La Médecine de Gustav Klimt Acheter une reproduction
sur Amazon

* En tant que Partenaire Amazon, je réalise un bénéfice sur les achats remplissant les conditions requises.


par
Tom Gurney, titulaire d’un BSc (Hons), travaille dans le domaine de l’histoire de l’art depuis plus de vingt ans
Publié le 21 août 2026 / Mis à jour le 23 octobre 2026
Courriel : tomgurney1@gmail.com / Téléphone : +44 7429 011000

À propos de La Médecine

Au bas de La Médecine de Gustav Klimt, Hygie fait face au spectateur. Un serpent s’enroule autour de son bras et boit dans une coupe. La déesse, parée d’ornements brillants, se tient avec une autorité cérémonielle. Derrière elle monte un flot serré de corps nus. On y voit des nourrissons, des vieillards, des amants, des êtres qui souffrent, une femme enceinte et un squelette.[1][2]

Le contraste faisait la force provocatrice du tableau. Hygie incarnait la santé. Autour d’elle, les êtres traversaient la naissance, le désir, la maladie et la mort, tandis que la déesse demeurait présente et visiblement à part.

La Médecine était destinée au plafond de la grande salle de l’université de Vienne, où elle n’a jamais été installée. Klimt a présenté l’immense huile pour la première fois en 1901, l’a reprise à plusieurs reprises et en a achevé le dernier état en 1907. L’original a été détruit dans l’incendie du château d’Immendorf en mai 1945.[1][3]

Des dessins, une esquisse à l’huile, des photographies et des reproductions imprimées transmettent la composition. Une phototypie historique en couleurs montre Hygie en rouge et or. Les reconstitutions colorées modernes proposent une interprétation documentée de l’ensemble disparu. La majeure partie de la palette d’origine reste moins bien connue.[1][4]

En bref

  • ArtisteGustav Klimt
  • TitreLa Médecine (Medizin)
  • TypePeinture des Facultés commandée pour le plafond de la grande salle de l’université de Vienne
  • Technique originaleHuile sur toile
  • Dimensions originalesEnviron 430 × 300 cm[1]
  • Début du travailPremières études en 1894. Grande toile en cours vers 1900.[2][3]
  • Premier état présentéDixième exposition de la Sécession viennoise, de mars à mai 1901[3]
  • États ultérieursReprises importantes documentées en 1903. Dernier état achevé en 1907.[3][5]
  • Figure principaleHygie, déesse grecque de la santé et fille d’Asclépios
  • Groupe principalUn flot vertical d’êtres humains de tous âges et de diverses conditions
  • Motifs principauxGrossesse, naissance, vieillesse, souffrance, étreintes, squelette et femme isolée en suspension
  • Études préparatoiresLe catalogue de l’Albertina rattache plus de 200 dessins au tableau. Ce regroupement peut évoluer.[2]
  • Esquisse à l’huile conservéeLe Musée d’Israël conserve l’esquisse de composition de 1897–1898, huile sur toile, 74,7 × 54,8 cm.[6]
  • Témoignage historique en couleurUne phototypie de 1931 montre Hygie en rouge et or.[7]
  • Sort de l’originalDétruit au château d’Immendorf en mai 1945[1]
  • Reconstitution visible au publicUne reproduction grand format issue de la reconstitution colorée moderne couvre depuis novembre 2024 la façade du bâtiment de recherche Anna Spiegel à la MedUni de Vienne.[1][8]

Les traces d’une peinture disparue

L’image familière de La Médecine provient généralement d’une reproduction. Chaque description visuelle dépend donc du document utilisé.

Les photographies en noir et blanc transmettent l’agencement et les valeurs de la toile. Elles montrent la position d’Hygie, le chevauchement des corps, le squelette et le contraste entre le voile de brume et le groupe serré. Les reprises de Klimt expliquent que les photographies puissent montrer des états différents.[3][5]

Les dessins permettent d’étudier des figures isolées. Ils montrent un nourrisson endormi, une femme enceinte nue, des lutteurs, des vieillards, le squelette, Hygie et la femme en suspension dans plusieurs variantes. Ils rendent compte des essais qui ont précédé ou accompagné la composition.[2][9]

Les reproductions imprimées complètent ces indices. Une héliogravure de 1903–1904 documente un état intermédiaire entre la première exposition et les dernières reprises. Un recueil ultérieur transmet la composition mûrie. La phototypie de 1931 donne un témoignage historique en couleur pour le détail d’Hygie.[5][7]

La surface originale a disparu. Le geste exact du pinceau, les rapports de couleurs, les effets métalliques et la présence de la toile sous l’éclairage de l’exposition demeurent hors de portée. Les documents conservés permettent de reconstruire la structure et l’évolution de la composition.

