von Tom Gurney
Tom Gurney BSc (Hons), Kunstgeschichte-Experte mit über zwanzig Jahren Erfahrung
Veröffentlicht am 6. Oktober 2016 / Aktualisiert am 11. März 2026
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Mohnfeld bei Argenteuil, 1873, von Claude Monet
Das Mohnfeld bei Argenteuil (französisch: Les Coquelicots) gehört zu den beliebtesten Landschaftsbildern, die Claude Monet während seiner Jahre in Argenteuil malte.
Das 1873 entstandene Gemälde hält einen ruhigen Sommernachmittag auf dem Land nordwestlich von Paris fest. Heute zählt es zu den prägenden Werken des frühen Impressionismus und vermittelt die Sicherheit, mit der Monet damals die Landschaftsmalerei anging.
Dieses Bild nimmt sowohl in Monets Laufbahn als auch beim Aufstieg der Impressionisten einen wichtigen Platz ein. Es wurde erstmals auf der ersten Impressionisten-Ausstellung 1874 gezeigt und ergänzte Monets übrige Beiträge um eine ruhige ländliche Szene.
Das Mohnfeld veranschaulicht die Freilichtmalerei, die Monet schon lange vor 1873 erkundet hatte: Der Kontakt zu Eugène Boudin führte ihn um 1856 an das Malen nach der Natur heran. Die übergroßen Farbflecken im Vordergrund zeigen hier, dass der Seheindruck Vorrang vor den Proportionen und scharf bestimmten Umrisslinien der akademischen Tradition erhält. [3]
Dieser Artikel betrachtet das Mohnfeld im Einzelnen, seine malerischen Eigenschaften und seine Bedeutung in Monets Werk. Er ordnet das Bild in den Zusammenhang der ersten Impressionisten-Ausstellung ein und beschäftigt sich mit der Identität der Figuren.
- Künstler: Claude Monet
- Titel: Mohnfeld bei Argenteuil (Les Coquelicots)
- Jahr: 1873
- Technik: Öl auf Leinwand
- Maße: 50 × 65,3 cm[1]
- Entstehungsort: Argenteuil, Frankreich
- Sammlung: Musée d’Orsay, Paris
- Weitere Titel: Blühender Mohn, Mohnfeld, Coquelicots
- Kunstrichtung: Impressionismus
- Motiv: Landschaft mit Figuren
- Ausstellung: Erste Impressionisten-Ausstellung, 1874
Beschreibung
Die Komposition des Mohnfelds bei Argenteuil von 1873 besticht durch ihre Einfachheit. Eine sanft abfallende Wiese voller leuchtend roter Mohnblumen liegt unter einem hellen Sommerhimmel. Farben spielen eine zentrale Rolle: Das lebhafte Rot der Blumen kontrastiert mit dem dunkleren Grün der Bäume entlang des Horizonts.
Im Vordergrund gehen eine Frau und ein Kind durch die Blumen. Ein weiteres Paar erscheint weiter oben am Hang und erzeugt einen feinen Rhythmus in der Komposition. Die Frau und das Kind im Vordergrund werden meist, mit einem Vorbehalt, als Monets Frau Camille und ihr kleiner Sohn Jean identifiziert.[1]
Mohnblumen konnten Monet aus mehreren Gründen ansprechen. Sie wuchsen reichlich in Giverny, wo er viele Jahre lebte und arbeitete, und erscheinen in mehreren seiner Landschaften. Ihr leuchtendes Rot bot zudem wirkungsvolle Kontraste für seine impressionistische Malweise neben den häufig verwendeten Violett-, Grün- und Blautönen.
Keine ausdrückliche Handlung verbindet die beiden Figurengruppen; ein langer heller Streifen roter Mohnblumen stellt einen optischen Zusammenhang her. Seine warme, intensive Farbe hebt sich von den trockeneren Grastönen ab. Eine gezackte Linie dunkelgrüner Bäume markiert den Horizont vor dem gleichmäßigen Licht eines mit weißen Wolken besetzten Himmels. Dieses Licht spiegelt sich in der Wiese und verleiht dem ganzen Bild eine ruhige, beinahe durchscheinende Atmosphäre.
