Mère et enfant

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Mère et enfant, un détail des Trois Âges

L’image appelée Mère et enfant montre une jeune femme qui tient un nourrisson endormi contre sa poitrine nue. Les yeux fermés, elle incline la tête vers celle de l’enfant. Ses bras entourent le petit corps, tandis que fleurs, disques colorés et ornements retombants se rassemblent autour d’eux. C’est l’une des compositions les plus tendres de Gustav Klimt.

L’image est un détail recadré dans la partie droite de la toile de 1905, Le tre età, aussi appelée Les Trois Âges de la femme. Une femme âgée nue se tient juste à côté du couple dans le tableau entier. La Galerie nationale d’art moderne et contemporain de Rome conserve la toile carrée de 171 cm de côté sous le numéro 951.^[1][2]

Le recadrage isole l’intimité, le sommeil et la protection. La composition complète inscrit la même étreinte dans une allégorie de l’enfance, de la maternité et de la vieillesse. La figure retranchée change la portée du geste.

Mère et enfant est le titre d’usage de ce détail reproduit. Le titre de la toile de 1905 conservée à Rome est Le tre età.^[1]

En bref

• ArtisteGustav Klimt
• Titre usuel du détailMère et enfant
• StatutDétail recadré de la toile
• Tableau d’origineLe tre età (Les Trois Âges de la femme)
• Date1905
• TechniqueHuile sur toile selon la notice du musée
• Dimensions de la toile entière171 × 171 cm
• CollectionGalleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea, Rome
• Numéro d’inventaire951
• Figures dans le détailUne jeune mère et un nourrisson endormi
• Figure exclue du recadrageUne femme âgée qui incarne la vieillesse
• Études préparatoiresÉtudes de la mère et de l’enfant, du nourrisson porté ou endormi, vers 1904, et dessin de transfert
• Première exposition publiqueDeuxième exposition du Deutscher Künstlerbund, Berlin, mai 1905
• Autre exposition importanteNeuvième Biennale de Venise, 1910
• Acquisition italienne1911. Le lien précis avec l’Exposition internationale de Rome reste discuté.
• AccrochageLa GNAMC avait annoncé un prêt temporaire au Palazzo Bonaparte jusqu’au 23 août 2026. L’accrochage après cette date reste à confirmer.

Détail Mère et enfant

Détails annotés de Mère et enfant

Six détails montrent comment les yeux fermés, les bras, la différence d’échelle et le décor construisent l’étreinte.

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Détails de MÈRE ET ENFANT

Ce détail provient de la toile de 1905, dans le domaine public. Les repères sont superposés à l’image.

1

Visages aux yeux fermés

La mère incline la tête vers l’enfant endormi. Leurs regards restent fermés au spectateur.

2

Cheveux et fleurs

La chevelure aux tons chauds se mêle aux fleurs et aux disques colorés qui entourent le couple.

3

La petite main de l’enfant

La petite main près du sein nu évoque la dépendance de l’enfant et le soin qui lui est donné. L’allaitement reste incertain.

4

Le bras qui soutient

Le long avant-bras de la mère forme la principale diagonale. Il porte le poids de l’enfant à travers le détail.

5

Le corps et le tissu bleu

Le torse recourbé rencontre le tissu bleu et les motifs. Les formes du corps rejoignent le décor.

6

La bordure protectrice

Les bandes vertes et les motifs serrés délimitent un espace qui ressemble à un cocon.

Pourquoi le détail paraît complet

Klimt a donné à la mère et au nourrisson une cohésion qui résiste au recadrage. La tête inclinée, la chevelure abondante, le haut du corps et les bras forment une large enveloppe. La tête de l’enfant s’y loge et son petit corps repose sur la longue diagonale de l’avant-bras.

Les yeux fermés les unissent. Leur relation se lit sans échange avec la femme âgée ou avec le spectateur. La mère paraît absorbée par le geste de porter et le nourrisson par le sommeil. Leur intimité reste immédiatement perceptible quand le reste de la toile disparaît.