La composition d’ensemble

La Médecine était fortement dissymétrique. La plupart des corps se pressaient à droite. À gauche, une zone claire et brumeuse entourait une seule femme en suspension. Des gestes franchissaient l’intervalle entre les deux.[1][2]

Les corps semblent monter, dériver ou tourner dans un courant vertical. Leurs chevauchements donnent l’impression que le groupe dépasse le champ de la toile. Certaines figures entrent dans l’image ou en disparaissent, comme dans un fragment de procession.[9]

Le format amplifiait le mouvement. La toile, haute de plus de quatre mètres pour environ trois mètres de large, entraînait le regard vers le haut. Au plafond de la grande salle, les figures en suspension auraient été vues depuis le sol.

Hygie interrompait le courant. Placée près du milieu en bas, elle faisait face au spectateur et se tenait droite comme une colonne. Sa frontalité la distinguait de loin de l’enchevêtrement des corps.

Le courant se prolongeait derrière elle et au-dessus. Hygie désignait la médecine, tandis que la plus grande partie de la toile montrait les conditions auxquelles elle se confronte.

Le courant humain

L’Albertina y distingue des enfants, des femmes enceintes, des jeunes et des vieillards, des hommes et des femmes ainsi que des lutteurs. Beaucoup ont les yeux fermés. Un squelette, en haut du groupe, rappelle que la mort appartient au même courant que la naissance.[2]

Les corps se touchent et les figures semblent repliées sur elles-mêmes. Un torse en dissimule un autre. Les têtes penchent ou se détournent. Certains corps semblent dormir ou rêver, d’autres luttent. La proximité physique laisse chacun face à son propre état.

Les chercheurs de l’Albertina nomment ce groupe « l’humanité souffrante ». Le tableau rassemble douleur, épuisement, désir, vieillesse et vulnérabilité. Les corps portent ces conditions ensemble, sans se distribuer en cas cliniques.[9]

Les dessins partent de modèles individuels et de poses précises. Un vieillard courbé porte un poids différent de celui d’un enfant endormi. Les lutteurs entrelacés introduisent une autre tension. Le courant final rassemble ces différences observées.

Le flot rattache La Médecine à La Philosophie, une Peinture des Facultés antérieure où l’humanité nue traversait déjà les âges de la vie. Dans La Médecine, le groupe s’élargit et prend une présence plus corporelle. Le mystère cosmique cède la place à la souffrance et à la mort.[3][9]

La femme en suspension et le nouveau-né

Isolée à gauche par un voile de brume, la femme nue prend une importance particulière. Un bras d’homme sort de la foule et se tend vers elle. Elle tend à son tour le bras et relie visuellement les deux parties du tableau.[2]

Un nouveau-né flotte près de ses pieds, enveloppé d’un fin cocon. L’Albertina lit la figure comme une femme qui accouche et incarne la continuation de l’humanité. Son corps se projette vers l’extérieur tout en semblant se dissoudre dans la brume.[2][9]

Klimt a travaillé plusieurs années sur cette figure. Les premières études essaient des vues de face ou de profil, des bras tendus et plusieurs effets d’apesanteur. La femme devait rester liée au courant tout en se détachant de la foule.[9]

L’esquisse à l’huile de 1897–1898 montre déjà une femme nue en suspension en haut à gauche. Le Musée d’Israël relève son visage rêveur et le mouvement tourbillonnant de l’ensemble. Dans la grande toile, l’écart s’accentue et le groupe se densifie.[6]

La mère et l’enfant flottent dans le même espace incertain que les mourants. Un geste les rattache à l’humanité. Aucun sol ne stabilise la scène de naissance.