Die entscheidende Rolle der Farbe
Die Verbindung der Farben gehört zu den auffälligsten Eigenschaften des Bildes. Leuchtendes Rot und kühles Grün zeigen eine aufmerksam betrachtete Natur. Das Werk würdigt damit die Umgebung, die Monet während seiner Jahre in Argenteuil entdeckte.
Diese Töne sind mit schnellen, lockeren Pinselstrichen aufgetragen. Eine solche Malerei irritierte einen Teil des Publikums bei der Impressionisten-Ausstellung von 1874. Zum Hintergrund hin werden die Einzelheiten undeutlicher, wodurch in unserer Wahrnehmung räumliche Tiefe entsteht.
Die Vereinfachung lässt die Szene natürlich statt künstlich wirken. Man kann sich vorstellen, selbst in dem Augenblick über diese Landschaft zu blicken, in dem der Künstler dort stand. Bald darauf entstandene Gemälde verwenden eine ähnliche Palette. Diese Kontinuität deutet auf die Ergiebigkeit seiner Versuche hin, dokumentiert aber für sich genommen nicht Monets persönliche Meinung über dieses Bild.
Komposition
Trotz ihrer Einfachheit ist die Komposition sorgfältig angelegt. Die Figuren vermitteln Tiefe entlang einer Richtung, die von unten rechts zur Bildmitte aufsteigt. Auch die Blumen verschmelzen mit zunehmender Entfernung zum Horizont in rote Bänder.
Die Wiederholung von Figurenpaaren im Vorder- und Hintergrund regt die Frage an, ob sie einander kennen, und führt zugleich den Blick über die Leinwand. Monet beschränkt die Einzelheiten, macht die Bestandteile der Szene durch seine Malweise jedoch weiterhin gut erkennbar.
„Der Reichtum, den ich erreiche, kommt aus der Natur, der Quelle meiner Inspiration.“ Übersetzung einer von Roger Marx 1909 im Zusammenhang mit den Seerosen überlieferten Äußerung Monets, kein auf 1873 datierter Kommentar zu diesem Gemälde.[4]
Monet in Argenteuil
Claude Monet ließ sich 1871 in Argenteuil nieder, nachdem er aus England zurückgekehrt war, wohin er während des Deutsch-Französischen Krieges ausgewichen war.
Er blieb dort bis 1878 und nutzte diese Jahre produktiv. Das offene Land und die vorbeifließende Seine boten ihm eine nahezu unerschöpfliche Fülle von Motiven. Das Mohnfeld bei Argenteuil von 1873 wurde zu einem seiner bekanntesten Beiträge aus dieser Zeit.
Monet verbrachte einen großen Teil dieser Zeit damit, seine Fähigkeiten als Freilichtmaler weiterzuentwickeln, also draußen zu arbeiten. Das hier gezeigte Werk veranschaulicht seine Versuche mit Farbe und Form, einer lockeren Pinselführung und dem Wunsch, einen flüchtigen Augenblick festzuhalten.
Eine wegweisende Malweise
Im Mohnfeld nimmt die Farbe des natürlichen Lichts eine herausragende Rolle ein. Wie bei vielen impressionistischen Bildern erschöpft sich das Interesse nicht im erkennbaren Motiv. Eine skizzenhafte Malweise soll den Augenblick erfassen. Sie erlaubt dem Künstler, die Eindrücke seiner Umgebung gegenüber den Vorgaben eines festgelegten Auftragsmotivs zu bevorzugen.
Dieser neue Zugang zur Malerei war umstritten, insbesondere bei Kritikern wie Louis Leroy. Monet sucht den Eindruck einer Szene einzufangen und entfernt sich dabei von akademischen Darstellungskonventionen und Proportionen. So verleiht das Bild dem eine dauerhafte Form, was das Auge in einem kurzen Aufleuchten wahrnehmen kann.[5]
Monets Stil ist für seine Eigenständigkeit und Neuerungen bekannt. Das Mohnfeld (Coquelicots oder Blühender Mohn bei Argenteuil, 1873) gehört zu den frühen ausgereiften Ausdrucksformen einer Malweise, die eine ganze Bewegung prägen sollte: den Impressionismus.
Monet war eine führende Persönlichkeit des Impressionismus; das Mohnfeld wurde eines seiner wegweisenden Meisterwerke.