La couleur renforce cette unité. La chair pâle occupe le centre. Les cheveux sombres entourent le visage de l’enfant et la chevelure brun doré de la mère se fond dans les fleurs et les disques. Des bandes turquoise descendent près de l’épaule. Plus bas apparaissent le tissu bleu et des motifs. Le décor forme un abri autour des deux figures.

Cette cohésion aide à expliquer la diffusion du détail. En 2014, une étude en portugais dans la Revista Estudos Feministas a examiné comment la reproduction lui a donné une autonomie d’usage. Le nouveau cadre et le nouveau titre déplacent l’attention vers la jeune maternité et la détournent de la vieillesse, visible dans le tableau entier.^[9]

Deux visages aux yeux fermés

La proximité des visages donne à la scène son intensité. La mère incline la tête vers le bas et légèrement en travers. L’enfant tourne la sienne vers elle. Leurs fronts restent séparés, mais les cheveux, la joue et les motifs comblent l’espace.

Leurs paupières sont baissées ou fermées. La mère et l’enfant gardent leur regard pour eux. La tendresse passe par la posture et le contact, sans sourire marqué ni échange de regards.

Les bouches restent discrètes. Les lèvres rouges de la mère forment un accent coloré dans la chair pâle. La petite bouche du nourrisson est au repos. Ces détails donnent l’impression d’un instant suspendu et laissent ouverte la question du rêve ou du sentiment précis.

Dans le tableau entier, la femme âgée dissimule aussi son visage derrière ses cheveux et sa main. Les trois âges se replient chacun à leur manière, par le sommeil, le recueillement maternel ou le retrait. Le recadrage ne garde que les deux premiers et donne à la scène un caractère plus consolant.^[3]

Le poids de l’enfant

Klimt rend la dépendance visible. Le torse s’appuie contre le corps adulte, un bras se plie près de la poitrine de la mère et le bas du corps a besoin d’un appui. La tête semble lourde par rapport aux épaules, comme chez un nourrisson.

Un bras de la mère traverse la figure de l’enfant et la tient de l’autre côté. Le second appui se fond en partie dans le groupe resserré. Main, avant-bras, épaule et torse s’articulent pour porter le poids.

L’Albertina souligne la précision avec laquelle Klimt observe les nourrissons. Les études suivent les variations de la position d’un enfant porté, de la tête tournée au regard par-dessus l’épaule et à la courbe du ventre. Les mouvements de l’enfant se distinguent des angles plus géométriques des bras et des mains adultes.^[4]

Dans le tableau, l’enfant s’enroule, se pose et cède à la gravité. Le bras de la mère devient une diagonale qui organise le groupe. Klimt donne une stabilité monumentale au geste tout en préservant la souplesse du corps.

La mère allaite-t-elle ?

Un sein est découvert et le nourrisson est tenu tout près. Le groupe évoque aisément l’allaitement et la nourriture maternelle. Le catalogue italien nomme les trois âges, l’enfance, la maternité et la vieillesse.^[2]

La bouche de l’enfant ne paraît pas prendre le sein. Le tableau montre la proximité de la poitrine et le soutien du corps. Le nourrisson semble dormir ou se reposer dans une posture qui évoque l’allaitement.

Le geste exprime la nourriture, la dépendance et le soin sans fixer le moment d’une tétée. Le contact peut se lire indépendamment d’un épisode précis.

Les sources institutionnelles n’identifient avec certitude ni la jeune femme ni le nourrisson. Les figures incarnent une relation et un âge de la vie.

Le corps de la mère

La mère se présente plus frontalement que la femme âgée et reste absorbée en elle-même. De faibles variations de ton modèlent le torse pâle. Le nombril et le sein nu donnent au corps sa présence. Le cou allongé, les épaules étroites et les membres étirés stylisent la figure.

Le corps reste tangible sous l’ornement. Dans le Portrait d’Adele Bloch-Bauer I, certaines parties se fondent davantage dans le motif. Ici, la douceur du modelé et le décor abritent la jeunesse, à côté d’une vieillesse peinte avec une franchise anatomique.

Dans la toile entière, la beauté de la mère côtoie un corps transformé par le temps. Le détail garde le côté idéalisé du contraste et laisse hors champ la figure qui en montre le caractère passager.

