Tragédie

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La Tragédie de Gustav Klimt

Dans ce dessin achevé, une femme aux cheveux sombres nous fait face depuis le centre de la composition. Klimt modèle son visage pâle avec une rigueur qui accentue son expression. Au-dessous apparaît un masque de théâtre aux yeux fixes. Un large col, un titre inscrit, des figures plus claires dans la bordure, un dragon et un épisode antique presque effacé l’entourent. Le dessin fait de la tragédie un rapport entre une présence humaine, une émotion jouée et des signes graphiques.^[1][3][4]

Le Wien Museum conserve l’original sous le numéro d’inventaire 25007 et le date de 1897. Klimt a employé le crayon, la craie noire, la craie blanche et la peinture dorée sur une feuille de 42 sur 30,9 cm. La signature « GVSTAV / KLIMT / 1897 » figure en bas à droite et le mot « TRAGOEDIE » en haut au centre.^[1]

Le titre du musée, « Tragödie » (Vorlage für: Gerlach & Schenk, Allegorien N.F. Nr. 66), précise la fonction de l’œuvre. Ce dessin achevé a servi de modèle au numéro 66 d’Allegorien. Neue Folge. La planche imprimée du portfolio et la reproduction du numéro de mars 1898 de Ver Sacrum ont diffusé la composition. L’original sur papier conserve un jeu de noirs, de blancs et d’or que les reproductions peuvent atténuer.^[1][4]

L’essentiel

• ArtisteGustav Klimt
• Titre au Wien MuseumTragödie, modèle pour la planche 66 d’Allegorien. Neue Folge de Gerlach & Schenk
• Titre anglaisTragedy
• Date1897
• Type d’œuvreDessin achevé servant de modèle pour une publication
• SupportPapier
• TechniqueCrayon, craies noire et blanche et peinture dorée
• Dimensions42 × 30,9 cm
• Signature et dateEn bas à droite, « GVSTAV / KLIMT / 1897 »
• Titre inscrit« TRAGOEDIE », en haut au centre
• Numéro d’inventaire25007
• Numéro de catalogueStrobl/GKZ 340
• Figure centraleNon identifiée
• PublicationModèle original pour la planche 66 d’Allegorien. Neue Folge de Gerlach & Schenk, également reproduit dans Ver Sacrum en mars 1898
• CollectionWien Museum, Vienne
• PrésentationEn août 2026, la notice ne précisait aucune salle. Les œuvres sur papier peuvent être présentées par roulement pour des raisons de conservation^[1][7]

Quel objet le titre Tragédie désigne-t-il ?

L’œuvre porte le numéro d’inventaire 25007 au Wien Museum. Le musée la classe parmi les dessins, la date de 1897 et précise que son support est le papier. La technique associe le crayon, la craie noire, la craie blanche et la peinture dorée. C’est une œuvre graphique originale destinée à la reproduction.^[1]

Certaines reproductions courantes parlent de fusain ou se contentent de la formule « technique mixte ». La notice du musée est plus précise. Elle décrit une peinture dorée, à distinguer de la feuille d’or, du bronze doré et des matériaux métalliques ou des mosaïques que Klimt a employés plus tard dans ses projets architecturaux.

Les dimensions de 42 sur 30,9 cm sont celles de la feuille originale. Une planche imprimée, une page de revue, un montage ou une reproduction commerciale peuvent avoir un format différent. Le cadre rectangulaire tracé dans la composition fait partie du dessin sur papier.

Le musée emploie le terme Reinzeichnung, qui désigne un dessin mis au net. Le terme renseigne sur la fonction du document. La feuille conservée est celle dans laquelle Klimt a arrêté la forme destinée à la reproduction.^[1]

La signature, la date et le titre inscrit

Klimt signe et date le dessin en bas à droite sur trois lignes superposées, « GVSTAV / KLIMT / 1897 ». Le titre « TRAGOEDIE » apparaît en haut au centre. Les deux inscriptions font partie de la composition originale, indépendamment des légendes et des montages du musée.^[1]

Cette graphie rend le mot Tragödie sans tréma, selon un usage de l’époque. Citer « TRAGOEDIE » restitue ce que l’on voit sur la feuille, tandis que la notice emploie la graphie moderne.

