Frühstück im Grünen von Claude Monet

Ein großes Vorhaben, eine kleinere Fassung und erhaltene Fragmente

Der Titel bezeichnet mehrere miteinander verbundene Objekte, deren Unterscheidung wesentlich ist. Das mittlere und das linke Fragment im Musée d’Orsay sind Teile der großen Leinwand. Eine wesentlich kleinere Fassung im Puschkin-Museum, datiert auf 1866 und mit Maßen von 130 mal 181 Zentimetern, bewahrt einen Blick auf die umfassendere Komposition. ^{[1] [2] [3]}

Das Puschkin-Museum verbindet die Idee mit Monets Malaufenthalten im Wald von Fontainebleau. Es beschreibt seine Absicht, für den Salon von 1866 eine mehr als sechs Meter breite Leinwand zu schaffen. ^[3] Es handelte sich somit um ein ehrgeiziges Vorhaben für die Öffentlichkeit und nicht bloß um die Aufzeichnung eines Mittagessens unter Freunden.

Das separate linke Fragment ist hoch und schmal. Seine Höhe von 418 Zentimetern vermittelt eine Vorstellung vom Maßstab des Vorhabens. Durch eine Schenkung Georges Wildensteins gelangte es 1957 in die französische Staatssammlung. ^[2]

Das mittlere Fragment hat eine andere Form und eine geringere erhaltene Höhe. Seine heutigen Ränder konzentrieren den Blick auf einen Teil der Gesellschaft. Sie dürfen nicht so gelesen werden, als hätte Monet genau diesen rechteckigen Ausschnitt ursprünglich als eigenständiges Bild geplant.

Die kleinere Moskauer Fassung eignet sich zum Vergleich. Sie ist jedoch kein weiteres aus dem großen Gemälde herausgeschnittenes Stück. Maßstab, Zweck und materielle Geschichte unterscheiden die Objekte voneinander.

Das Picknicktuch als Bühne des Sehens

Im mittleren Fragment breitet sich das helle Tuch im Vordergrund wie ein zweiter Boden innerhalb des Waldes aus. Flaschen, Körbe, Obst und Geschirr unterbrechen seine weite Fläche. Ihre kleinen, konzentrierten Formen bieten dem Blick Haltepunkte, bevor er wieder zu den Figuren wandert.

Das Tuch bildet keine gleichmäßige weiße Fläche. Wechselndes Licht und Schatten teilen es in wärmere und kühlere Bereiche. Seine Falten geben Richtungen und Unebenheiten an. Das Essen scheint auf Gras angerichtet zu sein und nicht auf einem ebenen Tisch im Innenraum.

Dieses Stillleben verändert den Maßstab unserer Aufmerksamkeit. Wir können die großen Figuren und Bäume betrachten und uns dann einem schmalen Flaschenhals, einem gerundeten Korb oder einem Tellerrand zuwenden. Das Gemälde verbindet körperliche Gegenwart mit den alltäglichen materiellen Einzelheiten eines Ausflugs.

Die Gesellschaft erscheint nicht als sauber aufgereihte Folge von Porträts. Die Gegenstände im Vordergrund bilden eine gemeinsame Mitte, um die Menschen sitzen, liegen oder stehen. Ihre Beziehungen werden durch den gemeinsam eingenommenen Raum sichtbar und nicht dadurch, dass sich jedes Gesicht den Betrachtenden zuwendet.

Kleidung, Schatten und ein Treffen im Freien

Eine liegende Frau in einem hellen gemusterten Kleid verankert den unteren Teil der erhaltenen Szene. Dahinter steht ein Paar auf einer anderen Bildebene; graue Kleidung hebt sich vom Laub ab. Ein sitzender bärtiger Mann setzt links eine dunkle Masse.

Die Kleidung bezeichnet nicht nur eine modische gesellschaftliche Welt. Ihre Oberflächen bieten verschiedene Möglichkeiten, Licht zu malen: Ein weiter Rock kann einen breiten Schatten aufnehmen, heller Stoff einen leuchtenden Akzent tragen und dunkle Schneiderarbeit eine kräftige Silhouette bewahren.

Sonnenlicht fällt in einzelnen Tupfern durch das Blätterdach, statt die Szene gleichmäßig auszuleuchten. Dadurch erhält das Picknick eine besondere Geborgenheit. Es findet im Freien statt, ist aber von Bäumen umschlossen. Die Gesellschaft gehört zu einer Lichtung und nicht zu einem offenen Panorama.

Betrachten Sie den Gegensatz zwischen dem Tuch im Vordergrund und der Tiefe hinter den stehenden Figuren. Der helle Essbereich zieht den Blick zur Bildoberfläche, während Lücken im Wald zum Weitersehen einladen. Ein großer Teil der Energie des Fragments entsteht aus dieser Bewegung zwischen Nähe und räumlichem Zurückweichen.

Die Figuren behalten ihr körperliches Gewicht, selbst wenn die Pinselführung lockerer wird. Die Aufgabe unterscheidet sich davon, eine ferne Landschaft im Dunst aufzulösen. Monet musste Menschen innerhalb wechselnder Bedingungen im Freien gegenwärtig erscheinen lassen.

