Clematis, 1887

Blumen ohne weite Landschaft

Weder Himmel noch Horizont oder Gartenweg schaffen einen weitläufigen Schauplatz. Monet holt die Blumen so nah heran, dass sie zur tragenden Struktur des Bildes werden. Mehrere Blüten werden von den Rändern angeschnitten und lassen ein Wachstum über den Bildrahmen hinaus vermuten.

Dies ist keine Anordnung von Stängeln in einer Vase. Die Blüten gehören zu einer Laubmasse, und ihre überlappenden Formen erschweren es, eine einzelne Blume bis zu einem bestimmten Stängel zurückzuverfolgen.

Die größten hellen Gruppen nehmen die mittleren und unteren Bereiche ein. Kleinere Öffnungen dazwischen geben grüne Blätter, tiefere Schatten und rötlich braune Partien frei. Der Blick wandert über diese Unterbrechungen, statt auf einem einzigen zentralen Exemplar zu verweilen.

Der Überblick über die Stillleben betrachtet andere Wege, auf denen Monet Blumen zu einem konzentrierten Motiv machte. Clematis bewahrt die Verbindung zu wachsenden Pflanzen und nutzt zugleich jene genaue Nahsicht, die ein bescheidenes Stillleben großzügig erscheinen lassen kann.

Weiß aus vielfältigen Beziehungen

Die Blumen erscheinen zunächst weiß, doch ihre Oberflächen sind vielfältig. Helle Mauvetöne und kühlere bläuliche Tupfer stehen neben wärmerem Creme und zartem Rosa. Dunklere Mitten heben die Blüten hervor, ohne dass jedes Blütenblatt eine durchgehende Umrisslinie benötigt.

Nahe dem rechten Rand lässt die warme braune Fläche die hellen Blüten besonders deutlich hervortreten. Anderswo steht eine Blume vor grünem Laub und erzeugt einen anderen Kontrast.

Dieselbe Grundfarbe kann sich folglich in verschiedenen Bildbereichen anders verhalten. Eine Blüte wirkt kühl und verschattet, eine andere hell und offen, obwohl beide zu derselben lichten Gruppe gehören.

Auch die Ränder sind ungleichmäßig. Einige Blütenblätter heben sich deutlich vom Hintergrund ab; andere verschmelzen mit benachbarten Blumen oder lösen sich in kurze, gebrochene Zeichen auf. Dieser Wechsel hält die Oberfläche in Bewegung.

Die Wirkung hängt nicht davon ab, eine bestimmte Pigmentmischung zu identifizieren. Sichtbar ist eine Anordnung von Gegensätzen: hell gegen dunkel, kühl gegen warm und vergleichsweise deutliche Formen gegen unbestimmtere Flecken.

Ein frühes Motiv aus dem Garten in Giverny

Die Chronologie des Musée des impressionnismes Giverny von 2026 setzt Monets erste Gemälde seines eigenen Givernyer Gartens in den Sommer 1887, als er Pfingstrosen und Clematis als Motive wählte. Er war 1883 auf das Anwesen gezogen und noch immer Mieter; 1890 kaufte er es. ^[4]

Diese Abfolge ist wichtig. Das Blumenbild gehört in eine frühe Phase seiner Beziehung zu diesem Ort und nicht zum vollständig entwickelten Wassergarten, der aus späteren Gemälden vertraut ist.

Die Darstellung des Museums beschreibt diese Jahre als eine Zeit des Experimentierens mit dem Dorf und seiner Umgebung. Felder, Flussufer und Gartenpflanzen boten unterschiedliche Möglichkeiten, statt ein einfaches, von Beginn an fertiges Programm zu bilden. ^[4]

Clematis macht die Verengung der Aufmerksamkeit besonders deutlich. Statt ein Anwesen, ein Gebäude oder einen weiten Landschaftsausschnitt zu zeigen, konzentriert sich das Bild auf die optische Dichte eines einzelnen blühenden Gewächses.

Der Artikel über den Garten in Giverny verfolgt die längerfristige Entwicklung des Ortes. Diese Leinwand zeigt, wie viel Monet dort entdecken konnte, bevor der Garten seine spätere Gestalt annahm.

Gärtnern und Komposition

Die offizielle Geschichte des Clos Normand beschreibt einen ursprünglichen Obst- und Gemüsegarten, den Monet allmählich umgestaltete. Pflanzungen, Farbgruppen und die Anordnung der Beete wurden zu Bestandteilen seiner fortgesetzten Arbeit an diesem Ort. ^[6]

Ein Garten eröffnet einem Maler schon vor Beginn der Leinwand Wahlmöglichkeiten. Man kann Pflanzen zum Klettern anregen, Blumen gruppieren und Farben zusammenführen. Die Malerei trifft anschließend durch Abstand, Bildausschnitt und Gewichtung eine weitere Auswahl.