Deux lectures de la femme en suspension

L’Albertina rattache la femme à l’accouchement et à la continuation de l’humanité. La MedUni de Vienne lit dans sa posture inclinée et étendue une forme d’abandon à la maladie et à la mort.[1][9]

Le nouveau-né soutient la première lecture. L’apesanteur, la brume et la proximité du courant mortel soutiennent la seconde. La posture associe la naissance à une impression d’abandon.

Le bras qui sort de la foule touche ou approche la femme. Elle lui répond en tendant le sien vers les autres corps. Le lien peut évoquer un secours, une attraction ou le retour de la vie dans le courant collectif.

Les photographies établissent le rapport général entre corps, brume et foule. La couleur perdue aurait pu rendre la femme plus vivante, spectrale ou menacée. Cet effet reste incertain.

Le corps suspendu associe naissance et mortalité. La continuation de la vie prend ainsi une forme précaire.

La grossesse et le squelette

Une femme enceinte nue figure dans le courant. Sa grossesse s’impose dans sa réalité physique, rarement admise à l’époque dans un décor monumental officiel. Le corps conserve des traits humains reconnaissables.[1][9]

La proximité du squelette associe la mortalité à la vie qui commence. Sa présence inscrit la fin dans le même courant que la naissance.

Sur une feuille, Klimt rapproche une femme enceinte nue du buste d’un vieillard courbé par le chagrin. Cette juxtaposition annonce la coexistence des âges dans le tableau.[9]

La reproduction de la femme enceinte a contribué à la confiscation d’un numéro de Ver Sacrum pour atteinte aux bonnes mœurs. Les objections visaient aussi le regard de la toile sur la faculté. La souffrance et la mort prenaient le pas sur le triomphe de la science.[3]

La figure rassemble ces deux enjeux. Elle heurte les conventions et rend visibles les limites de l’autorité médicale au moment où la vie commence.

Hygie

Hygie est la seule figure qui soutient directement le regard du spectateur. Son visage, sa posture et sa parure la distinguent du courant. Son vêtement tombe droit et ses bras forment un geste cérémoniel.[1][2]

Dans la tradition grecque, Hygie est la fille d’Asclépios et une déesse de la santé. Le serment hippocratique antique l’invoque avec Asclépios. Son nom a donné des mots liés à l’hygiène. Klimt représente une figure du culte et du mythe.[1]

Le serpent d’Asclépios s’enroule autour de son bras et se penche vers la coupe. Son mouvement contraste avec l’immobilité de la déesse. Les deux attributs permettent de l’identifier.

L’Albertina voit dans le liquide l’eau du Léthé, fleuve de l’oubli associé au royaume des morts. Elle rapproche aussi les yeux fermés du sommeil dans les sanctuaires antiques, où les malades cherchaient la guérison par les rêves. [2] Ces lectures éclairent le lien entre sommeil, guérison et mort.

La phototypie publiée en 1931 dans Gustav Klimt. Eine Nachlese de Max Eisler transmet le détail d’Hygie. Le rouge et l’or distinguent son éclat de celui des corps alentour. [7] Les couleurs des autres zones restent moins bien documentées.

L’expression paraît impassible, fière ou rituelle selon le regard. Hygie représente la santé et reste à distance de la foule. Aucun geste de guérison n’est représenté.

Le serpent, la coupe et le geste

Dans une étude vers 1894, Hygie était assise sur un nuage avec la coupe et le serpent. Dans l’esquisse à l’huile de 1897–1898, sa posture devient plus frontale. Elle porte une couronne de gui et tient ses attributs près du bord inférieur.[3][6]

La figure finale devient plus ornementée. Les photographies et les reproductions montrent que Klimt a remplacé la couronne de laurier antérieure par une coiffure fleurie et ajouté des détails dorés.[3]

La frontalité nette d’Hygie la rapproche de la surface. Derrière elle, les corps se chevauchent dans une atmosphère brumeuse. La déesse prend l’allure d’une icône ou d’une officiante.

Les études examinent les plis et la rotation des mains. La coupe est montrée au spectateur. Le serpent y boit. Le groupe humain ne reçoit aucun remède visible.[9]

La déesse garde toute sa grandeur. La composition demande ce que vaut cet emblème de la médecine lorsque la mortalité reste sous nos yeux.