Eine Studie von Bazille und Camille zeigt einen weiteren Arbeitsschritt

Das Gemälde der National Gallery of Art Bazille und Camille, Studie zu Le Déjeuner sur l’herbe von 1865 ist ein weiteres eigenständiges Werk, das mit dem Vorhaben zusammenhängt. Die beiden Modelle waren Monets Freund und Malerkollege Frédéric Bazille sowie Camille Doncieux, seine spätere Frau. ^[4]

Das Museum beschreibt die rasche, energische Ausführung und die besondere Aufmerksamkeit für Sonnenlicht auf der Kleidung. Es handelt sich um eine vorbereitende Arbeit, die zugleich die Frische einer vollständigen Begegnung mit den Figuren in ihrer Umgebung besitzt. ^[4]

Eine Studie kann eine Aufgabe herauslösen, die innerhalb der größeren Anordnung komplizierter wird. Hier lassen sich zwei Menschen, ihre unterschiedlichen Ausrichtungen und das durch Bäume fallende Licht betrachten, ohne die gesamte Picknickgesellschaft einzubeziehen.

Der Vergleich der Studie mit dem erhaltenen Fragment macht den Arbeitsprozess deutlicher. Das Vorhaben umfasste Beobachtung, Auswahl und erneute Komposition, statt einen einzigen flüchtigen Eindruck mechanisch zu vergrößern.

Der Vergleich ordnet auch Monets Porträts und Figurenbilder in eine umfassendere Praxis ein. Freunde konnten als Modelle für eine Komposition dienen, ohne dass das fertige Werk ausschließlich ein förmliches Einzelporträt jeder Person wurde.

Monets Bild ist von Manets Gemälde zu unterscheiden

Édouard Manets Le Déjeuner sur l’herbe entstand 1863. Von der Salonjury abgelehnt, wurde es im selben Jahr im Salon des Refusés gezeigt. Das Nebeneinander einer unbekleideten Frau und bekleideter Männer sowie die ungewöhnliche malerische Behandlung erregten Aufmerksamkeit und Spott. ^[5]

Monets späteres Vorhaben griff die Herausforderung einer großen modernen Figurenszene im Freien auf. Die bekleidete Picknickgesellschaft bildet jedoch ein anderes Motiv. Ein gemeinsamer Titel belegt weder eine identische Komposition noch dieselbe Absicht.

Der Gegensatz ist aufschlussreich. Manets zentrale Gruppe konfrontiert den Blick mit einer rätselhaften Begegnung. Monets erhaltene Szene lenkt die Aufmerksamkeit auf Menschen, Kleidung, Speisen und das ungleichmäßige Licht einer Zusammenkunft im Wald.

Beide Werke geben einem zeitgenössischen Motiv im Freien genügend Gewicht für ein großformatiges Gemälde. Sie verfolgen dieses Ziel auf unterschiedliche Weise. Die Künstler auseinanderzuhalten macht den Vergleich interessanter als eine bloße Geschichte der Nachahmung.

Die umfassenderen Beziehungen zwischen Monet und Manet bieten einen hilfreichen Zusammenhang. Dieses Bild besitzt dennoch seine eigene praktische und visuelle Geschichte.

Die Aufgabe des Projekts und das veränderte Schicksal der Leinwand

Monet vollendete das Vorhaben nicht für den Salon von 1866. Später wurde die Leinwand als Sicherheit für Mietschulden zurückgelassen, in einem feuchten Keller gelagert und beschädigt. Nachdem er sie 1884 zurückerhalten hatte, schnitt er sie in drei Teile. Laut Musée d’Orsay verschwand einer davon später. ^[1]

Das Museum verweist auch auf unterschiedliche Berichte über Courbets Reaktion. Seine Bemerkung, die bärtige Figur ähnele Courbet, beweist nicht, dass jedes Detail des weiteren Schicksals des Projekts durch die Reaktion eines einzigen Kritikers erklärt werden kann. ^[1]

Diese Geschichte ist beim Betrachten der erhaltenen Objekte wichtig. Eine Schnittkante ist eine materielle Folge des Überlebens und nicht bloß eine kompositorische Entscheidung. Verlorene Partien verbanden einst Figuren und Bäume, die heute in getrennten Abschnitten erscheinen.

Die Fragmente sind jedoch mehr als Anschauungsstücke einer Beschädigung. Der Maßstab einer Figur, die Ausbreitung des Tuchs und die Abstände zwischen Licht und Schatten bleiben wirkungsvoll. Die erhaltene Malerei ermöglicht weiterhin eine eindringliche Erfahrung, auch wenn sie das verlorene Ganze nicht zurückbringen kann.

Das Werk als Fragment zu betrachten verlangt, beides zugleich anzuerkennen: den tatsächlichen Verlust und die ebenso wirkliche Bildkraft des Erhaltenen.

Warum das unvollendete Vorhaben wichtig bleibt

Frühstück im Grünen stellt die vertraute Vorstellung eines Monet infrage, der sich nur für kleine Landschaften oder späte Teichbilder interessiert habe. Hier geht es um eine große Menschengruppe im Freien. Kleidung und Stilllebengegenstände tragen dabei ebenso viel visuelles Interesse wie das Laub.

Die vorbereitenden Studien und verwandten Fassungen machen diesen Anspruch verständlich, ohne vorzugeben, das vollständige große Gemälde existiere noch. Französische Sammlungseinträge verbinden das erhaltene Fragment ausdrücklich mit der Gesamtkomposition in Moskau und der Teilstudie in Washington. ^[6]

Beginnen Sie beim genauen Betrachten mit dem Tuch und verfolgen Sie, wie es zu den Figuren führt. Folgen Sie dann den stehenden Körpern in die Bäume. Überlegen Sie zuletzt, was die heutigen Ränder auslassen. Diese Blickwechsel zeigen ein Werk, das gesellschaftliche Gegenwart und materielle Einzelheiten mit der Malerei des Lichts verbindet.

Seine Unvollendetheit gehört zu seiner Geschichte, ist aber nicht seine einzige Bedeutung. Die Fragmente bewahren das Zeugnis eines Künstlers, der erprobte, was eine moderne Szene im Freien einer großen Leinwand abverlangen konnte.

Häufige Fragen