Deux jeunes filles au laurier-rose

Une œuvre de jeunesse au format très large

Dans Deux jeunes filles au laurier-rose, peint vers 1890–1892, Gustav Klimt réunit deux jeunes femmes et un arbre en fleurs dans une composition soigneusement ordonnée. Le Wadsworth Atheneum Museum of Art, à Hartford dans le Connecticut, conserve cette huile sous le numéro 1993.96 et le titre anglais Two Girls with Oleander. Le titre allemand Zwei Mädchen mit Oleander désigne la même toile. L’identité des figures et la circonstance de la scène restent ouvertes. Le tableau invite surtout à observer les rapports entre visages, fleurs et décor architectural.^[1]

La toile est exceptionnellement large par rapport à sa hauteur. Selon la légende du musée, elle mesure 21 5/8 × 50 5/8 pouces, soit environ 55 cm de haut sur 129 cm de large. Cette proportion marque davantage l’expérience de l’original que ne le laisse penser une petite reproduction à l’écran. Le regard chemine du laurier-rose ramifié vers les figures, tandis qu’un mur continu aux tons chauds relie les différentes parties.^[2]

Le tableau s’ouvre sur un espace clos. L’arbre se détache devant un renfoncement sombre et les têtes se découpent devant une surface plus claire. Malgré la proximité du décor, la largeur du tableau donne aux branches la place de s’étendre et ménage des intervalles autour des deux visages. La composition est ample et les détails invitent à regarder de près.

La rencontre des fleurs et des mains

Le laurier-rose occupe une grande partie de la moitié gauche. Son tronc gris se divise en plusieurs branches qui montent dans un réseau dense de feuilles étroites. Des bouquets roses apparaissent çà et là. Certains se détachent d’un feuillage presque noir, d’autres avancent devant le mur jaune. Selon le fond, des roses semblables paraissent assourdis ou vivement éclairés.

Près du centre, la figure du premier plan lève les mains vers une branche fleurie. Ce geste relie les deux moitiés de la composition. Ses bras conduisent le regard vers la gauche, hors de la masse sombre de la robe. Les fleurs le ramènent vers son visage. Ce mouvement discret donne un centre humain au décor élaboré.

La branche paraît à portée de main. Les doigts pâles se lisent nettement parmi les fleurs et les feuilles foncées. La délicatesse de ces formes attire l’attention sur le point où elles se rencontrent. L’arbre détermine l’orientation des figures et fournit l’action autour de laquelle s’organise la scène.

La seconde figure se tient derrière la première, en partie cachée par son épaule et ses bras. Son visage est moins strictement de profil, et son vêtement rouge pose un accent chaud entre la robe du premier plan et le mur. Le chevauchement rend leur proximité sensible, tandis que l’orientation différente des têtes donne à chacune sa silhouette propre.

Le titre laisse ouverte la nature de leur lien. Les deux femmes pourraient être sœurs, ou la figure qui paraît plus âgée pourrait être la mère de la plus jeune. Le tableau montre surtout qu’elles occupent le même espace et portent leur attention sur la plante fleurie. Le profil du premier plan et le visage plus petit derrière lui se découvrent l’un après l’autre.

L’architecture et la robe à motifs

Une moulure horizontale traverse le mur derrière les figures. Ses formes circulaires et feuillagées se répètent à un rythme régulier qui contraste avec les ramifications de gauche. Les corps interrompent la moulure, qui reprend de l’autre côté. On imagine ainsi le mur se prolongeant derrière les deux femmes, ce qui donne de la cohérence à cet espace peu profond.

Au-dessus, de légères nuances nuageuses et des joints droits animent le grand mur ocre. Sa chaleur fait ressortir la joue et le cou pâles, tandis que la coiffe et la robe tracent le contour sombre. La lumière précise les formes humaines tout en préservant la solidité du décor.