Klimt associe l’âge adulte à la maternité dans cette allégorie. Cette construction symbolique du cycle féminin appartient à son époque. Les parcours des femmes dépassent les trois rôles que le tableau met en scène.

Cheveux, fleurs et ornements

La chevelure encadre le visage de la mère, rejoint les motifs et rapproche sa tête de celle de l’enfant. Sa couleur chaude relie la peau pâle aux violets, bleus, verts et blancs qui l’entourent.

Les petites fleurs peuvent évoquer le printemps, la fécondité ou la croissance. Les ronds et les ellipses suggèrent parfois des cellules, des graines ou des cycles. Dans sa notice de 2026, la GNAMC rapproche certains motifs de la génération et de la fécondité.^[11]

Ces associations restent ouvertes. Un cercle organise aussi la composition. Une fleur apporte de la couleur et du rythme. Aucune clé conservée de Klimt ne fixe le sens de chaque forme.

Le décor entoure les deux figures comme un cocon. L’image aide à décrire leur contour commun. Les motifs ne décrivent pas une enveloppe textile identifiable.

Klimt ne montre ni lit, ni chaise, ni berceau, ni mur. Le décor prend la place du cadre domestique. Il laisse les deux figures exister comme corps observés et comme figures symboliques.

Une Vierge à l’Enfant ?

La mère inclinée, le sein nu et l’enfant abrité rappellent la longue tradition européenne de la Vierge à l’Enfant. Klimt connaissait cette iconographie de la maternité sacrée, dont l’écho est perceptible.

La toile ne nomme ni Marie ni le Christ. Les fleurs ne forment pas de nimbe identifiable et l’on ne voit ni trône, ni ange, ni inscription chrétienne. La femme âgée nue donne au temps du corps une place centrale.

La tendresse rappelle les images de mère et d’enfant. Klimt l’inscrit ici dans une allégorie symboliste profane.

Le recadrage accentue l’écho dévotionnel en retirant la vieillesse. Le tableau entier réintroduit la mortalité.

Ce que le détail laisse hors champ

La femme âgée se tient si près du groupe que son corps déborde sur le décor de la mère et de l’enfant. Sa tête s’incline. Les cheveux et une main cachent son visage. La poitrine, le ventre, les articulations et la peau sont rendus avec une attention sans complaisance qui contraste avec le modelé lisse de la mère.

La mère et l’enfant se touchent. La femme âgée est tout près, et aucun bras ne la prend dans l’étreinte. La tendresse apparaît ainsi comme une expérience circonscrite et passagère.

Le détail supprime cette dissymétrie et la figure qui avait suscité les réactions les plus hostiles. À Berlin en 1905, la Neue Freie Presse relevait la maîtrise de l’exécution et le rejet, chez certains visiteurs, du corps âgé montré sans idéalisation.^[3]

Le recadrage retire le corps qui gênait le public de l’époque. Il conserve les formes les plus aisément associées à la beauté, à la fécondité et au soin. L’étude brésilienne du détail montre comment la reproduction fait naître une nouvelle image susceptible d’être commercialisée en sélectionnant les figures visibles.^[9]

Un détail permet d’étudier une partie du tableau. Pour comprendre l’effet propre à cette image, il faut tenir compte du choix ultérieur de cadrage et revenir à l’objet entier.

Enfance, maternité et vieillesse

La notice italienne distingue trois âges féminins, l’enfance, la maternité et la vieillesse. Elle rattache la toile à la tradition de la vanité et à sa méditation sur le temps.^[2]

Le contraste des corps suffit à faire sentir le passage du temps. L’enfant a besoin d’être porté. La mère le soutient. La femme âgée se tient seule.

Les trois âges occupent une même surface et un même présent. Aucun regard ne les relie. Le spectateur reconnaît dans ces trois corps les étapes d’une vie.

Le détail rapproche les deux premiers âges par un rapport de dépendance. L’âge de la mère se définit ici par le soin, celui du nourrisson par le fait d’être porté.

L’étreinte se distingue des groupes plus nombreux de La Mort et la Vie, où plusieurs générations se rassemblent sous le regard de la Mort, et d’Espoir II, où la grossesse côtoie un crâne et des femmes aux têtes inclinées.

