Dans les bois à Giverny

Dans les bois à Giverny : Blanche Hoschedé à son chevalet et Suzanne Hoschedé lisant

Le tableau de Claude Monet intitulé Dans les bois à Giverny : Blanche Hoschedé à son chevalet et Suzanne Hoschedé lisant est une œuvre de 1887, paisible mais particulièrement révélatrice. Il ne s’agit ni d’un des panneaux tardifs de nymphéas, ni d’un portrait officiel, ni d’une déclaration publique sur l’impressionnisme en tant que mouvement. Monet représente deux membres de son entourage familial dans un espace boisé de Giverny : Blanche Hoschedé, debout devant un chevalet, une palette et un pinceau à la main, et Suzanne Hoschedé, assise à proximité avec un livre. Le Los Angeles County Museum of Art décrit l’œuvre comme une huile sur toile réalisée en France en 1887, mesurant 36 sur 38 pouces et demi, sous le numéro d’inventaire M.46.3.4.

Cette identification précise par le musée est importante, car l’image pourrait facilement être réduite à une simple scène de femmes dans un jardin. Son titre complet lui donne une structure humaine et artistique plus nette. Blanche n’est pas seulement une figure placée dans le paysage : elle est présentée comme une peintre. Suzanne n’est pas un accessoire indéterminé de la composition : elle est nommément désignée comme une lectrice. Monet réunit deux formes d’attention dans le même espace boisé, l’une tournée vers le travail au chevalet, l’autre absorbée par un livre. L’intimité du tableau naît de cet équilibre. Giverny apparaît ainsi non seulement comme un lieu de fleurs, de champs et, plus tard, de jardins d’eau, mais comme un cadre de travail partagé avec ceux qui vivaient au plus près de la pratique quotidienne du peintre.

Le tableau appartient aux années qui suivent l’installation de Monet à Giverny en 1883 et précèdent les grandes campagnes de séries des années 1890. En 1887, il passe encore de la figure au paysage et au motif de plein air. Le sous-bois est dense, mais suffisamment ouvert pour laisser la lumière se répartir sur le sol, les robes, la toile et le feuillage. Monet ne détache pas les deux femmes sur un fond neutre. Il les inscrit dans le même réseau frémissant de verts, de bruns, d’étoffes claires et de lumière changeante qui anime l’ensemble de la scène. Ce n’est donc ni un portrait d’atelier transporté dehors, ni un paysage peuplé de silhouettes accessoires. C’est une scène de vie familiale en plein air, où peindre, lire et observer la nature occupent un même champ visuel.

Blanche et Suzanne à Giverny

Le rôle de Blanche Hoschedé est particulièrement important. Le musée d’Orsay présente Blanche Hoschedé-Monet comme la belle-fille de Claude Monet, devenue ensuite l’épouse de Jean Monet, son fils aîné. Dans ce tableau, elle apparaît avant ce mariage, comme une jeune femme au chevalet au sein du foyer de Giverny. Il ne faut pas prendre l’image pour le compte rendu d’une leçon, mais elle montre bien l’intérêt visuel que Monet porte à Blanche occupée à peindre. Sa posture verticale, le chevalet, la palette et le bras levé lui donnent une attitude de travail dans un cadre familial informel. L’attention de Monet porte autant sur l’acte de peindre que sur la personne.

Suzanne Hoschedé constitue le second point d’ancrage. Assise dans l’herbe, elle transforme ce coin de sous-bois en lieu de lecture et de repos. Le contraste entre l’activité de Blanche, debout, et la posture abaissée et absorbée de Suzanne donne son rythme à la composition. Monet avait déjà pris des membres de la famille Hoschedé pour modèles, et Suzanne apparaît dans d’autres figures des années 1880. La notice du Metropolitan Museum of Art consacrée à La Promeneuse (Suzanne Hoschedé, future épouse de Theodore Earl Butler) identifie Suzanne comme la fille d’Alice Hoschedé et rappelle que Monet la prend pour modèle après la mort de Camille Monet et avant d’abandonner la peinture de figures en plein air vers 1890. Ce contexte plus large aide à situer le tableau du LACMA sans le réduire à la seule biographie.