Un bandeau clair passe sur le front de la figure du premier plan sous une coiffe sombre et arrondie. Son bord marque la séparation entre le visage et le tissu. Plus bas, un réseau ornemental délicat reste visible dans la robe foncée. Le traitement différencié de la coiffe, de la peau, de la manche et de la surface qui semble brodée garde à chacun de ces éléments sa texture.

Les bouquets et le motif de la robe présentent deux formes de détail. Tiges et pétales s’étendent librement dans plusieurs directions. Le motif du vêtement épouse la surface du corps. La bordure architecturale introduit un troisième ordre, plus répétitif. Le regard passe de la plante vivante au tissu peint puis à l’ornement qui paraît sculpté, chacun gardant sa texture et sa fonction.

L’œuvre est une huile sur toile. Les tons chauds de l’architecture peuvent paraître dorés dans une reproduction, surtout à côté du feuillage sombre. La couleur seule ne permet pas de conclure à l’emploi de feuille d’or ou de poudre de bronze. La richesse tactile vient des contrastes entre les surfaces peintes.

Une référence à la Renaissance pour la figure du premier plan

La Fondation Klimt rapproche la coiffure et le vêtement de la figure du premier plan d’un Buste de femme de Francesco Laurana, conservé au Kunsthistorisches Museum de Vienne. Klimt a pu étudier la sculpture alors qu’il travaillait au décor du musée. Le rapprochement porte sur une source artistique possible. Il laisse ouverte l’identité des personnes représentées.^[3]

Ce lien aide à comprendre comment le profil conjugue présence et retenue. La coiffe enveloppe le haut de la tête, le bandeau pâle trace une séparation nette et le cou allongé se détache sur la robe sombre. Le visage conserve ainsi une forme posée et autonome, même lorsque les mains accomplissent un geste passager.

Klimt emprunte les formes d’un costume ancien et donne au visage une douceur convaincante. Le passage de la joue à l’ombre est plus souple que le bord de la coiffe. La présence de la figure tient à la rencontre de ces deux traitements, sans que chaque partie de la toile ait besoin du même degré de détail.

La Fondation situe aussi le tableau dans l’historicisme et rapproche son atmosphère des scènes de genre de Lawrence Alma-Tadema. Cette comparaison indique une parenté de style sans établir la copie d’une œuvre précise. Les costumes et le décor élaborés composent un passé imaginaire. Ils renseignent peu sur l’habillement quotidien à Vienne vers 1890.^[3]

Certains motifs peuvent rappeler le Klimt de la maturité. Ici, le mur reste une surface solide derrière les figures, la robe enveloppe un corps et les branches occupent l’espace devant le renfoncement. L’ornement contribue à cette illusion de profondeur. Le tableau de jeunesse gagne à être regardé selon la logique de sa propre composition.

Le dessin de profil et la composition peinte

Le Dorotheum a répertorié le Portrait d’une jeune fille de profil, vers 1890, comme une étude pour Deux jeunes filles au laurier-rose. La feuille de 45 × 32 cm est exécutée au crayon avec des rehauts blancs. Elle porte un cachet de succession et le numéro Strobl 3291b. La notice de vente la rattache précisément à la figure du premier plan dans le tableau de Hartford.^[4]

Sur le dessin, le front, le nez, les lèvres, le menton et le cou peuvent s’étudier pour eux-mêmes. Sur la toile, le profil prend place avec un arbre étendu, une seconde personne et une longue moulure. La tête reste une forme reconnaissable au sein d’un ensemble dont le mouvement principal est horizontal.

Le cachet de succession est distinct d’une signature autographe, et les dimensions indiquées sont celles du papier. Le rapprochement documente le travail de Klimt sur le profil en tant que motif autonome. Il ne permet pas de savoir comment il a reporté ce profil sur la toile, quelles autres études ont existé ou qui a posé.

