Serpents d’eau I de Gustav Klimt Acheter une reproduction
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par
Tom Gurney, titulaire d’un BSc (Hons), travaille dans le domaine de l’histoire de l’art depuis plus de vingt ans
Publié le 21 août 2026 / Mis à jour le 23 octobre 2026
Courriel : tomgurney1@gmail.com / Téléphone : +44 7429 011000

Les Serpents d’eau I de Gustav Klimt

Deux femmes dérivent dans un monde sous-marin vertical. Leurs corps nus se courbent l’un vers l’autre, leurs yeux se ferment et leurs cheveux se mêlent au courant. L’or, l’argent et des tons métalliques plus froids se déploient sur le parchemin. Des plantes aquatiques, des peaux à motifs et des créatures étranges occupent presque tous les intervalles. En bas à droite, un poisson tourne un œil fixe vers le spectateur.

Le Belvédère intitule cette petite œuvre Freundinnen (Wasserschlangen I), soit Les Amies (Serpents d’eau I), et indique aussi la variante Freundinnen I. La base de données Gustav Klimt emploie Water Snakes I (Parchment). Les mots anglais serpents et snakes traduisent le même terme allemand, tandis que le titre Les Amies attire l’attention sur l’étreinte. Tous ces titres désignent la même œuvre.[1][2]

Klimt associe sur parchemin l’aquarelle, la gouache et le crayon à l’or, à l’argent, au platine et au laiton. La feuille ne mesure que 50 sur 20 cm. Les effets précieux se déploient dans ce format intime.[1]

Klimt commence l’œuvre en 1904 et apporte quelques ajouts en 1907. Deux photographies monochromes documentent des états intermédiaires. Le parchemin, les reprises et l’étreinte permettent de voir comment les corps, le désir et l’ornement marin se mêlent sur une surface resserrée.

L’essentiel

  • ArtisteGustav Klimt
  • Titre de la pageSerpents d’eau I
  • Titre du BelvédèreFreundinnen (Wasserschlangen I), soit Les Amies (Serpents d’eau I)[1]
  • Autres titres institutionnelsFreundinnen I et Water Snakes I (Parchment)[1][2]
  • Date1904, avec quelques ajouts en 1907[1]
  • TechniqueAquarelle, gouache, crayon, or, argent, platine et laiton sur parchemin[1]
  • Dimensions50 × 20 cm[1]
  • SignatureGUSTAV / KLIMT en bas à droite[1]
  • CollectionBelvédère, Vienne
  • Numéro d’inventaire5077[1]
  • Figures principalesDeux créatures aquatiques féminines nues dans une étreinte
  • Dessin apparentéÉtude de deux nus féminins enlacés, au crayon bleu, datée de 1903 et conservée au Leopold Museum[3]
  • Première présentation publiqueExposition Gustav Klimt, Galerie Miethke, Vienne, juillet 1907[2]
  • Présentation documentéeAu 9 août 2026, la notice du Belvédère signalait que l’œuvre n’était pas exposée[1]

Une œuvre aux titres multiples

Le mot allemand Wasserschlangen se traduit en anglais par water snakes ou water serpents. Les deux formes circulent. Le Belvédère l’insère dans le titre Freundinnen (Wasserschlangen I) et donne Freundinnen I comme variante.[1]

Les Amies traduit littéralement Freundinnen, avec une nuance parfois plus familière et moins érotique que l’image. Serpents d’eau évoque les créatures fantastiques et leur milieu marin. Le titre composé du musée laisse entendre à la fois le lien entre les femmes et leur apparence surnaturelle.

Le chiffre I distingue ce parchemin de Serpents d’eau II, un tableau horizontal beaucoup plus grand. Les deux œuvres ont chacune leur histoire. La mention Parchment dans la base de données Klimt précise le support de la première.[2]

Le titre Serpents d’eau I privilégie l’univers aquatique, tandis que Les Amies, retenu par le Belvédère dans son titre composé, met en avant l’étreinte. Les deux titres s’appliquent au même objet.

Un monde vertical aux dimensions d’une miniature

Haut de 50 cm et large de 20, le parchemin a des proportions qui rappellent une page enluminée. Les corps occupent une grande partie de ce champ étroit. Leurs contours demeurent imbriqués au lieu de se détacher comme dans des études de figures isolées.[1]

La verticale tient lieu d’horizon. Les femmes semblent monter, couler ou flotter sur place, sans direction fixe. Les longues chevelures, les végétaux et les bandes ornementales prolongent les corps dans le courant.