Le mot inscrit oriente le regard. Il nomme une abstraction et incite à lire la femme centrale comme autre chose qu’un simple portrait. Le titre et l’image se répondent, tout en laissant ouverte la signification du dragon, du masque et de la bordure.

La date signée fait foi pour le dessin achevé. Une étude apparentée datée de 1897–1898 et les reproductions parues en 1898 ne changent pas la date de l’œuvre 25007. Elles ne prouvent pas davantage que Klimt l’ait retouchée après l’avoir signée.

Le dessin original, la planche et Ver Sacrum

Avec Allegorien. Neue Folge, Martin Gerlach réunit des compositions d’artistes contemporains dans un portfolio destiné à circuler auprès des artistes et des créateurs des arts appliqués. La Tragédie de Klimt fournit la planche 66. Son huile L’Amour remplit une fonction comparable pour la planche 46, avec une technique et une composition différentes.^[2][4]

Selon les recherches de l’Albertina, la première publication de Tragédie a lieu en mars 1898 dans Ver Sacrum, la revue de la Sécession viennoise. L’image prend place dans la culture graphique de la nouvelle association et, grâce au projet de Gerlach, dans un répertoire plus vaste d’allégories modernes.^[4]

La feuille du Wien Museum est le modèle dessiné à la main. La planche de Gerlach et la page de revue diffusent la même composition par l’impression. Une numérisation peut à son tour reproduire l’un ou l’autre de ces objets. Pour établir la présence de craie et de peinture dorée, les dimensions exactes et le lieu de conservation du dessin, il faut revenir à sa notice.

La perspective de l’impression influe sur la conception du dessin. Klimt modèle densément le visage central tout en donnant aux formes qui l’entourent des contours assez nets pour rester expressifs à l’impression. La feuille conserve ainsi la présence d’un dessin unique tout en anticipant la diffusion de son image.

La femme au centre

Une femme de face occupe le cœur sombre de la composition. Son visage pâle se détache de sa chevelure et des ombres qui l’entourent. Son regard direct et l’alignement rigoureux de ses traits donnent l’impression qu’elle se tient devant nous, hors de toute action.^[1][3]

Le titre lui confère une fonction allégorique. Le modèle demeure inconnu et l’identification à Melpomène, muse de la tragédie, reste incertaine. Klimt a plus tard consacré un autre dessin à Thalie et Melpomène. Le thème du théâtre rapproche les deux œuvres sans établir le nom de la femme de la feuille 25007.

Le visage se lit plus clairement que le corps. La tête, le col et le masque attirent l’attention, tandis que la zone sombre du centre absorbe le vêtement et le cadre. Ces éléments laissent ouverte la question d’une tenue de deuil, d’un costume de scène ou d’un personnage précis.

La frontalité change aussi la place du spectateur. La femme regarde hors de la feuille, si bien que l’allégorie prend la forme d’une rencontre. La sévérité des traits est visible, tandis que le sentiment qu’elle exprime reste ouvert à l’interprétation.

Le masque de théâtre

Un autre visage apparaît sous le sien, celui d’un masque de théâtre au regard fixe. Le Wien Museum rattache le masque et le large col de la femme à l’Antiquité. Leurs formes nettes structurent le centre sombre, où le masque introduit l’idée d’une émotion jouée.^[3]

Le rapport entre le visage vivant et le masque demeure ambigu. L’expression de la femme paraît retenue, tandis que le masque fixe l’émotion en un signe immobile. L’un suggère une présence, l’autre un rôle. Ensemble, ils associent la souffrance à sa représentation.

Cette lecture laisse ouverte l’identité du masque. Aucun document ne le rattache à Œdipe, Médée, Cassandre ou à un personnage joué par un acteur viennois identifié. Sa présence relève d’abord du vocabulaire de l’allégorie théâtrale.

Le masque diffère aussi de la figure évoquant Pan dans La Musique, peinte par Klimt en 1895. Dans Tragédie, le masque est un objet de théâtre placé sous la figure centrale. Dans La Musique, une présence grotesque sur le côté contraste avec la concentration de la joueuse de cithare. Chaque œuvre appelle sa propre lecture.