Parmi les dessins de Klimt, cette feuille montre une recherche différente des études de figures rapides et ouvertes associées à ses dernières années. Ici, la construction du profil est très contrôlée. La toile lui donne ensuite un cadre, une action et un rapport particulier à un autre visage.

Le tableau était-il destiné à un dessus-de-porte ?

Le format allongé pose la question de l’emplacement prévu. La Fondation Klimt suggère qu’un point de vue bas et de telles proportions pourraient convenir à un dessus-de-porte, c’est-à-dire à un tableau décoratif placé au-dessus d’une ouverture. La fonction reste incertaine. Cette hypothèse ne permet d’identifier ni une commande ni une pièce précise.^[3]

La composition rend la proposition compréhensible. Les formes principales restent lisibles sur toute la largeur, et la moulure établit une horizontale ferme. Les bustes suffisent à porter l’action. Le tableau montre comment Klimt pouvait adapter une scène à un rectangle très étiré, même si l’emplacement initial nous échappe.

À plus petite échelle, le tableau aborde des questions décoratives que l’on retrouve dans Le Théâtre de Taormine. Les deux œuvres gardent leur histoire propre. Le Portrait de Joseph Pembaur, peint à peu près à la même époque, offre un autre point de comparaison. Un musicien identifié et deux figures anonymes en costume historique attirent le regard sur des aspects différents, malgré une même attention au détail et à l’ornement.

D’une collection familiale à Hartford

Un dossier administratif japonais relatif à un prêt retrace brièvement la provenance. Selon ce document, Klimt a donné la toile à une famille. Elle est ensuite revenue à leur fils et à leur fille à Brooklyn, à New York. Le Wadsworth l’a achetée directement au fils en 1993. Le dossier nomme le Douglas Tracy Smith and Dorothy Potter Smith Fund et l’Ella Gallup Sumner and Mary Catlin Sumner Collection Fund. Il ne donne pas le nom de la famille.^[1]

Les mêmes documents prévoient une présentation au musée préfectoral d’art d’Aichi, à Nagoya, du 21 décembre 2012 au 11 février 2013. Les dates concernent une exposition temporaire. Une photographie prise hors de Hartford peut donc montrer la même toile lors d’un prêt.^[5]

Lors de la vérification du 23 octobre 2026, la légende du musée attribuait toujours l’original au Wadsworth. La présentation de l’œuvre à une date précise reste à vérifier auprès du musée. La longue huile sur toile se distingue de la feuille d’étude et des reproductions modernes. Elle fait tenir ensemble l’abondance de l’arbre, la retenue du geste et l’ordre du décor architectural.^[2]

Références

1. Agence japonaise pour les affaires culturelles, demande de désignation d’œuvres d’art étrangères, 2012, objet 6, p. 2. Deux jeunes filles au laurier-rose, Wadsworth, inv. 1993.96. Consultée le 23 octobre 2026. Consulter la source.
2. Boutique du Wadsworth Atheneum Museum of Art, Gustav Klimt: Two Girls with Oleander Print. Légende et dimensions du tableau original, distinctes des caractéristiques de la reproduction. Consultée le 23 octobre 2026. Consulter la source.
3. Fondation Klimt, Décorateur de la Ringstraße. Section consacrée aux portraits stylisés et naturalistes, avec Deux jeunes filles au laurier-rose. Consultée le 23 octobre 2026. Consulter la source.
4. Dorotheum, Portrait d’une jeune fille de profil, vers 1890. Étude pour Deux jeunes filles au laurier-rose, Strobl 3291b. Vente d’art moderne, 28 novembre 2013, lot 1318. Consulté le 23 octobre 2026. Consulter la source.
5. Ministère japonais de l’Éducation, de la Culture, des Sports, des Sciences et de la Technologie, avis public nº 168 du 10 décembre 2012. Prêt du Wadsworth prévu pour le musée préfectoral d’art d’Aichi. Consulté le 23 octobre 2026. Consulter la source.