Le petit format détermine la manière dont on regarde les nus. Pour observer les visages, les mains, les détails métalliques et le poisson, il faut s’approcher. L’intimité tient à la fois à la scène et à la distance qu’impose l’objet.

L’or, l’argent, le platine et le laiton donnent à la feuille un éclat qui dépasse ses dimensions. La surface s’éclaircit ou prend des tons plus froids selon la lumière, donnant une impression de mouvement sans ouvrir de profondeur.

La hauteur mesure deux fois et demie la largeur, ce qui laisse peu de place à la séparation des deux femmes. Dans ce champ vertical, les têtes, les épaules et les chevelures ondoyantes forment une seule colonne. L’étroitesse du format crée leur proximité.

À distance, la peau claire et le décor métallique se fondent en une forme allongée. De près, les visages, les mains, les mèches, les écailles et les détails marins se détachent. La petite feuille se prête à ces deux distances de lecture.

En bas à droite, la signature se lit sur deux lignes, GUSTAV / KLIMT.[1] Elle appartient à la composition visible et ne suffit pas à dater une étape des reprises. Près du poisson qui regarde vers l’extérieur, elle contribue à retenir le regard en bas, tandis que les figures l’entraînent vers le haut.

Les deux femmes enlacées

Deux créatures féminines nues occupent le centre. L’une se courbe contre l’autre. Leurs têtes se rejoignent, leurs yeux sont fermés et leurs corps se touchent. Les cheveux et l’ornement rendent difficile de déterminer où finit une silhouette et où commence l’autre.[1][2]

L’étreinte organise l’image. Les visages se tournent vers l’intérieur et ferment le groupe au regard extérieur. Au milieu des plantes marines, les deux corps forment un même ensemble vertical.

Les yeux fermés peuvent évoquer le plaisir, le sommeil, le rêve ou le retrait. Le tableau laisse ces états ouverts. Il montre surtout que les femmes se tournent l’une vers l’autre.

Cette attention mutuelle donne à la scène sa charge érotique. Le contact entre les femmes suffit à faire de l’étreinte l’événement de l’image.

Représenter l’intimité entre femmes

La base de données Gustav Klimt décrit les études apparentées comme principalement consacrées à des couples lesbiens et souligne la place centrale de l’étreinte dans l’œuvre achevée.[2] Ce choix de mots reconnaît la portée érotique du contact entre les femmes.

L’image représente une intimité érotique entre femmes. Les noms, les biographies et la manière dont les modèles décrivaient leur sexualité restent inconnus. Une pose d’atelier et une créature mythique fournissent des indices sur la représentation, sans documenter une identité personnelle.

Vers 1900, les nymphes, les sirènes et d’autres êtres imaginaires pouvaient donner une distance à des sujets plus difficiles à représenter dans la vie contemporaine. La fiction sous-marine efface le cadre domestique, les vêtements et les rôles sociaux. Le désir semble exister à l’écart des règles de la ville.

Le refuge reste visible. L’œuvre est faite pour être regardée et le poisson se tourne vers l’extérieur. Klimt donne à voir une relation qui paraît se suffire à elle-même. Cette tension participe à l’érotisme de l’image.

Le contact des deux corps reste au centre de la composition et du monde fantastique qui les entoure. La façon dont chaque spectateur de 1906 ou de 1907 comprenait cette étreinte nous échappe. L’expression « couples lesbiens » décrit l’intimité représentée et le sujet des études.

Cette distinction permet de reconnaître dans l’œuvre une représentation attentive du désir entre femmes, tout en laissant ouvertes l’identité des modèles et les circonstances des séances de pose.

Des créatures aquatiques sans mythe précis

Selon le Belvédère, Klimt appelait ses figures Wasserschlangen ou Nixen. Ce dernier mot peut désigner des ondines, des nymphes aquatiques ou des êtres proches des sirènes. Elles appartiennent à un monde sous-marin fantastique et ne se rattachent à aucun récit antique identifié avec certitude.[1]

Cette liberté permet aux corps de se fondre dans leur milieu. Une déesse nommée appellerait des attributs et un épisode. Les créatures de Klimt flottent, s’enlacent et partagent le courant avec les poissons et les plantes.