Du volume du col au tracé de la bordure

Le large col confère à la femme une ampleur archaïque, presque cérémonielle. Il s’étend de part et d’autre sous le visage et sépare la tête modelée des formes graphiques plus claires qui l’entourent.^[3]

En périphérie, les corps et les ornements sont davantage définis par le trait. Leurs tons plus légers dessinent une bordure à l’intérieur de la feuille. La craie dense qui modèle le centre laisse place, sur les côtés, à des contours et à des motifs plus pâles.

Ce contraste préserve la présence physique de la femme au milieu d’une composition de plus en plus graphique. Les figures du bord font penser à des signes, à des échos ou à des comparses dont la place dans l’espace demeure indéterminée.

Ces variations se prêtent à la reproduction. Les silhouettes franches, les écarts de tons et les contours linéaires restent perceptibles à l’impression. Le dessin original conserve aussi des nuances entre le crayon, la craie, les rehauts blancs et la peinture dorée que la reproduction peut atténuer.

Le dragon d’inspiration chinoise

Un dragon fait partie du vocabulaire graphique de la bordure. Les chercheurs du Wien Museum le rapprochent de motifs chinois. Ce rapprochement renseigne sur la tradition visuelle dont provient le motif.^[3]

Klimt exploite autant le tracé de la créature que son image. Sa forme sinueuse ou allongée anime la bordure et contraste avec l’immobilité du visage central. L’inspiration chinoise se reconnaît dans un motif que Klimt transforme en élément de composition.

L’objet précis qui a pu servir de modèle reste inconnu, qu’il s’agisse d’un textile, d’une céramique ou d’une estampe. Le dessin ne fixe pas non plus une signification unique au dragon, qu’on pourrait d’emblée associer au mal, au danger, à la féminité ou à la mort.

Le motif prend en partie son sens par son voisinage avec les autres. Le col antique, le masque de théâtre, le dragon d’inspiration chinoise et la scène empruntée à la peinture de vases grecs se retrouvent dans une même composition moderne. Klimt réunit des formes issues de traditions diverses autour de la tragédie.

Héraclès et Cerbère à l’arrière-plan

Dans le catalogue de l’Albertina, Alice Strobl identifie une scène à peine visible, issue de la peinture de vases grecs. Héraclès y lutte avec Cerbère. La scène est si discrète qu’elle échappe facilement au regard lorsqu’il s’attarde sur le visage de la femme et le masque.^[4]

La descente d’Héraclès pour ramener le gardien des Enfers parmi les vivants évoque l’épreuve, le passage d’un monde à l’autre et la mort. Ces rapprochements découlent d’une interprétation de la scène identifiée par Strobl. Le combat constitue un détail de la composition allégorique.

La source reste générale à l’échelle de l’objet. Aucun vase précis n’est identifié. Les contrastes entre le noir et les tons clairs peuvent rappeler les images de la céramique antique tout en participant à une composition graphique moderne.

La petite taille de la scène organise la découverte du dessin. On rencontre d’abord la femme et le masque, avant de repérer le combat antique dans le fond. La tragédie se construit par plans successifs, sans suivre le déroulement d’un récit.

Noir, blanc et or sur papier

Le crayon sert à préparer le dessin et à préciser les détails. La craie noire approfondit les cheveux, le pourtour du visage et le fond central. La craie blanche fait ressortir la peau et certains rehauts. La peinture dorée introduit un autre effet en accrochant la lumière différemment des matériaux secs.^[1]

Ces matériaux donnent à la feuille une richesse qui dépasse celle d’une illustration monochrome. Le noir et le blanc créent des contrastes rigoureux. L’or peut souligner le décor sans créer de profondeur naturaliste. La surface associe le modelé attentif des formes à l’éclat de l’ornement.

La précision des termes permet de distinguer les techniques employées par Klimt. La peinture dorée sur papier diffère de la feuille d’or sur toile et des assemblages de mosaïque, de verre, de nacre ou de plaques métalliques associés aux projets Stoclet et Beethoven.

Les reproductions en couleur peuvent indiquer l’emplacement des touches dorées. Leur éclat actuel reste difficile à apprécier sur une photographie ou un écran. Les études techniques publiées ne permettent pas d’établir l’ordre d’application des matériaux ni leur évolution chimique.