Giverny avant les Nymphéas

Le cadre boisé de Giverny distingue aussi cette toile des sujets les plus connus de Monet. Des thèmes associés, comme Nymphéas, les estampes japonaises et Le Jardin de l’artiste à Giverny présentent les jardins, les sources japonaises et les sujets plus tardifs liés à la maison du peintre. Dans les bois à Giverny met l’accent sur autre chose. Le tableau montre Giverny avant que le jardin d’eau ne devienne l’image la plus familière du lieu. Son atmosphère se rapproche davantage des études de figures en plein air et des vues des champs voisins que des grandes décorations tardives. La toile est plus petite que ces panneaux ultérieurs, mais ses dimensions de 36 sur 38 pouces et demi donnent une présence substantielle aux deux figures. La scène se concentre sur des activités privées et une observation attentive plutôt que sur un grand événement public.

Le catalogue scientifique de l’Art Institute of Chicago offre une comparaison utile avec les travaux ultérieurs de Monet autour de Giverny. Sa notice consacrée au Champ de coquelicots (Giverny) décrit aussi le regain d’attention du peintre pour les paysages proches de sa maison vers 1890, notamment les champs et les motifs voisins qui deviennent des terrains d’expérimentation sur la couleur, la surface et la répétition. Cela ne fait pas du tableau du LACMA un élément du groupe des champs de coquelicots ou d’une série formelle. Cette comparaison aide cependant à comprendre comment une scène de sous-bois de 1887 peut se situer entre la peinture de figures et les recherches ultérieures sur des lieux précis qui ont fait la célébrité de Monet.

La date permet également de distinguer deux étapes de l’aménagement de son environnement. La scène de figures dans les bois date de 1887, tandis que le premier achat de terrain destiné au jardin d’eau intervient en 1893. Il ne faut donc pas projeter rétrospectivement le bassin ultérieur dans toutes les vues plus anciennes de Giverny. ^[6]

Titre, preuves et observation attentive

La composition repose sur un échange subtil entre les verticales et une touche qui dissout les contours. Blanche, le chevalet et les arbres donnent des accents dressés. Le corps assis de Suzanne et l’étendue basse de l’herbe installent une assise horizontale. Le chevalet n’est pas dissimulé : il forme une articulation visible de l’ensemble. Monet évite pourtant une mise en scène trop rigide. Les arbres et les herbes avancent vers le spectateur, adoucissant la distinction entre premier plan et arrière-plan. Les figures restent lisibles, mais elles sont aussi partiellement absorbées par l’atmosphère extérieure. Cette intégration contribue au caractère reconnaissablement impressionniste de l’œuvre, sans qu’un sujet urbain célèbre ou lié aux expositions soit nécessaire.

Le titre peut sembler inhabituellement long, mais cette longueur est utile. Il nomme le lieu, les activités et les deux personnes. Une forme abrégée comme Dans les bois à Giverny est commode, mais le titre complet du LACMA préserve la spécificité sociale et artistique de la scène. Le chevalet de Blanche compte parce qu’il fait de l’image une réflexion sur le regard et la création autant que sur le loisir. La lecture de Suzanne lui donne une seconde forme d’intériorité. Les deux femmes ne se donnent pas en spectacle au regardeur. Elles sont montrées dans des occupations qui suggèrent le passage tranquille du temps au sein d’un paysage familier.

Le tableau ne prouve pas à lui seul que Monet enseigne à Blanche et n’établit pas qu’une leçon a eu lieu un jour précis. La notice du LACMA identifie l’artiste, le titre, la date, la technique, les dimensions, la collection et le numéro d’inventaire, sans raconter la séance. D’autres sources muséales établissent le lien familial entre Blanche et Monet ainsi que son identité d’artiste. Ces faits biographiques restent distincts des preuves fournies par cette toile. Elle représente Blanche au chevalet et Suzanne lisant à Giverny en 1887 ; une position exacte dans la propriété, une saison précise ou les pensées intimes des deux femmes ne peuvent être établies à partir du seul titre.