Le titre, les formes aquatiques et le couple féminin suffisent à établir le sujet. La scène explore l’intimité des corps dans un monde où la pesanteur et les repères de l’identité humaine s’atténuent.

Les silhouettes allongées et sinueuses rappellent le serpent, tout comme les motifs marins qui les entourent. Les visages, les torses et les bras humains restent visibles dans cette métamorphose.

Un fond marin fait d’ornements

Des algues dorées s’élèvent autour des femmes et des animaux marins stylisés occupent le champ étroit. Des bandes végétales, des motifs d’écailles ou de peau et des formes lumineuses isolées composent le paysage sous-marin.[1][2]

Le fond marin se devine à travers le rythme du décor. L’horizon, la perspective et la source lumineuse restent indéterminés. Les courbes s’infléchissent, les cheveux ondulent et les corps semblent suspendus.

Les corps clairs se détachent de leur environnement métallique, mais leurs contours rejoignent à plusieurs reprises les mouvements de l’ornement. Le décor tient les femmes enlacées autant que le contact physique.

Le Belvédère décrit le monde marin comme un univers mystique.[1] L’étrangeté propre à cette atmosphère symboliste demeure perceptible sans attribuer un sens fixe à chaque écaille, spirale ou feuille.

Le poisson qui nous regarde

Un poisson chatoyant apparaît en bas à droite, l’œil fixe tourné vers nous. Plus petit que les femmes, il trouble pourtant la scène en adressant au spectateur le regard qu’elles lui refusent.[1]

Le poisson contribue à situer la scène sous l’eau. Il rompt aussi l’impression d’un monde entièrement clos. Les deux femmes sont absorbées l’une par l’autre, tandis que le monde peint comporte un témoin.

L’apparence du poisson tient à son anatomie et à la stylisation de Klimt. Son rôle de voyeur, de gardien ou de menace reste ouvert à l’interprétation. Sa place rend son regard difficile à ignorer une fois qu’on l’a remarqué.

L’œil du poisson organise une relation à trois. Les femmes regardent vers l’intérieur, le poisson vers l’extérieur, et le spectateur observe l’ensemble. Cette petite créature devient le point de rencontre entre l’intimité des femmes et le regard du public.

Le parchemin comme support

Le parchemin est une peau animale préparée pour recevoir l’écriture ou la peinture. Ce support distingue d’emblée les Serpents d’eau I des huiles sur toile de Klimt. Sa surface fine et son format de page se prêtent à une combinaison minutieuse de dessin, de couleur translucide et de métal.[1][2]

En 1906, un article de Die Zeit relève la délicatesse des deux femmes et l’effet de voile que le parchemin prête à la composition. Le même texte remarque les peaux de serpent, les animaux marins stylisés et le décor d’or et d’argent.[2]

Ce témoignage restitue une impression ancienne. L’effet de voile décrit ce que le critique perçoit. Il ne renseigne ni sur la transparence matérielle du support ni sur sa résistance ou son état de conservation actuel.

Le parchemin crée aussi un paradoxe tactile. Le monde représenté paraît liquide, alors que son support provient d’une peau. L’eau, le corps et la matière se répondent avant même qu’on interprète les figures.

L’aquarelle, la gouache et le crayon

Les matériaux non métalliques remplissent des fonctions différentes. Le crayon permet de définir les contours et les détails. L’aquarelle produit une couleur transparente ou légèrement voilée. La gouache donne des passages plus opaques et une surface plus dense.[1]

Les effets de ligne et de peinture restent perceptibles côte à côte. Cela convient à une composition où cheveux, plantes et corps se distinguent par endroits et se mêlent ailleurs.

Le Belvédère conserve l’œuvre comme une peinture en technique mixte. Le crayon y côtoie des plages de couleur et des éléments métalliques, même si le support est un parchemin.

Le caractère de l’objet tient à l’interaction de la feuille, du trait, des lavis, des couleurs opaques et des métaux appliqués. La matière s’apprécie de près, à l’échelle du parchemin.

L’or, l’argent, le platine et le laiton

La notice du Belvédère nomme quatre matériaux métalliques, l’or, l’argent, le platine et le laiton.[1] Leur coexistence donne à la surface une variété de tons et de reflets.