Dessiner la mère et l’enfant

Les dessins conservés montrent plusieurs étapes d’observation et de reprise avant la composition finale.

Le Wien Museum conserve une Étude de mère avec enfant, inventaire 96482/32. Réalisée à la craie sur papier d’emballage en 1904–1905, elle mesure 45,8 × 31,5 cm. Le musée la rattache aux Trois Âges et décrit le motif comme une mère avec un bébé ou un jeune enfant.^[8]

À l’Albertina, l’inventaire 23658 réunit une étude d’enfant porté à deux mains et une étude de mère avec enfant. Cette feuille à la craie noire, vers 1904, mesure 45,4 × 31 cm. Elle porte le numéro 1319 dans le catalogue d’Alice Strobl.^[5]

La feuille 23666 de l’Albertina montre deux études d’un enfant tenu debout. Elle date aussi d’environ 1904, est à la craie noire et mesure 45,2 × 31,5 cm. Issue de la succession de Klimt, elle a été donnée par ses héritiers à la Galerie autrichienne avant d’entrer à l’Albertina en 1923.^[6]

L’Enfant endormi de l’Albertina, inventaire 23671, est particulièrement proche de l’attitude peinte. Sur une feuille de 45,3 × 30,9 cm, la craie noire fixe l’œil fermé et reprend certaines parties des jambes. Le musée souligne qu’un trait dominant suffit à suggérer le sommeil.^[4][7]

Klimt observe comment le nourrisson tourne la tête, s’affaisse et se repose. Il cherche aussi comment les mains adultes peuvent traduire ces mouvements en silhouette lisible. Ces feuilles éclairent l’équilibre entre observation et construction qui traverse les dessins de Klimt.

Chaque feuille conserve un essai de contour ou de position. L’observation s’est accumulée avant que le groupe prenne la forme d’un emblème.

Le dessin de transfert et l’inversion

Un dessin de transfert de 1904 en collection privée montre le groupe tourné dans l’autre sens, davantage vers la femme âgée. Celle-ci se tenait devant la jeune mère et recouvrait sa main.^[3]

La Gustav Klimt Database propose que Klimt ait inversé le groupe au moyen d’un papier calque. Cette méthode est une hypothèse. Le changement d’orientation est visible dans la comparaison.^[3]

Dans le dessin, l’inclinaison de la tête de la mère mène vers la vieillesse. Dans le tableau, le visage se penche vers l’enfant et se détourne de la femme âgée. L’étreinte prend un caractère plus intime.

Le détail diffusé plus tard prolonge ce mouvement. Klimt a tourné le jeune groupe vers lui-même, puis le cadrage de la reproduction a écarté la figure voisine. Les deux choix ont façonné l’intimité que l’on perçoit aujourd’hui.

La chair sur un fond aplati

Les chairs modelées se détachent sur un champ ornemental peu profond, procédé caractéristique du travail de Klimt au milieu des années 1900. Les corps gardent leur poids, leurs articulations et leurs transitions douces, tandis que le fond reste proche de la surface.

Dans le détail, aucun sol ne fixe la position de la mère. Les motifs montent autour d’elle. Plus bas, les chairs rejoignent des draperies translucides, des bandes bleues et des accents géométriques à la limite du vêtement et de l’abstraction.

La frontière entre la chair et le motif commande la lecture des corps. Le décor masque certaines transitions et en souligne d’autres. Il donne au jeune groupe l’apparence d’un espace protégé.

Dans la toile entière, l’anatomie de la femme âgée est rendue avec plus de rudesse. Les tons voisins sont sombres et terreux. Le détail conserve la rencontre la plus harmonieuse entre chair et ornement.

De quoi le tableau est-il fait ?

La notice de la GNAMC décrit Le tre età comme une huile sur toile. ^[1] C’est la description de référence pour l’objet dont provient le détail.