Großansicht des Mohnfelds bei Argenteuil von Claude Monet, 1873
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Provenienz
Die folgenden Provenienzangaben zeichnen die Eigentumsgeschichte von dem Mohnfeld bei Argenteuil von seiner Entstehung 1873 bis zur heutigen Zugehörigkeit zum Musée d’Orsay in Paris nach.[1]
Frühe Eigentümer
- 1873 – In der Galerie von Durand-Ruel, Paris, vermutlich unmittelbar von Claude Monet erworben.
- Spätes 19. Jahrhundert – Sammlung von Ernest Duez, Paris.
- Später in der Sammlung von Jean-Baptiste Faure, Paris.
Durand-Ruel und Moreau-Nélaton
- 1901 – Wieder in der Galerie von Durand-Ruel, Paris; erworben am 12. November.
- 1903-1906 – Sammlung von Étienne Moreau-Nélaton, Paris; erworben am 20. Mai.
Schenkung an den französischen Staat
- 1906 – Vom französischen Staat als Teil der Schenkung Moreau-Nélaton an die Nationalmuseen angenommen.
- 1907 – Aufnahme in das Musée des Arts décoratifs, Paris; Einschränkungen für Leihgaben und Deponierungen galten.
Museumssammlungen
- 1906 – Offizielle Zuweisung an das Musée du Louvre, Paris.
- 1907-1934 – Präsentiert im Musée des Arts décoratifs, Paris.
- 1934-1947 – Überführt ins Musée du Louvre, Paris.
- 1947-1986 – Ausgestellt im Musée du Louvre, Galerie du Jeu de Paume, Paris.
- Seit 1986 – In der Sammlung des Musée d’Orsay, Paris.
Angaben zum Erwerb
- Erwerbsart: Schenkung
- Erwerbsjahr: 1906
- Schenker: Étienne Moreau-Nélaton
Sammlung des Mohnfelds bei Argenteuil von 1873
Heute gehört das Mohnfeld bei Argenteuil von 1873 zur ständigen Sammlung des Musée d’Orsay in Paris.
Das Museum erschließt dieses Werk im Zusammenhang mit weiteren impressionistischen Meisterwerken von Renoir, Degas und Pissarro sowie anderen Bildern Monets. Die Hängung kann wechseln; für die Vorbereitung eines Besuchs ist der Museumseintrag maßgeblich.
Musée d’Orsay,
Esplanade Valéry Giscard d’Estaing,
75007,
Paris,
Frankreich
Die anhaltende Anziehungskraft von Monets Mohnfeldern
Die anhaltende Beliebtheit dieses Bildes beruht auf seiner Würdigung alltäglicher Schönheit. Statt eines großen historischen Themas wählte Monet einen einfachen Augenblick: einen Spaziergang durch ein Feld an einem warmen Sommertag. Diese Vertrautheit dürfte zur Zuneigung des Publikums beigetragen haben.
Die leuchtende Mohnfarbe, der weite Himmel und die entspannten Bewegungen der Figuren schaffen einen friedlichen Einklang zwischen Menschen und Natur. Für viele bietet das Bild dadurch eine Möglichkeit, eine ruhige, natürliche Atmosphäre in die eigenen Räume zu bringen.
Mehr als ein Jahrhundert nach seiner Entstehung bleibt das Mohnfeld bei Argenteuil eines der bekanntesten Bilder des Impressionismus. Monet verwandelt darin eine gewöhnliche Landschaft in ein Kunstwerk von dauerhafter Anziehungskraft. Seine Teilnahme an der ersten Impressionisten-Ausstellung unterstreicht zudem die historische Bedeutung.
Große Detailansicht des Gemäldes
Großansicht des Mohnfelds bei Argenteuil, 1873 von Claude Monet gemalt
Häufige Fragen
Geprüfte Quellen
- Musée d’Orsay, Coquelicots, RF 1676: Werkdaten, Komposition, Maße und Provenienz
- Musée d’Orsay, Base Salons: Coquelicots, Ausstellung von 1874, Nummer 95, W274
- National Gallery, Claude Monet: Boudin und das Malen nach der Natur um 1856; Argenteuil 1871–1878
- Columbia University, Quellensammlung: Roger Marx über Monets Seerosen, Juni 1909, PDF-Seiten 166–168, Zitat auf Seite 167
- Columbia University, Louis Leroy, satirische Besprechung der Ausstellung von 1874, PDF-Seiten 153–155