L’or peut apporter une lumière chaude et une richesse solennelle. L’argent et le platine donnent des reflets plus froids. Le laiton ajoute un autre métal de teinte jaune, aux propriétés différentes. Seule une observation technique directe permet d’attribuer avec précision chaque passage à un matériau.

La base de données Klimt évoque aussi l’argent, la poudre de bronze doré, la couleur opaque et des applications d’or dans son récit de la fabrication.[2] La liste actuelle du Belvédère reste la référence pour la technique. Le vocabulaire de la base aide à comprendre les différences entre les descriptions anciennes.

L’effet de bijou vient des matériaux documentés sur le parchemin. La notice ne mentionne ni verre de mosaïque, ni nacre, ni émail, ni céramique, autant de matériaux qu’il faut examiner séparément dans les décors architecturaux de Klimt.

Les quatre métaux contribuent à une surface différenciée. Leurs tons chauds ou froids et leurs reflets varient auprès du crayon mat, de l’aquarelle et de la gouache. Ces changements réels à la surface animent le monde sous-marin, dont l’illusion de mouvement passe autant par le matériau que par la peinture.

Une reproduction atténue cette variété. Une zone jaune photographiée peut correspondre à de l’or, du laiton ou un pigment. Une photographie d’archive en gris ne permet pas davantage d’identifier un métal par sa tonalité. La notice apporte donc des informations que l’image seule ne livre pas.

Un premier dessin de 1903

Le Leopold Museum conserve Deux nus féminins enlacés. Étude pour Serpents d’eau I, daté de 1903. Klimt a dessiné cette feuille de 43,5 sur 32,5 cm au crayon bleu sur papier brun. Elle porte le numéro d’inventaire 1342.[3]

L’une des femmes s’agenouille ou se penche vers l’autre. Les yeux fermés, les visages qui se touchent et les corps enlacés annoncent déjà le centre affectif du parchemin. Le dessin est toutefois plus large dans ses proportions et le milieu marin de l’œuvre achevée en est encore absent.

Le trait bleu est inhabituel dans cet ensemble d’études. Il donne aux corps une unité froide et fluide avant que Klimt les entoure d’or, de plantes et de créatures.[3]

La feuille éclaire de près la genèse de l’œuvre. L’échelle, le support, le format et le champ qui entoure les femmes changent entre le dessin et le parchemin.

Ver Sacrum et l’apparition du motif

L’étude de 1903 est reproduite dans le numéro 22 de Ver Sacrum, la revue de la Sécession. Cette publication datée établit que Klimt travaillait déjà sur l’étreinte en 1903, avant la date de 1904 retenue par le Belvédère pour le parchemin.[3]

L’image imprimée diffuse le motif. La feuille originale conserve ses caractéristiques propres, notamment le crayon bleu, le papier brun, les dimensions et sa provenance ultérieure.

Le Leopold Museum compte cette feuille parmi une vingtaine d’études préparatoires connues pour Serpents d’eau I.[3] Le nombre est approximatif. Il correspond à l’ensemble des dessins conservés et catalogués par la recherche.

Cet ensemble témoigne d’un travail prolongé. Les études ont des liens plus ou moins étroits avec le parchemin. Rien n’établit que Klimt ait composé la scène en assemblant des parties du corps déjà fixées sur les feuilles.

De 1904 à l’état de 1907

Le Belvédère date l’œuvre de 1904 et précise que Klimt apporte quelques ajouts en 1907. La base de données Klimt retient également 1904 comme point de départ et indique que le peintre continue à modifier l’œuvre jusqu’en 1907.[1][2]

Ces dates décrivent le parcours d’un seul objet. La surface conservée correspond à l’aboutissement de ses reprises.

Deux photographies en noir et blanc documentent des états intermédiaires.[2] Elles permettent de comparer l’emplacement des formes et leurs rapports de tons, même lorsque des éléments ont été recouverts ou intégrés à la composition finale.

Les photographies ne permettent guère de retrouver la couleur et les reflets de l’or, de l’argent, du platine et du laiton. Deux vues attestent que le travail s’est poursuivi, sans en restituer toutes les étapes.

Le Belvédère qualifie les ajouts de 1907 de mineurs. Cette précision porte sur leur ampleur. Klimt pouvait conserver le groupe principal tout en modifiant ce qui détermine la rencontre des corps, de l’eau et de l’ornement.

