Le Tournesol

Une seule plante avec la présence d’une figure

Dans Le Tournesol, Gustav Klimt peint une seule plante qui domine le jardin. Le Belvédère conserve l’œuvre sous le numéro 10500. Cette toile carrée de 110 cm de côté est datée de 1907–1908, répertoriée comme une huile avec feuille d’or et signée GUSTAV / KLIMT en bas à droite. Le petit capitule couronne une masse de feuilles beaucoup plus vaste. Le Jardin de campagne aux tournesols, plus ancien, réunit de nombreuses plantes dans une composition distincte.^[1]

Une silhouette continue tient ici le centre, même si le vert qui l’entoure est très animé. La plante semble se tenir devant son milieu. Le disque sombre, les feuilles qui s’élargissent en descendant et les petites fleurs lumineuses conduisent d’un sommet étroit à une base évasée. Le jardin fournit à la fois le sujet et le cadre, auxquels Klimt donne des rôles visuels différents.

La Fondation Klimt rapproche cette silhouette des photographies de 1906 où Emilie Flöge porte des robes amples du mouvement de réforme du vêtement. La comparaison porte sur la forme. La plante évoque une figure habillée tout en restant reconnaissable comme tournesol. Les deux impressions peuvent coexister sans qu’il faille identifier un modèle caché.^[2]

Du capitule au sol du jardin

Le capitule paraît très petit à côté des feuilles qui le soutiennent. Son centre sombre interrompt l’étendue verte et la courte couronne jaune marque sa limite. C’est un accent concentré près du bord supérieur, auquel le feuillage donne du poids. L’espace libre au-dessus de la fleur est infime. La plante atteint presque la limite du carré.

Bien qu’il occupe le centre, le tournesol garde un contour irrégulier. Le capitule penche et les feuilles débordent inégalement de chaque côté. Leurs pointes dessinent une ligne brisée. Certaines se recourbent vers l’arrière, d’autres présentent une large surface divisée par une nervure centrale. Le regard descend ainsi de feuille en feuille, au fil des recouvrements.

La tige disparaît sur une grande partie de sa longueur. Les feuilles établissent la hauteur et la continuité de la plante. Un intervalle étroit ou un changement de direction aide par endroits à comprendre comment les parties se rejoignent. Klimt rend la structure intelligible par le rythme et le chevauchement, sans exposer chaque articulation comme le ferait une planche botanique.

Le vert varie constamment. Des passages bleus et violets traversent les grandes feuilles, tandis que des arêtes plus claires font ressortir certaines surfaces. Une même feuille peut paraître lourde et large à un endroit, mince et nettement pliée à un autre. Ces variations distinguent la face visible, le bord retourné et l’ombre entre deux feuilles.

Autour du tournesol, les touches deviennent plus petites et plus nombreuses. Les grandes feuilles restent distinctes sur ce fond serré. Le regard change d’échelle en passant du centre aux côtés, des formes continues à une multitude de petites marques. La proximité des couleurs unit pourtant les deux zones. La plante centrale appartient au même jardin que celui qu’elle domine.

Au bas du tableau, des accents blancs, jaunes, roses, rouges et violets interrompent la masse de feuilles. Leur taille et leur espacement varient. Certains forment des groupes serrés, d’autres se détachent seuls sur le vert. Ils composent un second foyer, plus dispersé que le disque sombre. Entre ces deux points d’attention, les feuilles donnent à la plante la continuité d’un corps.

Aucune bande de ciel, aucun chemin ni aucun bâtiment n’attire le regard ailleurs. Faute d’horizon, on ne peut mesurer la hauteur de la plante par rapport à un lointain. La profondeur se joue localement, dans le recouvrement des feuilles et les fleurs qui avancent devant elles. Le champ reste fermé dans son ensemble. Cette combinaison donne au tournesol à la fois un poids physique et la netteté d’un emblème.