Clematis wählt besonders gezielt aus. Weder die ganze Stütze, an der die Pflanze wächst, noch ein Plan ihres Beets ist sichtbar. Ein begrenzter Bereich darf die Leinwand ausfüllen.

Der warme Hintergrund bleibt stellenweise sichtbar, wird aber nicht zu einem eigenständigen architektonischen Motiv. Seine Aufgabe besteht weitgehend darin, das Blumenmuster zu tragen und zu unterbrechen.

Dieses Wechselspiel zwischen Kultivieren und Betrachten erklärt, warum das Gemälde mehr als die dekorative Aufzeichnung einer attraktiven Pflanze ist. Es verwandelt ein Gartenfragment in ein eigenständiges Farbfeld.

Ein anderes Gemälde mit weißen Clematis

Monet malte 1887 auch ein hochformatiges Gemälde mit dem Titel Weiße Clematis. Die Ausstellungsliste der National Gallery of Victoria nennt dieses eigenständige Werk als Besitz des Musée Marmottan Monet, Inventarnummer 5011, aus Michel Monets Schenkung von 1966. ^[5]

Der hier behandelten querformatigen Leinwand darf diese Museumszugehörigkeit nicht zugeschrieben werden. Sotheby’s unterscheidet sie vom hochformatigen Bild und führt beide unter verschiedenen Werkverzeichnisnummern. ^[1]

Die Unterscheidung bleibt auch dann sinnvoll, wenn Titel übersetzt oder verkürzt werden. Ein Blumenname allein bezeichnet kein unverwechselbares Gemälde, zumal wenn ein Künstler zu demselben Motiv zurückkehrte.

Das Format verändert ebenfalls die Seherfahrung. Diese breite Leinwand lässt die hellen Blüten seitlich ausgreifen, mit Gruppen über die gesamte Breite. Die angeschnittenen Ränder lassen das Wachstum fortlaufend statt ordentlich eingefasst erscheinen.

Der Leitfaden zu den Gemäldeserien untersucht Wiederholung an anderen Stellen in Monets Werk. Hier müssen verwandte Blumenmotive als individuelle Anordnungen betrachtet werden und nicht als austauschbare Illustrationen eines einzigen Titels.

Wechselnde Titel und Datierungen

Die frühe Kataloggeschichte bewahrt eine gewisse Unsicherheit. In William C. Seitz’ Ausstellungskatalog von 1960 erscheint das Bild als Flowers, Nummer 44, eine Leihgabe von Edward Gilbert. Die Liste datiert es auf 1890, während ein Erratum eine Entstehung bereits 1885 für möglich hält. ^[2]

Die ursprüngliche Veröffentlichung und das MoMA-Archiv belegen außerdem 1960 als Ausstellungsjahr. Die Angabe 1961 in einem späteren Eintrag darf diese zeitgenössischen Belege nicht verdrängen. ^{[2] [3]}

Diese Unterschiede bedeuten nicht, dass jedes Datum zu einer anderen Leinwand gehört. Leihgeber, Maße und Katalogverweise verbinden die Einträge, während spätere Forschung und Katalogisierung die wechselnden Beschreibungen erklären.

Sie zeigen jedoch, warum eine alte Beschriftung nicht ohne Vergleich übernommen werden sollte. Die spätere Beschreibung verzeichnet eine gestempelte Signatur und kein vom Künstler eingetragenes Datum. ^[1]

Bei diesem Werk bleiben die älteren Vorschläge Teil seiner Dokumentation und sind keine konkurrierenden Daten, die stillschweigend miteinander verbunden werden könnten.

Vom Atelier zum Vergleich in der Ausstellung

Das Gemälde gelangte aus dem Nachlass des Künstlers an Michel Monet und später an Händler und private Sammler. Der Katalog von 2009 verzeichnet einen vorausgegangenen Londoner Verkauf im Jahr 1998. ^[1]

Seine Aufnahme in Seasons and Moments brachte das Blumenmotiv in eine umfassende Ausstellung über Monets wechselnde Zugänge zur Natur. Das MoMA verzeichnet die New Yorker Präsentation von März bis Mai 1960. ^[3]

Ein Vergleich von Clematis mit späteren Seerosenbildern kann eine bedeutsame Ähnlichkeit zeigen: Pflanzen und Farbe nehmen einen großen Teil des Bildes ein, während herkömmliche Ferne an Bedeutung verliert. Das ist ein Vergleich optischer Wirkungen und kein Beweis dafür, dass eine Leinwand die anderen Werke bestimmt hätte.

Die Blumen bleiben erkennbar. Ihre Eigenart wird jedoch fortwährend mit dem größeren Muster aus hellen Blütenblättern, dunklen Mitten, Laub und Hintergrund ins Gleichgewicht gebracht.

Clematis belohnt beide Arten des Betrachtens. Das Bild bietet die Nähe einzelner Blüten und das umfassendere Vergnügen an einer Oberfläche, deren Farben ihre Beziehungen immer wieder verändern.

Häufige Fragen