La comparaison permet d’établir qu’une forme était présente, absente ou placée autrement à un moment documenté. La teinte, le métal, la transparence et l’ordre des changements entre les prises de vue restent plus incertains. Le parchemin achevé et les deux photographies retracent ainsi une histoire de révision dont certaines étapes échappent au regard.

Une description de 1906 avant la première exposition

En 1906, avant la première présentation publique attestée de juillet 1907, Die Zeit publie un article sur les nouvelles œuvres de Gustav Klimt. Le texte admire les deux femmes aux cheveux dorés qui s’enlacent et le contraste entre la délicatesse du parchemin et la richesse du décor.[2]

Le tableau pouvait donc faire l’objet de discussions dans l’entourage de l’atelier ou parmi les critiques alors que Klimt le retouchait encore. La parution de l’article et l’ouverture de l’exposition constituent deux événements distincts.

Le texte renseigne sur le vocabulaire d’un premier spectateur. Il relève ensemble les corps, la matière et l’ornement, trois dimensions étroitement liées dans l’image.

La réception a ainsi commencé avant l’ouverture de la galerie en juillet 1907. Une œuvre pouvait circuler par les visites à l’atelier, les conversations et les publications avant sa première exposition documentée. Le texte de 1906 appartient à cette histoire.

L’admiration exprimée dans cet article reste celle d’une voix publiée. D’autres contemporains ont pu comprendre autrement les figures, leur sexualité ou l’usage des matériaux précieux.

La Galerie Miethke en 1907

Le parchemin remanié est présenté au public pour la première fois en juillet 1907, lors de l’exposition personnelle de Klimt à la Galerie Miethke. Cette date concorde avec l’année des derniers ajouts indiquée par le musée.[2]

Plus tard en 1907, l’œuvre est présentée en Allemagne par la Galerie Arnold et Paul Cassirer. La base de données Klimt y reconnaît le parchemin remanié déjà montré chez Miethke.[4]

Son petit format facilite le transport. Vienne accueille la première présentation dans une exposition personnelle, puis les galeries allemandes élargissent sa diffusion. Le parchemin est donc déjà entré dans le circuit des expositions lorsque Wittgenstein l’acquiert l’année suivante.

Ces expositions inscrivent la petite feuille viennoise dans un réseau marchand et critique plus large. Ses matériaux et son échelle intime la distinguent des peintures des Facultés et des grandes huiles susceptibles de l’accompagner.

L’année 1904 marque le début du travail sur le parchemin et appartient aussi à l’histoire publique distincte de Serpents d’eau II. La première exposition documentée du parchemin date de 1907.

Deux œuvres distinctes, Serpents d’eau I et II

Le second tableau reprend des figures féminines aquatiques et se développe pendant une période voisine. Serpents d’eau II mesure 80 sur 145 cm et se déploie à l’horizontale. Serpents d’eau I est une feuille verticale de 50 sur 20 cm, réalisée en technique mixte.[2]

La base de données Klimt envisage que la petite œuvre ait été réalisée en préparation de la grande.[2] Le sujet et les dates rendent ce lien plausible. Le parchemin achevé a sa propre signature, ses expositions, son acquéreur et son identité au musée.

La grande toile est présentée inachevée à la Sécession en 1904 et connaît ses propres reprises. Le parchemin est présenté au public pour la première fois en 1907.[2]

Le format vertical du parchemin, les métaux précieux et la concentration de l’étreinte donnent à la petite œuvre sa manière propre de construire un espace sous-marin clos.

Un motif sous-marin dans plusieurs œuvres

Klimt explore les corps féminins dans des cadres aquatiques ou oniriques avant 1904. La base de données Klimt situe Eau en mouvement, Nymphes d’eau (Poissons d’argent), Poissons rouges, Feux follets et Daphné parmi les œuvres qui annoncent les deux Serpents d’eau.[2]

Ce rapprochement témoigne d’un intérêt durable. Les figures flottent, nagent, se transforment ou occupent des profondeurs incertaines selon l’œuvre. Le titre, les matériaux et les rapports entre les corps changent.

Dans Serpents d’eau I, l’étreinte de deux femmes est particulièrement resserrée. Le petit monde vertical suffit à lui donner toute sa place.

Les œuvres apparentées éclairent la continuité du sujet aquatique avant 1904. Le parchemin se distingue par la manière dont il concentre ce sujet autour de l’étreinte.