Le métal se trouve surtout autour de la plante

Stefanie Jahn, restauratrice au Belvédère, relève une mise en place au graphite, des feuilles de laiton sous les glacis verts et des paillettes d’or, de platine et de laiton. L’argent de la prairie a noirci par oxydation. Le tournesol et les fleurs immédiatement au-dessous ne portent pas de métal. Le fond blanc transparaît par endroits sous la peinture. La mention technique du catalogue résume ainsi une construction plus variée.^[1]

La répartition du métal aide à comprendre la hiérarchie de l’image. La plante retient le regard par la cohérence de son contour. Les matières métalliques peuvent animer le fond sans lui donner le premier rôle. La forme centrale reste bien délimitée, tandis que l’espace qui l’entoure se divise difficilement en éléments séparés.

Dans une reproduction, de la peinture jaune, un intervalle clair entre les touches et une particule métallique peuvent avoir le même éclat. L’écran permet rarement de les distinguer. L’étude des matériaux aide à situer les accents métalliques. Les grandes feuilles continuent de se lire dans les plis peints, les bords et les recouvrements.

L’exposition Pigment & Pixel, organisée au Belvédère du 20 février au 7 septembre 2025, présentait des images infrarouges du tableau.^[3] Le dessin sous la peinture aide à comprendre la lisibilité des feuilles. La différence entre leurs grandes surfaces et le fond finement divisé était prévue dès la mise en place.

Emilie Flöge et les limites du portrait floral

Le Belvédère rapproche le contour évasé de la plante des photographies de mode prises par Klimt en 1906 avec Emilie Flöge. Le musée rappelle aussi que Ludwig Hevesi a comparé le tournesol à une fée amoureuse.^[4] La comparaison s’appuie sur des formes visibles. Une petite tête surmonte une silhouette qui s’élargit vers le bas, et des feuilles évoquent des plis. Une telle ressemblance ne suffit pas à attribuer un message personnel à chaque détail.

L’analogie avec une figure est plus forte à distance, lorsque le contour entier se saisit presque d’un coup. De près, le vêtement apparent se décompose en feuilles, nervures et replis. Aucune main ne fixe une pose, aucun visage ne donne une expression et aucune attache de robe n’explique les divisions centrales. Les détails gardent leur caractère végétal.

La formule de Hevesi appartient à l’histoire de la réception du tableau. Elle montre qu’un critique contemporain pouvait voir dans la plante davantage qu’un spécimen. L’inclinaison du capitule est visible. La tristesse ou la solitude relèvent de l’interprétation, et les sentiments de Flöge restent inconnus. Le tableau laisse ouverte cette distance entre forme et émotion.

Le rapprochement avec Le Baiser vaut aussi surtout pour la composition. Dans les deux tableaux, une présence centrale resserrée se détache d’une surface enveloppante. Ici, les feuilles distinctes, la tige cachée et les fleurs environnantes entretiennent leurs propres rapports. Ces rapports suffisent à retenir le regard, sans qu’une figure nommée ou un code floral soit nécessaire.

Expositions et reprises sur la même toile

La Fondation Klimt signale Le Tournesol à la Kunstschau de Vienne en 1908, puis à l’exposition internationale de Munich en 1909. La Galerie Miethke l’a également présenté. Ces indications concernent le tableau à la plante unique.^[2] Un sujet de jardin pouvait ainsi intéresser le public sans perspective lointaine ni épisode raconté.

Franz Smola relève qu’en 1908 le tableau était accroché près de portraits. Il voit dans ce voisinage un indice en faveur d’une lecture de la plante comme figure.^[1] L’accrochage appuie la comparaison formelle et laisse ouverte la question d’un portrait au sens propre.

En comparant la toile avec une reproduction en portefeuille de 1912, le Belvédère relève des ajouts modestes vers 1913–1915, dont des fleurs dans le bas et des changements à des feuilles proches du capitule.^[1] L’impression documente un état antérieur de la même toile. La date de publication et celle des retouches correspondent à des événements différents.