L’érotisme et la souffrance

Une femme agenouillée, des lutteurs, des corps enlacés et la femme en suspension introduisent la sensualité dans le même espace que l’âge et la mort. Le désir et la mortalité agissent ensemble.[1][3]

Le mélange pouvait sembler déplacé aux contemporains. Une faculté de médecine pouvait admettre la nudité anatomique ou la nudité idéale des allégories. Klimt montre des êtres vulnérables, désirants et absorbés en eux-mêmes, difficiles à ramener à ces conventions.

L’accusation de pessimisme est née de cette tension. La sexualité prolonge la vie et la mort reste présente. La médecine affronte la souffrance, tandis que le tableau laisse la guérison hors champ. Le courant porte ensemble l’extase et la douleur.

Hygie conserve son autorité visuelle et les corps témoignent d’une observation attentive de la physiologie et de la vie intérieure. La toile met surtout en question une représentation triomphale de la médecine.

Plus de deux cents dessins

L’Albertina rattache à La Médecine plus de deux cents dessins réalisés à partir de 1894. Ce nombre reflète l’état du catalogue et peut évoluer. Klimt n’a pas laissé de décompte pour le projet.[2]

Les feuilles vont des premières idées aux dessins de composition et de transfert, en passant par les études de figures. Elles rendent visible la durée du travail. La déesse, la femme en suspension, la femme enceinte, les lutteurs, l’enfant, les vieillards et le squelette ont fait l’objet d’essais distincts.[2][9]

Klimt a parfois multiplié les variantes sur une feuille. Cinq petites études d’un nourrisson endormi explorent de légers changements dans la courbe et le repos du corps. Les lutteurs composent une géométrie de membres imbriqués. Un trait rythmé anime le squelette.[9]

La technique change dans certains dessins tardifs. Un nu masculin assis associé à l’état de 1903 montre à la sanguine un dos recueilli. L’Albertina suggère que l’usage assez fréquent de la sanguine pourrait être lié à la dominante rouge signalée alors dans la toile. [9] La couleur du dessin est connue. Son lien exact avec la palette perdue reste une hypothèse.

Dans l’atelier, le nu de femme enceinte qui a heurté la censure est un problème de poids, de contour et de condition humaine. Les vieillards et les malades sont observés avec attention. Le caractère radical de la composition tient aussi à cette patience.

L’esquisse à l’huile de 1897–1898

Le Musée d’Israël conserve la seule étude à l’huile connue pour l’une des Peintures des Facultés détruites. Ses 74,7 × 54,8 cm sont bien en deçà du format de la toile. Elle témoigne d’une étape importante de la composition.[6]

Au premier plan, en bas, Hygie tient sa coupe et porte une couronne. Au-dessus et à côté d’elle, les figures tournent dans un large tourbillon. Une femme amaigrie et un crâne qui sort d’une draperie sombre rendent la maladie et la mort visibles. La femme nue flotte dans un espace plus théâtral que dans la composition ultérieure.[6]

Les mouvements amples et la lumière dramatique rappellent les plafonds baroques. La frontalité rigide d’Hygie et sa tête cerclée annoncent les formes plus plates et ornementales de la Sécession.[6]

Quand l’esquisse a été présentée aux commissions artistiques en 1898, celles-ci ont demandé à Klimt d’habiller la femme en suspension ou de la remplacer par un homme. Le débat sur la convenance des corps précédait donc le scandale public de 1901.[6]

Klimt a gardé les tensions principales de l’esquisse en recomposant la foule, en accentuant la dissymétrie et en modifiant Hygie. L’huile conservée témoigne de cette phase d’invention.

De l’exposition de 1901 à la toile de 1907

La première présentation publique a eu lieu à la Sécession viennoise en 1901. Principale attraction de l’exposition, la toile était légèrement inclinée dans un dispositif en forme de caisson. Le public pouvait la voir plus directement qu’au plafond prévu.[3]

Klimt a repris la toile après cette présentation. Des photographies documentent un deuxième puis un troisième état en 1903, année où les trois Peintures des Facultés ont été montrées ensemble et cataloguées comme inachevées. Les figures, les ornements et les rapports de valeurs continuaient d’évoluer.[3]

Une héliogravure du Belvédère datée de 1903–1904 correspond pour l’essentiel à l’état présenté en 1903. L’estampe monochrome mesure 88,6 × 61,2 cm et documente une phase de travail.[5]

Des reproductions ultérieures montrent le dernier état, achevé en 1907. Klimt a accru les ornements dorés et modifié la coiffure d’Hygie. La toile a gagné en éclat décoratif tout en conservant la vulnérabilité du flot humain.[3]

1901 correspond à la première présentation controversée, 1903 à un état remanié et exposé, et 1907 à l’achèvement. Les trois dates jalonnent le travail sur une même toile.