Karl Wittgenstein et le Belvédère

La provenance publiée par le Belvédère commence à la Galerie Miethke. Karl Wittgenstein acquiert l’œuvre en 1908, l’année où le groupe Klimt organise la Kunstschau. La base de données Klimt situe également l’achat dans le contexte de cette exposition.[1][4]

Wittgenstein est un industriel et un mécène de premier plan. Pour ce parchemin, son achat marque l’entrée dans une collection privée viennoise documentée peu après la première présentation publique.

En 1956, la Galerie autrichienne acquiert le parchemin par l’intermédiaire du marchand d’art viennois L. T. Neumann. L’œuvre appartient aujourd’hui au Belvédère et porte le numéro d’inventaire 5077.[1]

La mention de L. T. Neumann précise le canal d’acquisition attesté en 1956. Les documents nomment les principales étapes et laissent certains intervalles ouverts.

La provenance connue passe ainsi par la Galerie Miethke, Wittgenstein, le commerce de l’art et la collection nationale. Les Serpents d’eau II, en mains privées, ont leur propre parcours.

La présentation au Belvédère

Au 9 août 2026, la notice du Belvédère indiquait que Serpents d’eau I n’était pas exposé.[1] L’œuvre demeure dans la collection.

Les œuvres sur parchemin peuvent passer de la salle aux réserves, à l’atelier de conservation ou à une exposition temporaire. La notice ne précise pas la raison de l’absence en salle.

Le Belvédère conserve la notice détaillée de l’œuvre et met à disposition une image téléchargeable en accès libre.[1]

Le musée publie les informations d’accrochage en vigueur. Le statut indiqué ici correspond à l’état documenté en août 2026.

Comment regarder Serpents d’eau I

Commencez par la largeur. Vingt centimètres laissent peu de place à deux corps et à leur monde sous-marin. Observez comment Klimt donne à la scène un mouvement vertical.

Repérez les visages et suivez les cheveux jusqu’à ce qu’ils se mêlent au courant. Les contours des femmes s’entrelacent. Leur intimité se lit aussi dans ce mouvement décoratif qu’elles partagent.

Comparez les passages métalliques chauds et froids. L’or, l’argent, le platine et le laiton sont documentés, mais la couleur d’une reproduction peut modifier leurs différences apparentes.[1]

Cherchez enfin le poisson en bas à droite. L’œil tourné vers l’extérieur introduit le regard du spectateur dans une scène qui semblait d’abord close sur elle-même.

Un refuge ornemental

La fiction sous-marine suspend les règles ordinaires. Il n’y a ni vêtements, ni mobilier, ni statut social, ni décor urbain. Deux femmes restent absorbées l’une par l’autre, tandis qu’autour d’elles l’eau, les cheveux et les motifs précieux se confondent.

Le titre du Belvédère en fait des amies. L’autre titre en fait des serpents. La relation humaine et le déguisement mythique demeurent perceptibles ensemble.

Les matériaux renforcent cette double présence. Le parchemin rappelle la peau. L’aquarelle et le crayon préservent la délicatesse des figures. Les métaux font varier l’apparence du milieu. Les corps restent sensuels par leur présence et oniriques par la manière dont la surface les dissout.

Klimt place l’intimité entre femmes au centre de l’œuvre et laisse ouvertes les biographies des modèles et la signification morale de la scène. Le désir donne son mouvement à ce petit monde clos.

Questions fréquentes

Références

Sources consultées en août 2026.

  1. Belvédère, Vienne. Freundinnen (Wasserschlangen I). Titres, datation, ajouts de 1907, technique sur parchemin, dimensions, signature, inventaire, description, provenance et présentation. Consulter la source.
  2. Base de données Gustav Klimt. La controverse autour des peintures des Facultés. Motifs aquatiques, étreinte, technique mixte, réception de 1906, photographies des états intermédiaires, reprises, première exposition et distinction avec Serpents d’eau II. Consulter la source.
  3. Leopold Museum, Vienne. Deux nus féminins enlacés. Étude au crayon bleu sur papier brun de 1903, dimensions, inventaire, publication dans Ver Sacrum et ensemble des études connues. Consulter la source.
  4. Base de données Gustav Klimt. Gustav Klimt à son apogée. Expositions allemandes de 1907 et acquisition par Karl Wittgenstein en 1908. Consulter la source.

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