Stillleben mit Anemonen

Blumen aus der Nähe

Zwei leuchtend rote Blüten setzen die stärksten Akzente im oberen Bildbereich. Eine ist uns nahe dem linken Rand zugewandt, eine andere öffnet sich nach rechts. Ihre dunklen Mitten unterbrechen das Rot mit kleinen, stark konzentrierten Kontrastzonen. Blaue und helle Blumen ringsum machen die Farbanordnung vielfältiger als einen bloßen Gegensatz von Rot und Grün.

Eine kühl getönte Blume links der Mitte entsteht aus geschwungenen, getrennten Strichen. Weiter unten führen rote Streifen auf cremefarbenen Blütenblättern zu einer dunkleren Mitte. Diese helleren Blüten antworten auf die kräftigeren Blumen darüber, ohne deren Form genau zu wiederholen. Einige drehen sich nach außen, andere scheinen zwischen Blättern und Stängeln teilweise verborgen.

Der Bildausschnitt ist wichtig. Oben werden Blumen vom Rand angeschnitten, und das Laub drängt gegen die Seiten. Es bleibt wenig leerer Raum, um die Anordnung aus bequemem Abstand zu betrachten. Stattdessen begegnet der Betrachter einem dichten Ausschnitt wachsenden Lebens, in dem einzelne Blüten aus einer unruhigen, verflochtenen Masse hervortreten.

Diese Nähe unterscheidet sich von einer botanischen Illustration. Die Blumen bleiben erkennbar, doch nicht jedes Blütenblatt wird gesondert beschrieben. Ihre wechselnde Ausrichtung und das unterschiedliche Gewicht der Pinselspuren sind für die Komposition wichtiger als eine vollständige Aufzählung aller Pflanzenteile.

Töpfe, Grund und unbestimmte Tiefe

Zunächst können die Blumen die Gegenstände verdecken, die sie tragen. Weiter unten erkennt man warme Terrakottagefäße, teilweise von herabhängendem Grün abgeschirmt. Christie’s beschreibt vier Töpfe innerhalb der Komposition. Ihre gebogenen Formen und ihre erdige Farbe geben der Anordnung eine stoffliche Grundlage, selbst dort, wo sich ihre Umrisse nur schwer verfolgen lassen. ^[1]

Der Hintergrund ist weit weniger bestimmt. Links bleibt ein helles Graublau sichtbar, während lavendelfarbene und violette Partien den unteren Bereich einnehmen. Keine auffällig gezeichnete Tischkante trennt eine Tischplatte von einer Wand. Töpfe, Blätter und Hintergrund treffen durch wechselnde Farben und Pinselzüge aufeinander, nicht durch ein starres Liniengerüst.

Dadurch wirkt die Tiefe zusammengedrängt, aber nicht aufgehoben. Eine Blume überlagert die andere; Blätter kreuzen die Gefäßränder; ein Topf tritt hinter das Laub zurück. Das Auge bewegt sich durch eine flache Folge von Formen, ohne die weite räumliche Öffnung zu finden, die aus Monets Landschaften vertraut ist.

Das Violett unten gleicht auch die kühleren Töne nahe dem oberen Rand aus. Es verhindert, dass die roten Blumen jeden Bildbereich beherrschen, und lenkt die Aufmerksamkeit durch das Grün zurück. Die schlichten Gefäße tragen somit zu einer größeren Farbstruktur bei, statt lediglich als Zubehör der Blüten zu dienen.

Farbe und Pinselstrich

Die Blätter sind nicht als durchgehende grüne Oberfläche wiedergegeben. Gelbgrüne, dunkelgrüne, braune und blaue Tupfer zerlegen sie in wechselnde Flecken. Vor diesem bewegten Netz gewinnen die vergleichsweise breiten roten Blütenblätter an Klarheit. Ihre Kraft beruht teilweise auf dem Unterschied zwischen ihrer konzentrierten Farbe und der stärker aufgebrochenen Umgebung.

Die hellen Blumen werden anders behandelt. Kurze rote, blaue und graue Zeichen gliedern die lichten Partien, sodass das Auge aus unterbrochenen Strichen eine Blüte zusammensetzt. Aus der Nähe erkennt man Farbspuren; aus größerem Abstand verbinden sich diese zu Blumen, Stängeln und Laub.

Dies ist ein anschauliches Beispiel gebrochener Farbe, beweist jedoch nicht, dass Monet seine Farben niemals mischte. Auch lässt sich an einer Reproduktion nicht feststellen, in welcher Reihenfolge jede Schicht aufgetragen wurde. Sichtbar ist der Gegensatz zwischen entschieden gesetzten Akzenten und lockerer verbundenen Partien.