Au-delà de la première exposition viennoise

La présentation de 1901 à la Sécession domine la réception de l’œuvre. Le tableau a ensuite rencontré d’autres publics et changé de cadre d’exposition.

En juin 1901, il a figuré à la huitième Exposition internationale d’art au Glaspalast de Munich. Une photographie le montre face à l’entrée, dans un caisson neutre qui l’isole du papier peint à motifs. La Gustav Klimt Database le décrit comme l’attraction majeure de cette présentation.[3]

Le tableau était encore jugé en dehors de son plafond prévu. Encadré, légèrement incliné ou isolé, il pouvait être regardé de face. La foule et Hygie se lisaient autrement que dans un ensemble architectural aperçu au-dessus du public.

Klimt a envoyé La Médecine à Prague en 1903. Plus tard cette année-là, la Sécession viennoise l’a présentée avec La Philosophie et La Jurisprudence. Les trois œuvres étaient annoncées comme inachevées. Elles circulaient et suscitaient des critiques alors que Klimt les remaniait encore.[3]

Les derniers états ont été montrés ensemble à Vienne et à Berlin en 1907. La Médecine avait déjà connu plusieurs vies publiques, de la commande controversée à la pièce maîtresse de la Sécession puis au tableau itinérant. Son dernier état appartient à l’histoire d’un plafond qui n’a jamais été réalisé.

Le scandale de 1901

L’accueil réservé à La Philosophie l’année précédente avait fait du tableau suivant une épreuve pour l’ensemble de la commande. La Médecine a aggravé le conflit, qui a gagné le Parlement.[3]

Plus de vingt députés ont adressé une interpellation au ministre impérial et royal de l’Instruction. Les critiques reprochaient au tableau de manquer aux honneurs dus à l’école de médecine viennoise et de montrer la discipline impuissante devant la maladie et la mort. La nudité, la grossesse et l’érotisme ont aussi suscité une indignation morale.[3]

Le sixième numéro de Ver Sacrum reproduisait des études et une image de la toile. Les autorités l’ont saisi pour atteinte aux bonnes mœurs, notamment en raison du nu de femme enceinte. La censure a étendu le conflit de l’exposition à la circulation des images imprimées.[3]

Les défenseurs de Klimt voyaient dans cette allégorie une expérience humaine plutôt qu’une leçon scolaire. La peinture s’attache à la condition qui rend la médecine nécessaire. Les accomplissements de la faculté restent hors champ.

Les deux camps ont vu qu’Hygie ne présidait à aucun triomphe. Le tableau présente la médecine à travers les souffrances qu’elle rencontre et les limites qu’elle ne peut abolir.

Pourquoi le tableau a troublé les médecins

La communauté médicale viennoise pouvait s’attendre à un hommage. Au XIXe siècle, l’université s’était fait connaître par ses cliniciens, ses chercheurs et ses méthodes d’enseignement. Un plafond officiel pouvait donner corps à cette histoire du progrès.

Klimt a écarté les médecins identifiables, les instruments, les laboratoires et les soins réussis. Le public rencontrait des corps nus sans profession ni rang. Le courant embrassait la vie entière et faisait de chaque spectateur un participant possible.

Hygie appartient à la guérison, mais aussi au rite, au serpent symbolique et à la religion antique. Les lectures de l’Albertina sur le Léthé et le sommeil dans les sanctuaires la rapprochent de l’oubli et de la mort autant que du soin.[2]

Klimt interroge ainsi une définition étroite de la raison. La médecine explique, prévient et guérit de nombreux maux, tandis que la vie humaine demeure vulnérable. La toile donne une dimension monumentale à cette limite.

