von Tom Gurney
Tom Gurney, BSc (Hons), beschäftigt sich seit über zwanzig Jahren mit Kunstgeschichte
Veröffentlicht am 19. Juni 2020 / Aktualisiert am 23. Oktober 2026
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Ein kleines Kind über einer Welt aus Farben
In Baby (Wiege) setzt Gustav Klimt den Kopf eines Säuglings an die Spitze eines großen, unregelmäßigen Berges aus gemusterten Stoffen. Die National Gallery of Art in Washington datiert das Ölgemälde auf 1917/1918. Es misst 110,9 × 110,4 Zentimeter und trägt die Inventarnummer 1978.41.1. [1]
Das Kind nimmt überraschend wenig Platz ein. Ein blasses Gesicht, dunkle Augen und eine kleine erhobene Hand treten aus weißen Falten hervor, während sich die Farben beinahe bis an jeden unteren Bildrand ausbreiten. Diese Proportionen prägen den ersten Eindruck. Auf der fast quadratischen Leinwand umgibt eine gewaltige gemalte Fläche eine winzige menschliche Gestalt.
Das Gesicht zwischen den Stoffen finden
Das Gesicht lässt sich leicht finden, weil es weit oben in der Komposition liegt. Der helle Stoff um den Kopf bildet einen breiten, unregelmäßigen Kragen. Vor diesem hellen Grund genügen wenige Striche, um Augen, Lippen und Nasenlöcher hervorzuheben. Die Hand bietet einen zweiten Anhaltspunkt für die Größe des Körpers, den die Stoffe sonst verbergen.
Vom Gesicht aus kann der Blick auf vielen Wegen nach unten wandern. Links sammeln sich blaue Partien zu breiten Formen. Ein gelber Streifen zieht sich in einem Bogen durch die Mitte. Rosa und weiße Falten öffnen sich zur unteren Mitte hin. Rechts greifen dunkle Linien, Rot und Blaugrün lebhafter ineinander. Jede Zone hat ihren eigenen Rhythmus und ein anderes Gewicht im Bild.
Diese Gegensätze heben den Säugling von den Ornamenten ab. Das Gesicht wirkt vergleichsweise ruhig, seine kleinen Züge liegen dicht beieinander. Darunter wechseln die Muster immer wieder ihre Richtung. Auch wenn der Blick weit in die Stoffe hineinwandert, bietet das Kind einen festen Bezugspunkt, an dem sich die Bewegung ringsum ablesen lässt.
Der Kopf verändert zugleich den Maßstab seiner Umgebung. Ohne den Säugling könnte eine farbige Form eine kleine Falte oder einen großen Wandbehang darstellen. Sobald man das Gesicht wahrnimmt, stellt man sich den verborgenen Körper und die vielen Stofflagen vor, die ihn umschließen. Wenige sichtbare Körpermerkmale genügen, damit die ausgedehnte Komposition belebt wirkt.
Die Pyramide und ihre schwer fassbare Tiefe
Die Stoffe bilden ungefähr eine Pyramide, die am Kopf des Kindes schmal ist und sich nach unten verbreitert. Ihre Oberfläche wirkt jedoch nicht wie die eines einfachen Körpers. Falten überlagern sich, manche Muster scheinen sich vom Betrachter abzuwenden, andere Partien bleiben fast parallel zur Leinwand. Räumliche Tiefe wird immer wieder angedeutet und unterbrochen.
Kräftige Umrisse trennen einzelne Farbbereiche. Anderswo laufen Pinselstriche über eine Falte hinweg oder verwischen ihren Rand. Eine dunkle Linie kann die Biegung des Stoffes beschreiben und zugleich als eigenständiger Strich auf der Bildfläche wirken. Der Reiz entsteht beim Wechsel zwischen diesen beiden Sichtweisen.
Der Hintergrund bildet eine ruhigere Umgebung. Grün, Beige und kühlere Striche setzen sich um den Stoffberg fort, ohne ein eingerichtetes Zimmer zu beschreiben. Der Umriss bleibt gut erkennbar, doch der genaue Ort der Szene lässt sich kaum bestimmen. Kind und Stoff liefern fast alle Hinweise auf den Raum.
Der alternative Titel Wiege benennt einen vertrauten Gegenstand der frühen Kindheit. Das Bild widmet den weichen Decken deutlich mehr Aufmerksamkeit als einem erkennbaren Möbelstück. Am klarsten ist zu sehen, wie die Stoffe das Kind umschließen. Dass einige Felder wie zusammengesetzte Stoffstücke aussehen, beweist nicht, dass alle gemusterten Partien zu einer einzigen genähten Decke gehören.
Gemaltes Ornament und Material
Gelb, Orange, Blau und Violett stehen in deutlichen Kontrasten nebeneinander. Einige Partien wirken dicht und kräftig, andere zeigen lockere, offene Pinselstriche. So wird aus der Stoffmasse keine gleichförmige Dekorfläche. Eine breite einfarbige Stelle kann ebenso wichtig sein wie ein dicht gemustertes Feld, weil sie dem Blick eine kurze Ruhepause bietet.