Le rapport annuel de 2019 mentionne la restauration et décrit aussi l’œuvre comme une technique mixte sur toile. ^[12] Un texte du musée sur le prêt de 2026 signale des feuilles de métaux précieux, dont l’or, le platine et l’argent. ^[11]

Ces descriptions publiques n’ont pas le même degré de détail. Une cartographie issue d’un examen de conservation serait nécessaire pour attribuer un métal précis à une fleur ou à un disque du détail.

La notice donne la technique principale. Les textes de conservation et de présentation indiquent une histoire matérielle plus complexe. Une couleur dorée laisse ouverte la nature du matériau employé à cet endroit.

Berlin en 1905

Klimt a présenté Les Trois Âges de la femme en mai 1905 à la deuxième exposition du Deutscher Künstlerbund à Berlin. Seuls Ferdinand Hodler et lui disposaient chacun d’une salle. Treize tableaux de Klimt y étaient réunis. Des retards douaniers et d’installation ont compliqué l’ouverture.^[3]

La nouvelle toile occupait une place bien visible. Les comptes rendus reconnaissaient la maîtrise de Klimt, tandis que la représentation du corps âgé suscitait des réactions hostiles. Le détail diffusé plus tard retranche précisément cette figure.^[3]

Les visiteurs de Berlin voyaient les trois âges ensemble. Mère et enfant est le titre d’usage du détail reproduit ultérieurement.

Cette période correspond aussi au conflit autour des Peintures des Facultés. Les deux projets rapprochent beauté, naissance, souffrance et mortalité. Les Trois Âges est un tableau de chevalet indépendant. Dans La Médecine, nourrissons et vieillards prenaient place dans un cycle monumental contesté par les institutions.

Venise, Rome et la collection italienne

Les archives de la Biennale de Venise recensent Le Tre età dans la présentation individuelle de Klimt à la neuvième Exposition internationale d’art en 1910. Elles identifient une huile de 1905.^[10]

L’État italien a acquis la toile en 1911 pour l’actuelle GNAMC. La notice patrimoniale ArCo indique qu’elle ne figure pas parmi les œuvres présentées à l’Exposition internationale de Rome, même si des fonds liés à la manifestation ont pu permettre son achat. Les textes ultérieurs du musée associent plus largement l’acquisition à l’événement.^[2][11]

L’achat par l’État en 1911, le numéro 951 et la propriété de la GNAMC sont établis. La question de l’exposition à Rome demeure distincte.

Le musée conserve la composition entière sous le titre Le tre età. Les reproductions de Mère et enfant tirent leur identité de cette toile.

Où se trouve le tableau ?

La Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea de Rome conserve le tableau. ^[1] Elle a annoncé un prêt temporaire au Palazzo Bonaparte du 14 juillet au 23 août 2026. ^[11]

Au 24 août 2026, la période annoncée était terminée. Les avis consultés ne confirmaient ni le retour en salle, ni une indisponibilité liée au transport ou à la conservation, ni un autre emplacement.

L’accrochage peut être confirmé auprès de la GNAMC avant une visite. La propriété du musée reste établie.

Le détail circule dans les livres, les estampes et les images numériques. Ces reproductions renvoient toutes à l’œuvre conservée à Rome.

Le sexe de l’enfant

L’expression Mère et enfant ne précise pas le sexe. La notice italienne ArCo emploie bambina, une petite fille. L’allégorie complète est habituellement lue comme trois âges féminins.^[2]

La notice donne un appui plus solide que l’examen du seul détail. L’enfant figure le premier des trois âges féminins. L’anatomie visible dans le recadrage ne suffit pas à trancher cette question.

L’étude en portugais montre comment les titres du détail isolé peuvent privilégier la maternité et modifier la place de l’enfant dans la séquence originale.^[9]

En français, Mère et enfant conserve le titre d’usage du détail et laisse au tableau entier le soin de situer l’enfant dans l’allégorie.

Des modèles anonymes

Les notices institutionnelles identifient les rôles des figures et leurs rapports avec les études. Les noms de la mère et de l’enfant restent inconnus.

Klimt a observé de vrais nourrissons et différentes façons de les porter. Plusieurs dessins juxtaposent des positions sur une même feuille. Ces observations nourrissent l’allégorie.