Die Blumen wirken belebt, weil ihre Formen in unterschiedliche Richtungen weisen und die Zeichen auf der Oberfläche ihr Tempo wechseln. Dafür muss man keinen belegten Windstoß annehmen. Die Bewegung gehört zuerst dem Gemälde: einer Folge heller Mitten, geschwungener Konturen und herabhängender Stängel, die das Auge in Bewegung hält.

Ein Gemälde für eine Tür

Das Werkverzeichnis führt das Durand-Ruel-Projekt auf einen Auftrag vom Mai 1882 zurück. Es entwickelte sich über mehrere Jahre, während Monet Blumen und Früchte für die Wohnung des Händlers in der Rue de Rome 35 malte. Nach seinem Umzug nach Giverny setzte er die Arbeit neben der Anlage seines Gartens fort. Größere Paneele wurden bis Ende 1883 geliefert; weitere Arbeiten folgten 1884 und 1885. ^[2]

Die historische Rekonstruktion ordnet diese Anemonenleinwand dem unteren rechten Fach von Tür B zu. ^[1] Einzeln betrachtet kann sie wie eine eigenständige Studie von Topfblumen erscheinen. In der Türanordnung antworteten ihre Proportionen und ihre gebündelte Farbe auch auf die benachbarten Paneele.

Dieser Zusammenhang eröffnet einen anderen Betrachtungsmaßstab. Ein Besucher konnte die Blumen aus der Nähe untersuchen, aber die Türen auch als Teil eines eingerichteten Zimmers wahrnehmen. Die Leinwand musste als kleines Bild und als Bestandteil eines dekorativen Ensembles funktionieren. Ihre Fülle war daher nicht bloß ungezügeltes Wachstum, das in Farbe übertragen wurde.

Die Wohnung des Händlers und Monets Stillleben

Durand-Ruels Wohnung war Familienheim und zugleich ein Ort, an dem Besucher seine persönliche Sammlung sehen konnten. Die Darstellung des Musée du Luxembourg erklärt, wie diese häusliche Präsentation die Galerietätigkeit ergänzte. Monets Blumendekorationen gehörten zu einer Umgebung, in der moderne Malerei als Teil des Alltags erfahrbar wurde und nicht nur an einer Wand in einer vorübergehenden Ausstellung. ^[3]

Der Auftrag hatte auch Vorläufer in Monets Werk. Das Metropolitan Museum of Art verzeichnet eine umfangreiche Gruppe von Blumenstillleben aus den Jahren 1878 bis 1883, darunter Gemälde, die Anerkennung bei der Kritik und Verkaufserfolge erzielten. Das dortige Gemälde Chrysanthemen von 1882 ist eine eigenständige Leinwand und kein Anemonenpaneel. Es zeigt jedoch, dass Blumen bereits ein anspruchsvolles Motiv für den Künstler waren. ^[4]

Auch die Besprechung der Astern durch das LACMA verbindet Stilllebenmalerei mit beruflichen Entscheidungen und dem Markt für Monets Werk und nicht nur mit Tagen, an denen schlechtes Wetter die Arbeit im Freien verhinderte. ^[5] Die Anemonen gehören in diese umfassendere Tätigkeit. Ihr dekorativer Zweck macht sie nicht zu einer nebensächlichen Ablenkung von der Landschaft: Sie erproben, wie Farbe, Textur und flacher Raum ein ganzes Bild ordnen können.

Was die Quellen belegen

Die veröffentlichte Verkaufsgeschichte beginnt mit Durand-Ruels Erwerb von Monet im Jahr 1885. Anschließend nennt sie Frau J. Lefébure in Paris, Susan Seidel in New York und die Sammler, die das Bild um 1997 kauften, bevor es später versteigert wurde. Diese historischen Einträge bestätigen keinen heutigen Standort in einem Museum. ^[1]

Die Werkverzeichnisnummer ist besonders hilfreich, weil Monet andere Anemonenmotive in unterschiedlichen Formaten malte. Ein kleines querformatiges Blumenpaneel und ein breiteres Stillleben können diese hohe Anordnung nicht ersetzen, nur weil ihre Titel ähnlich klingen. W930 bezeichnet das Werk, dessen Töpfe und Blüten gerade diese schmale Leinwand ausfüllen.

Sein Reiz liegt in dieser Besonderheit. Die roten Blumen entfalten sofort Leuchtkraft, doch die Nahsicht belohnt auch die Aufmerksamkeit für die leiseren Beziehungen darunter: violetter Grund, ockerfarbene Gefäße und herabhängendes Laub. Zusammen verwandeln sie ein kompaktes dekoratives Gemälde in eine eingehende Studie dicht gedrängter Farben und lebendiger Formen.

Häufige Fragen