Die Malerei gibt verschiedene Oberflächenwirkungen wieder, ohne jede Stoffart bestimmbar zu machen. Ein Streifen wirkt anders als eine Gruppe von Blüten, und eine dunkle Kontur kann einer Falte mehr Deutlichkeit geben. Das lässt sich am Bild beschreiben, ohne den Stoffen eine bestimmte Faser, Webtradition oder Urheberschaft zuzuschreiben.
Das Museum nennt Öl auf Leinwand als Technik. [1] Die leuchtend gelben Partien sind daher zunächst als Farbe innerhalb dieser gemalten Ordnung zu betrachten. Sie belegen keinen Metalleinsatz. Das hilft auch beim Vergleich mit Klimts früheren, goldreichen Porträts. Unterschiedliche Materialien und Farbbeziehungen können eine ähnlich leuchtende Wirkung erzielen.
Die Arbeit im August 1917 und die Änderungen nach Stockholm
Die Klimt Foundation rekonstruiert anhand von Nachrichten an Emilie Flöge eine intensive Arbeitsphase. Klimt wollte das Kinderbild am 11. August 1917 beginnen und machte sich daraufhin an die Arbeit. Am 13. August bezeichnete er es als teilweise fertig und äußerte Zweifel am Ergebnis. Das Bild wurde im September in Stockholm gezeigt. Ausstellungsfotografien weisen auf spätere Änderungen hin. [2]
Die Abfolge ist wichtig, weil eine Nachricht über die Fertigstellung eines Bildes nicht unbedingt den Zustand beschreibt, der heute im Museum zu sehen ist. Das Werk konnte bereits ausstellungsreif sein und dennoch weiterbearbeitet werden. Die erhaltene Fotografie und die heutige Leinwand dokumentieren unterschiedliche Momente in der Entstehung desselben Bildes.
Die National Gallery of Art hält an der Datierung 1917/1918 fest. Die Klimt Foundation bezeichnet das Werk trotz der späteren Änderungen als unvollendet. [2] Die Datierung des Museums bleibt maßgeblich. Von den belegten Überarbeitungen lässt sich unterscheiden, was Klimt möglicherweise noch beabsichtigte.
Die sichtbaren Unterschiede in der Malweise lassen sich beschreiben, ohne einen lückenlosen Arbeitsablauf zu erfinden. Eine Partie ist fester umrissen als eine andere. Manche Pinselstriche stehen auffallend getrennt. Diese Unterschiede sind Teil der heutigen Oberfläche. Für sich genommen verraten sie weder den Tag, an dem eine Stelle entstand, noch welche Partien der Künstler als Nächstes verändert hätte.
Die frühe Kindheit im Lebenszyklus
Der Belvedere-Kurator Franz Smola stellt das Bild in den Zusammenhang von Klimts wiederkehrender Beschäftigung mit menschlichen Lebenszyklen. Hier steht ein einzelnes Kind im Mittelpunkt einer monumentalen Komposition. In anderen Werken treten mehrere Lebensalter zusammen auf. [3] Ausgangspunkt dieser Deutung ist das, was die Komposition sichtbar isoliert: der Beginn eines Lebens, dessen Umgebung den kleinen Körper fast ganz verbirgt.
Neben dem Säugling erscheint kein Elternteil. Das unterscheidet die Szene von der Umarmung in Mutter und Kind, dem bekannten Ausschnitt aus Die drei Lebensalter der Frau. In Baby umschließt der Stoff unmittelbar das Kind. Die vielen Lagen können Schutz oder Geborgenheit andeuten. Der Haushalt selbst bleibt außerhalb des Bildes.
Das Kind bleibt namenlos. Eine Deutung, die Geburt oder frühe Kindheit zum Thema hat, erlaubt keine Bestimmung des Modells. Auch aus dem Aussehen des Säuglings lässt sich kein Verwandtschaftsverhältnis zum Maler ableiten. Die Bedeutung des Gesichts für die Komposition ist ohne eine solche Biografie erkennbar.
Kommentierte Details aus Baby (Wiege)
Betrachten Sie das Gesicht des Säuglings, die ausgedehnte Stoffmasse und die wechselnden Muster, die der Komposition ihre Struktur geben.
Details aus Baby (Wiege)
Sieben Details zeigen den Gegensatz zwischen der kleinen menschlichen Gestalt und der Farbfläche ringsum.
Kopf des Säuglings
Gesicht und erhobene Hand machen die Größe des Kindes im Verhältnis zu den Stoffen erkennbar.
Übereinanderliegende Stoffe
Sich überschneidende Falten bilden eine breite Masse, die sich zum unteren Bildrand hin ausdehnt.
Dreieckiger Aufbau
Die schmale Spitze und die auseinanderlaufenden Seiten ordnen die Stoffe zu einer unregelmäßigen Pyramide.
Wechsel der Muster
Streifen, Gruppen und geschwungene Motive lenken den Blick in verschiedene Richtungen.