Ces changements aident à comprendre le bas du tableau. Les fleurs règlent la rencontre des grandes feuilles et du jardin environnant. Un accent plus clair ou un intervalle déplacé peut modifier cette transition tout en conservant la silhouette principale. L’unité du tableau est compatible avec ces reprises successives.

L’emplacement précis du jardin est moins assuré. Franz Smola estime probable un travail important en atelier. Un jardin de l’Attersee comme lieu d’exécution reste à établir.^[1] Aucun repère sûr n’apparaît sur la toile. Le cadrage rapproche la plante et laisse hors champ l’organisation générale du jardin. L’abondance du motif s’apprécie sans déterminer l’endroit exact où Klimt se serait tenu.

Provenance et legs Parzer

Le Belvédère met aujourd’hui en doute l’ancienne attribution de la toile à la collection de Karl Wittgenstein et relève une confusion probable avec l’œuvre intitulée Tournesols. La notice mentionne Klimt, Heinrich Mayer au plus tard en 1928, Richard Parzer à partir de 1938 et Peter Parzer à partir de 1978. Le passage à Mayer reste imparfaitement documenté.^[1] Le nom de Wittgenstein ne peut donc pas être reporté d’un tableau de jardin à l’autre sur la seule foi d’un titre proche.

Une publication de 1912 qui indique que Klimt possédait le tableau et un retour de la Galerie Miethke en décembre 1916 étayent cette lecture.^[1] La présence d’une toile chez un marchand peut correspondre à une exposition ou à une mise en vente. Un achat demande un justificatif distinct. Une partie de la chaîne de propriété reste ouverte.

Le legs de Peter Parzer a fait entrer Le Tournesol et La Famille au Belvédère en 2012. Dans son bilan publié en janvier 2013, le musée les présente comme faisant partie d’un don de 127 œuvres.^[5] Les mentions anciennes de collection particulière relèvent donc de la provenance antérieure. Le legs documente une entrée en collection sans établir de restitution ou de transfert pendant la guerre.

Voir Le Tournesol au Belvédère

Le 23 octobre 2026, la notice du Belvédère situait l’inventaire 10500 au Belvédère supérieur.^[1] Les prêts, la conservation et les changements d’accrochage peuvent déplacer une œuvre. Le musée donne les informations de présentation en vigueur. L’exposition de 2025 consacrée à la technique est terminée.

On peut alterner entre le contour entier et ses divisions internes. Des fleurs claires du bas, le regard remonte jusqu’au disque sombre. Les grandes feuilles se distinguent alors comme autant de surfaces pliées, à comparer aux petites touches environnantes. La présence du tournesol tient à ce passage entre la silhouette d’ensemble et le détail des feuilles et des fleurs.

Références

1. Belvédère, Le Tournesol, objet 21865, inv. 10500. Notice, essai de Franz Smola, étude de conservation de Stefanie Jahn et recherches de provenance de Monika Mayer et Markus Fellinger. Consultée le 23 octobre 2026. Consulter la source.
2. Fondation Klimt, Gustav Klimt à son apogée. Sections consacrées aux mosaïques florales et aux expositions, avec le rapprochement des robes et les présentations de 1908 et 1909. Consultées le 23 octobre 2026. Consulter la source.
3. Belvédère, Gustav Klimt – Pigment & Pixel. Dates de l’exposition de 2025 et légende de l’image infrarouge de l’inventaire 10500. Consulté le 23 octobre 2026. Consulter la source.
4. Belvédère, via Google Arts & Culture, Le Tournesol. Rapprochement avec les photographies de mode de 1906 et mention de la formule attribuée à Ludwig Hevesi. Consulté le 23 octobre 2026. Consulter la source.
5. Belvédère, via APA-OTS, bilan publié le 11 janvier 2013, avec les indications du musée sur le legs Parzer de 2012. Consulté le 23 octobre 2026. Consulter la source.