rote Akzent nahe ihrer Taille wirkt besonders deutlich. Gegenüber dem cremefarbenen, rosa und bläulichen Stoff bildet er einen kompakten Punkt kräftigerer Farbe. Er hilft, den Körper innerhalb eines Kleides zu verorten, dessen Falten und äußere Ränder bewusst beweglich bleiben.

Wind in Kleidung und Himmel

Das Tuch erstreckt sich in langen blassen Pinselspuren nach links. Seine losen Enden scheinen sich vom Kopf zu entfernen, während der Sonnenschirm eine wesentlich festere Kontur behält. Beide Accessoires reagieren unterschiedlich auf dieselbe angedeutete Luftbewegung.

Der Himmel ist ebenso lebhaft. Breite weiße Partien ziehen sich geschwungen durch Blau und Grau. Die Pinselspuren bleiben sichtbar, statt in einer glatt verblendeten Oberfläche aufzugehen. Einige Wolkenformen sammeln sich um die Figur, andere öffnen sich zu den Rändern hin.

Das Kleid verbindet den oberen und unteren Bildbereich. Längere Spuren folgen seiner Ausdehnung, während kleinere Farbwechsel Falten und Unterbrechungen des Lichts andeuten. Am Saum trifft der Stoff auf Gras, das in kurzen, unterschiedlichen Pinselspuren gemalt ist.

Zusammen erzeugen diese Spuren Lebendigkeit, ohne ein dramatisches Ereignis zu zeigen. Suzanne rennt nicht und kämpft nicht gegen einen Sturm. Ein großer Teil der Bewegung liegt in den Materialien um sie herum: Tuch, Kleid, Sonnenschirm und Wolken. Ihre unterschiedlichen Texturen machen die Brise spürbar, während die zentrale Figur erkennbar und gefasst bleibt.

Weißer Stoff als Farbfeld

Das Kleid wird als weiß beschrieben, doch seine gemalte Erscheinung geht weit über die Wirkung eines einzigen weißen Pigments hinaus. Rosa, Creme, Hellblau und violett wirkende Schatten teilen es in unterschiedlich beleuchtete Bereiche. Die Farben treten besonders im Vergleich mit dem dunkleren grünen Sonnenschirm und dem dichten Vordergrundschatten hervor.

Dominique Lobsteins mit Zustimmung Orsays veröffentlichter Text über das Bilderpaar verortet Suzanne auf der Böschung der Île aux Orties bei Giverny. Er verbindet das starke Licht und die farbigen Schatten mit Monets fortgesetzter Untersuchung der Figur innerhalb der Landschaft. ^[3]

Der Schauplatz ist somit keine Meeresküste. Der Eindruck frischer Luft erfordert weder Wellen noch Salzwasser oder Küstenwind. Ein Flussufer und offener Himmel bieten genügend Raum, um die Figur mit Licht und Bewegung in Beziehung zu setzen.

Der Sonnenschirm verändert auch unseren Blick auf Suzanne. Seine grüne Unterseite schafft eine dunklere Zone um den Kopf, während der Rand Licht aufnimmt. Das Gesicht bleibt vergleichsweise undeutlich und lenkt das Auge auf die größeren Farbbeziehungen zwischen Schirmdach, Tuch und Kleid.

Zwei Gemälde mit eigenständigem Aufbau

Das Gegenstück in Orsay zeigt die Frau nach rechts gewandt und trägt eine eigene Inventarnummer, RF 2620. ^[5] Die entgegengesetzten Ausrichtungen laden zum Vergleich ein; es handelt sich aber nicht um ein einziges mechanisch gespiegeltes Bild.

Die Richtung verändert, wie die Figur die Leinwand einnimmt. Der Sonnenschirm kann sich zu einer Seite öffnen, während das Kleid den Blick zur anderen führt. Die Verteilung von Wolken und Vordergrundfarben verleiht dann jeder Leinwand ein anderes Gleichgewicht.

Das frühere Gemälde von 1875 ermöglicht einen weiteren Vergleich. Es verwendet ebenfalls einen tiefen Blickpunkt, ein helles Kleid, einen Sonnenschirm und viel Himmel im Hintergrund, zeigt aber Jean hinter Camille. ^[4] Die spätere Studie konzentriert den Aufbau auf eine einzelne Hauptfigur und gibt dem vom Wind bewegten Tuch größere Bedeutung.

Diese Ähnlichkeiten verlangen nicht, die Bilder als eine einzige förmliche Serie zu bezeichnen. Sie zeigen Monet bei der erneuten Beschäftigung mit einer malerischen Frage: Wie lässt sich eine hell gekleidete Figur vor offenen Himmel stellen, ohne sie von der umgebenden Atmosphäre zu isolieren? Das wiederholte Motiv ermöglicht unterschiedliche Lösungen.

Wiederholte Sitzungen für eine flüchtige Wirkung

Das Werkverzeichnis überliefert Germaine Hoschedés Erinnerung, Suzanne sei von den zahlreichen Sitzungen erschöpft gewesen. Es nennt außerdem eine Zeichnung, die Monet nach dem Gemälde zur Illustration eines Artikels von Octave Mirbeau 1891 anfertigte. ^[2]

Diese Überlieferung ergänzt den Eindruck eines unmittelbar erfassten Augenblicks. Freie Pinselspuren und windbewegter Stoff können einen flüchtigen Moment andeuten, ohne dass das Bild so rasch entstand, wie sich sein Gegenstand zu bewegen scheint. Wiederholtes Posieren und eine flüchtige Wirkung können zum selben Werk gehören.

Die spätere Zeichnung ist aus einem weiteren Grund wichtig. Sie zeigt, dass Monet die gemalte Komposition in einem anderen Medium aufgriff. Sie beweist nicht, dass dem Ölbild eine vorbereitende Zeichnung zugrunde lag. Die Richtung dieses Zusammenhangs ist entscheidend.

Das Gemälde gelangte 1927 durch Michel Monets Schenkung in die französischen Nationalsammlungen. Es war dem Louvre und später der Galerie du Jeu de Paume zugeordnet, bevor es 1986 dem Musée d’Orsay übertragen wurde. ^[1] Die besondere Stärke des Bildes liegt in der Verbindung von Figur und Umgebung. Eine vertraute Person wird zum Mittelpunkt eines gesamten Gefüges aus Gras, Stoff, Wolken und Licht, ohne ihre Zugehörigkeit zur Außenwelt zu verlieren.

Häufige Fragen