Le sort de La Médecine

Klimt s’est retiré de la commande universitaire en 1905 et a repris les trois toiles après avoir remboursé les avances. Il a gardé La Médecine jusqu’à son acquisition par Koloman Moser entre 1910 et 1912. Après la mort de Moser, sa famille l’a vendue en 1919, et des mécènes ont permis son entrée à la Galerie autrichienne.[1]

Pendant la Seconde Guerre mondiale, elle a été transportée au château d’Immendorf avec les autres Peintures des Facultés. Le château et les œuvres entreposées ont été détruits dans un incendie en mai 1945. L’université de médecine présente comme une allégation le récit selon lequel des unités SS en retraite auraient mis le feu.[1]

La Médecine appartenait alors à un musée. La Philosophie et La Jurisprudence avaient été confisquées à la famille juive Lederer. Les trois tableaux ont connu le même dépôt et la même destruction après des parcours de propriété différents.

La reconstitution et la façade de la MedUni

En 2005, une reproduction en noir et blanc a été installée au plafond de l’université de Vienne, à l’emplacement prévu. Elle permet de voir la composition à l’échelle de l’architecture tout en signalant l’absence de l’original.[1]

En 2021, Google Arts & Culture et le Belvédère ont produit une remise en couleur numérique à partir de descriptions historiques, de comparaisons avec des œuvres conservées de Klimt, de conseils spécialisés et d’apprentissage automatique. Le détail historique d’Hygie donne une preuve directe pour cette zone. Ailleurs, les couleurs relèvent d’une hypothèse documentée.[4]

Le 13 novembre 2024, la MedUni de Vienne a inauguré une reproduction grand format issue de cette reconstitution sur la façade du bâtiment de recherche Anna Spiegel, sur le site de l’hôpital général. L’allégorie est ainsi visible depuis l’espace public au sein d’une institution médicale en activité.[8]

Cette façade offre une nouvelle présentation à une œuvre dont la destination première était le plafond de la grande salle. Le public peut voir la composition à grande échelle sous la forme déclarée d’une reconstitution.

Le sens de La Médecine

Le courant réunit la naissance, le contact et la vitalité érotique avec la souffrance. Hygie garde son éclat et son attention. Le tableau laisse ouverte la question de ce qu’une seule discipline peut accomplir face au cycle de la vie.

Hygie représente la médecine avec clarté. Les corps derrière elle demeurent soumis au temps. Cette relation entre emblème et pouvoir organise la composition.

L’enfance, la grossesse, la vieillesse et la détresse physique occupent le cœur du décor cérémoniel. Les corps que pourrait écarter une image idéalisée du savoir en deviennent la substance.

Le spectateur occupe une place proche de celle d’un patient. Il rencontre le regard de la déesse de la santé et voit des corps vulnérables. La dignité de la médecine tient ici à sa capacité de faire face à ce qu’elle ne peut définitivement supprimer.

Questions fréquentes

Références

Sources consultées en août 2026.

  1. Medical University of Vienna. Dimensions, composition, provenance, destruction et présentations actuelles. Consulter la source.
  2. Albertina Museum. Dessins associés, Hygie, Léthé, sommeil dans les sanctuaires et groupe humain. Consulter la source.
  3. Gustav Klimt Database. Genèse, états, présentation de 1901, réaction du Parlement, censure et reprises. Consulter la source.
  4. Google Arts & Culture and Belvedere. Indices de couleur et méthode de reconstitution avec l’aide de spécialistes. Consulter la source.
  5. Belvedere, Vienna. Héliogravure de 1903–1904, technique et dimensions. Consulter la source.
  6. The Israel Museum, Jerusalem. Esquisse à l’huile de 1897–1898, dimensions, provenance et examen de 1898. Consulter la source.
  7. Gustav Klimt | Wien 1900 Foundation. Phototypie en couleurs de 1931 représentant Hygie. Consulter la source.
  8. Medical University of Vienna. Inauguration du 13 novembre 2024 et emplacement de la reproduction. Consulter la source.
  9. Albertina Museum. Études de figures, techniques du dessin et rapprochement avec La Philosophie. Consulter la source.

Échanges

Comment la position d’Hygie change-t-elle votre lecture du groupe humain ?