Une étude apparentée, Strobl 341

Le Wien Museum rattache explicitement son dessin d’inventaire 101693 à Tragédie. Le titre de la notice décrit une étude de nu féminin à la coiffure couronnée, accompagnée d’études de tête et de main. Datée de 1897–1898, cette feuille de 47,5 sur 34,2 cm est dessinée aux craies noire et blanche sur papier gris-brun. Elle porte le numéro 341 dans le catalogue Strobl ou GKZ.^[5]

Le support, le format et la technique appartiennent à cette feuille distincte. Sa datation plus large laisse intacte celle du dessin signé 25007, qui reste daté de 1897. Le rapprochement montre que Klimt a travaillé sur des figures et des gestes apparentés. Il laisse ouvertes les questions de l’ordre des traits et d’éventuelles retouches sur le dessin achevé.

Les études de tête et de main montrent aussi comment Klimt pouvait isoler des éléments expressifs avant de les réunir dans une allégorie. Il explorait ainsi les détails séparément, selon une démarche différente du report d’une composition entière.

La notice ne nomme aucun modèle. Ni la coiffure couronnée ni la pose nue ne permettent d’identifier une actrice, une muse ou une femme de l’entourage de Klimt.

Rossetti, l’Antiquité et Beardsley

L’Albertina propose de voir dans Astarte Syriaca de Dante Gabriel Rossetti, peinte en 1877, une source possible pour l’ensemble de la composition. Klimt a pu connaître le tableau par des reproductions. Le rapprochement porte sur la frontalité de la femme et sur la disposition des formes qui l’entourent. Il laisse ouvertes les questions du procédé, du modèle et du symbolisme.^[4]

Rossetti s’inscrit dans un mouvement international qui redonne une présence moderne à des figures archaïques, littéraires et chargées d’une tension psychologique. Klimt a pu puiser dans ces possibilités de composition tout en les associant à d’autres sources antiques et est-asiatiques.

L’Albertina évoque aussi l’exemple graphique d’Aubrey Beardsley dans les débuts de Klimt comme illustrateur de Ver Sacrum. L’économie de trait de Beardsley éclaire le contexte de l’époque. Tragédie se distingue par sa zone centrale densément travaillée à la craie, sa scène antique et sa peinture dorée. Aucune source ne désigne une feuille de Beardsley que Klimt aurait copiée.^[4]

Ces rapprochements éclairent la rencontre de plusieurs traditions. Rossetti, la peinture de vases, les motifs chinois et les arts graphiques contemporains contribuent à expliquer la diversité de la composition. Le sens de l’œuvre reste ouvert au-delà de chacune de ces références.

La première Sécession et l’exposition Klimt de 1903

Les recherches de la base de données Klimt situent Tragédie à la première exposition de la Sécession viennoise, en 1898. Aux côtés d’œuvres exécutées dans d’autres techniques, ce dessin original destiné à la publication participe à la première présentation publique de l’association.^[2]

Klimt a également conçu pour cette exposition une affiche qui a suscité la controverse. L’affiche et l’allégorie sont deux œuvres distinctes. Le dessin, signé en 1897, a été exposé l’année suivante.

Cinq ans plus tard, la même feuille figure dans l’exposition d’ensemble consacrée à Klimt par la Sécession. Le catalogue de l’Albertina identifie l’œuvre sous le numéro GKZ 340 et situe cette dix-huitième exposition du 14 novembre 1903 au 6 janvier 1904.^[6]

Ce second accrochage montre que l’original gardait sa valeur d’exposition après la diffusion du motif par l’imprimé. Le dessin conçu pour la reproduction continuait d’exister comme œuvre unique.

L’acquisition et l’accès à l’œuvre

L’histoire des collections du Wien Museum indique que Tragédie, Junius et Sculpture ont été acquis en 1901 auprès de Gerlach & Schenk. La transaction s’accorde avec le rôle de la maison d’édition dans la publication de ces œuvres. La notice établit l’origine de l’acquisition et sa date.^[7]

La feuille 25007 appartient toujours au Wien Museum. La notice en ligne donne les renseignements du catalogue et permet de voir une image numérique. En août 2026, elle ne précisait pas dans quelle salle la feuille pouvait être vue.^[1]

Les œuvres sur papier sont particulièrement sensibles à la lumière et peuvent être présentées par roulement. La conservation au musée, la consultation en ligne et la présentation en salle constituent trois formes d’accès distinctes. Le musée peut renseigner les visiteurs sur les accrochages et les expositions.