Anna Klimt, la mère de l’artiste, est évoquée à propos des études de la femme âgée. Ce rapprochement reste une proposition ou un élément de contexte. Il concerne cette figure seule.^[3][4]

Les circonstances familiales et les relations de Klimt ne suffisent pas à établir une lecture autobiographique du groupe. Il faudrait des documents qui les relient à cette toile.

La maternité au-delà du sentiment

La tendresse tient au geste de protéger l’enfant. Les deux figures restent absorbées dans leur intimité et n’expriment pas leur bonheur pour le spectateur.

Le sein nu et le contact étroit donnent au soin une dimension physique. La mère porte le poids de l’enfant, qui occupe le centre de l’étreinte.

La chair jeune et lisse, les fleurs et l’éclat du décor donnent une place privilégiée à la maternité. La figure âgée, juste à côté, met ce privilège à l’épreuve.

Klimt peint le soin avec force et l’inscrit dans un tableau où la beauté et la fécondité demeurent soumises au temps.

Comment regarder le détail

Suivez l’axe discret qui descend de la tête inclinée de la mère vers le visage de l’enfant. Plus bas, le bras traverse le détail comme une barre de chair qui tient la composition.

Regardez la petite main près du sein. Sa taille rend visible le rapport entre dépendance et soutien. Comparez-la aux doigts et à l’avant-bras, bien plus longs, de la mère.

Passez aux cheveux et aux fleurs. Le bord du corps devient difficile à séparer des motifs. Le décor prend la qualité d’une atmosphère.

Imaginez enfin la partie gauche. Le cadrage s’arrête avant que la femme âgée vienne troubler la tendresse. Sa présence fait du jeune groupe une étape dans une histoire de la vie plus difficile à regarder.

Pourquoi Mère et enfant reste présent

Le détail a acquis une vie culturelle propre. Il parle du soin, du sommeil, de la confiance et de l’expérience de porter un autre corps. Sa composition resserrée reste lisible dans de nombreux formats.

Sa popularité montre comment une image se transforme après avoir quitté l’atelier. Le cadrage, le titre et la reproduction ont fait d’un détail un sujet familier. L’image vient de Klimt et porte aussi les choix de ceux qui l’ont diffusée.

Revenir à la toile donne un horizon temporel à l’étreinte. Le nourrisson est porté, la mère est jeune et le corps voisin montre la fragilité de ces deux états.

L’étreinte paraît se suffire à elle-même. Le tableau entier ouvre cette intimité sur ce qui l’entoure et sur ce que le temps lui fera perdre.

Questions fréquentes

Références

Sources consultées en août 2026.

1. Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea, Rome. Notice de la toile 951, titre, date, technique et dimensions. Consulter la source.
2. Italian Ministry of Culture, ArCo catalogue. Figures, trois âges, exposition de Berlin et acquisition de 1911. Consulter la source.
3. Gustav Klimt Database. Études, inversion, fond abstrait, vanité et réception à Berlin. Consulter la source.
4. Albertina Museum. Études d’enfants portés et endormis, gestes de soutien et figure âgée. Consulter la source.
5. Albertina Museum Online Collection. Feuille à la craie noire, inventaire 23658, dimensions et catalogue. Consulter la source.
6. Albertina Museum Online Collection. Deux études d’enfant tenu debout, inventaire 23666, dimensions et provenance. Consulter la source.
7. Albertina Museum Online Collection. Enfant endormi, inventaire 23671, dimensions et lien avec la toile. Consulter la source.
8. Wien Museum Online Collection. Étude de mère et enfant, inventaire 96482/32, craie sur papier d’emballage. Consulter la source.
9. Vera Lúcia Menezes de Oliveira e Paiva. Étude de 2014 sur la diffusion, le nouveau titre et l’absence de la femme âgée dans le détail. Consulter la source.
10. Archivio Storico delle Arti Contemporanee, La Biennale di Venezia. Registre officiel de la neuvième Biennale de Venise en 1910. Consulter la source.
11. Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea, Rome. Prêt de 2026, histoire des expositions, interprétation et matériaux. Consulter la source.
12. Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea, Rome. Rapport annuel de 2019, restauration et mention de la technique mixte. Consulter la source.

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