Außenkontur
Die Silhouette hebt die Stoffe von der ruhigeren grünen Umgebung ab.
Farbflächen
Einfarbige gelbe, rosa und blaue Partien unterbrechen die dichter gemusterten Bereiche.
Wechsel des Maßstabs
An dem kleinen Kopf wird die Ausdehnung der Decken unmittelbar sichtbar.
Von Wien nach Washington
Die National Gallery of Art verzeichnet für 1919 einen Verkauf über die Galerie Nebehay an Otto und Eugenia Primavesi. 1928 erwarb Hugo oder Otto Bernatzig, auch Bernatzik geschrieben, das Bild. Josef Urban brachte es in die Vereinigten Staaten. Eine Verbindung zur Galerie St. Etienne könnte bereits 1959 bestanden haben. Das Museum lässt offen, ob sich das Bild damals noch im Besitz von Frau Urban befand. [1]
Die Namen und Vorbehalte sind wichtig, weil eine Ausstellung oder eine Verbindung zu einer Galerie nicht immer das Eigentum belegt. Ein ausgestelltes Gemälde kann eine Leihgabe sein. Wer diese Fälle auseinanderhält, kann den Weg des Bildes genauer nachvollziehen, ohne jedes Auftauchen als Verkauf zu deuten.
Im Jahresbericht für 1978 führt die National Gallery of Art Baby unter den Neuerwerbungen auf. Otto und Franziska Kallir schenkten es mit Unterstützung des Carol and Edwin Gaines Fullinwider Fund. [4] Die Aufnahme in eine öffentliche Sammlung bietet nach den früheren Stationen in Europa und Amerika einen gesicherten Anhaltspunkt.
Das Bildnis der Mäda Primavesi stellt eine weitere Verbindung zur Familie her, die Baby besaß. Die Werke zeigen verschiedene Motive. Das eine ist ein Auftragsbildnis eines namentlich bekannten, stehenden Kindes. Das andere zeigt einen namenlosen Säugling inmitten von Stoffen. Die gemeinsame Sammlungsgeschichte macht daraus weder dasselbe Kind noch zwei zusammengehörige Fassungen.
Konservierung und heutiger Zustand
Im Jahresbericht der National Gallery of Art für 1979 steht Baby (Wiege) unter den Gemälden, deren umfangreiche konservatorische Behandlung in diesem Geschäftsjahr abgeschlossen wurde. Welche Maßnahmen an diesem Werk vorgenommen wurden, erläutert der Bericht nicht. [5] Er dokumentiert die Arbeit des Museums, bietet aber keine Grundlage für Aussagen über einzelne Reinigungsmethoden, wiederentdeckte Entwürfe oder verborgene Pigmente.
Diese spätere Behandlung ist von Klimts eigenen Änderungen zu unterscheiden. Die Ausstellungsfotografien betreffen seinen Arbeitsprozess. Der Jahresbericht betrifft die Pflege des Gemäldes im Museum Jahrzehnte später. Beide Quellen können nur den jeweiligen Teil der sichtbaren Oberfläche erklären, den sie tatsächlich dokumentieren.
Wo Baby (Wiege) zu sehen ist
Bei der Prüfung des Sammlungseintrags am 23. Oktober 2026 führte die National Gallery of Art das Bild als ausgestellt im East Building, obere Ebene, Galerie E415. [1] Prüfen Sie vor dem Besuch den aktuellen Standort.
Im Gesamtbild treffen zwei sehr unterschiedliche Maßstäbe aufeinander. Das Gesicht des Säuglings ist auf engem Raum konzentriert, die unruhige Farbfläche dagegen weit ausgedehnt. Im Detail zeigt sich, wie stark sie von einzelnen Strichen, Konturen und kleinen Verschiebungen lebt. Beim Blick auf das ganze Bild kehrt das Kind an die Spitze zurück und gibt der farbigen Masse ihren menschlichen Bezugspunkt.
Quellen
- National Gallery of Art, Baby (Cradle), Werk 56662, Inventarnummer 1978.41.1. Titel, Datierung, Öl auf Leinwand, Maße, Provenienz und Ausstellungsort. Abgerufen am 23. Oktober 2026. Quelle ansehen.
- Klimt Foundation, The Final Years, Abschnitt über die späten Allegorien, Gustav Klimt Database. Korrespondenz aus dem August 1917, Präsentation in Stockholm und spätere Änderungen. Abgerufen am 23. Oktober 2026. Quelle ansehen.
- Belvedere / Franz Smola, Klimt & Symbolism – Part 1, Google Arts & Culture. Deutung von Baby im Zusammenhang mit den Lebenszyklen. Abgerufen am 23. Oktober 2026. Quelle ansehen.
- National Gallery of Art, Annual Report 1978, Erwerbungsbericht, gedruckte S. 18. Abgerufen am 23. Oktober 2026. Quelle ansehen.
- National Gallery of Art, Annual Report 1979, Bericht zur Konservierung der Gemälde, gedruckte S. 63. Abgerufen am 23. Oktober 2026. Quelle ansehen.