Des rapprochements entre œuvres distinctes

Pallas Athéna offre un exemple ultérieur d’autorité féminine frontale associée à des références antiques, avec sa propre technique à l’huile sur toile, son cadre, son armure, sa Niké et son parcours institutionnel. Nuda Veritas inscrit elle aussi du texte dans l’image et déploie la netteté graphique de la période sécessionniste. Son nu, son miroir, ses inscriptions et sa technique à l’huile lui sont propres.

Le portrait de Josef Lewinsky, réalisé pendant cette même période de transition, montre des accessoires de théâtre et une figure allégorique qui porte un masque. Le rapprochement éclaire le passage du décor de théâtre à des compositions symboliques plus autonomes. Le comédien, le rôle dramatique, la peinture à l’huile et la commande d’un portrait destiné à la reproduction relèvent de l’histoire du portrait de Lewinsky.

La Frise Beethoven réunira plus tard des figures mythiques et symboliques dans une peinture murale aux matériaux variés, intégrée à l’architecture d’une exposition. La feuille de 1897 constitue une œuvre autonome, définie par ses matériaux et par sa fonction de modèle pour Gerlach.

La place de Tragédie dans l’œuvre de Klimt

Le dessin donne une forme visible à la tragédie sans illustrer une intrigue particulière. Un visage vivant et un masque artificiel font ensemble face au spectateur. Un épisode situé aux Enfers se fond dans l’arrière-plan. Des formes antiques, d’inspiration chinoise et issues du graphisme moderne partagent la bordure. L’or accroche la lumière dans une composition dominée par le noir et le blanc.

Klimt met en tension la présence du corps et le signe graphique. La femme semble proche par son visage et son regard. Le titre, le masque, le dragon et la bordure transposent cette présence dans un langage visuel que l’impression peut reproduire.

L’histoire éditoriale de l’œuvre prolonge cette tension. La feuille a été conservée comme dessin achevé, tandis que son motif circulait dans un portfolio et dans la revue de la Sécession. Les expositions de 1898 et de 1903 témoignent de l’intérêt durable porté à l’original après sa reproduction.

Tragédie montre la modernité de Klimt avant ses grands projets monumentaux. Sur une feuille haute de 42 cm, il associe l’observation, le théâtre, l’Antiquité, des ornements de diverses traditions et l’économie du trait. Le titre est établi, tandis que les relations entre les motifs, leurs sources et leurs effets restent ouvertes à la lecture.

Questions fréquentes

Références

Sources consultées en août 2026.

1. Collection en ligne du Wien Museum. Notice de Tragödie. Titre, date de 1897, technique, dimensions, inscriptions, fonction de modèle pour Gerlach & Schenk, inventaire 25007 et Strobl 340. Consulter la source.
2. Base de données Gustav Klimt. Le symbolisme dans l’œuvre de Klimt. Portfolio de Gerlach, évolution symboliste, identification du dessin et première exposition de la Sécession viennoise. Consulter la source.
3. Wien Museum / Google Arts & Culture. Allégories de Klimt de 1882 à 1897. Figure centrale, masque, col, références antiques et dragon d’inspiration chinoise. Consulter la source.
4. Publications numériques de l’Albertina. Projets pour le bâtiment de la Sécession, Allegorien. Neue Folge et Ver Sacrum. Publication de mars 1898, bordure, Héraclès et Cerbère, rapprochement avec Rossetti, graphisme et portfolio Gerlach. Consulter la source.
5. Collection en ligne du Wien Museum. Étude de nu féminin à la coiffure couronnée et études de tête et de main. Inventaire 101693, 1897–1898, craies noire et blanche sur papier gris-brun, dimensions, lien avec Tragédie et Strobl 341. Consulter la source.
6. Publications numériques de l’Albertina. Dix-huitième exposition de la Sécession. Mention de GKZ 340 et dates de l’exposition d’ensemble de 1903–1904. Consulter la source.
7. Wien Museum. Dossier de presse de 2012 sur la collection Klimt. Acquisition de Tragédie, Junius et Sculpture auprès de Gerlach & Schenk en 1901, publication et conservation des œuvres sur papier. Consulter la source.

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