Giverny, le foyer et les tableaux apparentés

Mis en regard de la biographie de Monet et de sa chronologie, le tableau appartient à une décennie de transition. Monet n’est plus le jeune peintre de Sainte-Adresse et d’Argenteuil, mais sa réputation ne s’est pas encore resserrée autour des grands ensembles de la maturité : Meules, Peupliers et La Cathédrale de Rouen. Son foyer, ses paysages et ses méthodes de travail gagnent en stabilité. Giverny devient à la fois une demeure et un motif. Dans ce cadre, voir Blanche peindre en plein air dépasse l’anecdote. Cette scène reflète un environnement où la création artistique se mêle aux habitudes de la vie quotidienne.

Le tableau s’inscrit aussi dans l’intérêt plus large de Monet pour les femmes en plein air. Parmi les autres sujets figurent La Femme à l’ombrelle et Essai de figure en plein air : Femme à l’ombrelle. Ces œuvres n’ont pas la même fonction, mais elles éclairent le souci récurrent de Monet pour les figures animées par la lumière, le vent, les étoffes et le plein air. Dans le tableau Dans les bois à Giverny, le mouvement est plus calme. Au lieu d’une figure se détachant sur le ciel ou exposée au vent, les deux femmes sont installées dans l’ombre et le feuillage. La tension vient de l’attention plutôt que du mouvement.

Les comparaisons avec d’autres tableaux de Claude Monet ou avec les lieux qu’il a peints montrent comment la toile du LACMA relie un lieu précis au foyer Hoschedé et à la pratique de plein air de Monet. Son titre complet distingue les deux femmes et leurs occupations, maintenant l’histoire familiale au plus près de ce qui est visible. Le tableau offre une vue particulière de la vie quotidienne plutôt qu’une clé pour expliquer toute sa carrière. Giverny n’est pas encore le décor familier des nymphéas de son œuvre tardive, mais c’est déjà un lieu habité où regarder, lire, peindre et vivre en famille façonnent les sujets du peintre.

En bref

• ArtisteClaude Monet ^[1]
• Titre completDans les bois à Giverny : Blanche Hoschedé à son chevalet et Suzanne Hoschedé lisant ^[1]
• Date et technique1887, huile sur toile ^[1]
• Dimensions36 sur 38 pouces et demi ^[1]
• CollectionLos Angeles County Museum of Art ; inventaire M.46.3.4 ^[1]
• Notice de l’œuvreBlanche Hoschedé peignant et Suzanne Hoschedé lisant à Giverny ; LACMA M.46.3.4 ^{[1] [4] [5]}
• Illustration du muséeLa notice du LACMA fournit une illustration et les données documentées de l’œuvre

Sommaire

1. Introduction
2. En bref
3. Blanche et Suzanne à Giverny
4. Giverny avant les Nymphéas
5. Titre, preuves et observation attentive
6. Giverny, le foyer et les tableaux apparentés

Lectures autour de Monet

Découvrez la biographie de Monet, la chronologie de sa vie et des tableaux liés à Giverny.

Claude Monet

Claude Monet

Biographie

Vie et contexte familial

Chronologie

Chronologie et période de Giverny

Peintures

Vue d’ensemble des tableaux

Le Jardin de l’artiste à Giverny

Un jardin peint à Giverny

Nymphéas

Comparaison avec le jardin d’eau ultérieur

Questions fréquentes

Références

1. LACMA – Dans les bois à Giverny : Blanche Hoschedé à son chevalet et Suzanne Hoschedé lisant, consulté le 29 juillet 2026.
2. Art Institute of Chicago – Claude Monet, consulté le 29 juillet 2026.
3. Art Institute of Chicago – Catalogue, no 26 : Champ de coquelicots (Giverny), consulté le 29 juillet 2026.
4. Musée d’Orsay – Blanche Hoschedé-Monet, consulté le 29 juillet 2026.
5. The Met – La Promeneuse (Suzanne Hoschedé), consulté le 29 juillet 2026.
6. Maison et jardins de Claude Monet – Le bassin aux nymphéas, terrain acquis en 1893