L’Amour de Gustav Klimt Acheter une reproduction
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par
Tom Gurney, titulaire d’un BSc (Hons), travaille dans le domaine de l’histoire de l’art depuis plus de vingt ans
Publié le 21 août 2026 / Mis à jour le 23 octobre 2026
Courriel : tomgurney1@gmail.com / Téléphone : +44 7429 011000

À propos de L’Amour

Dans L’Amour de Gustav Klimt, un couple s’enlace au bas d’une toile étroite et verticale. Les fleurs remontent le long d’un bord. Au-dessus des amants, d’autres visages se dégagent de la pénombre, dont ceux d’un enfant et d’un vieillard chauve. Le titre annonce une allégorie de l’intimité. Dans cet espace resserré, la jeunesse côtoie déjà le vieillissement et l’incertitude.[1][4]

Peint en 1895, le tableau appartient au Wien Museum, qui l’intitule « Liebe » (Vorlage für: Gerlach & Schenk, Allegorien N.F. Nr. 46). Ce titre indique à la fois le sujet et la fonction de la toile originale. Klimt a peint cette huile pour servir de modèle à la planche 46 d’Allegorien. Neue Folge, un recueil destiné à diffuser des exemples modernes de compositions allégoriques.[1][3]

Conçu pour être reproduit, L’Amour possède une échelle, une surface, un cadre et une histoire muséale propres. Klimt conserve le modelé qu’il a appris dans sa formation académique, tandis que l’ombre, le décor et les visages inexpliqués brouillent la profondeur. Cette œuvre symboliste de jeunesse est indépendante du Baiser. L’intimité des deux figures prend son sens au contact de ce qui les entoure.[2][7]

En bref

  • ArtisteGustav Klimt
  • Titre au Wien Museum« Liebe » (Vorlage für: Gerlach & Schenk, Allegorien N.F. Nr. 46)
  • Titres anglaisLove et Allegory of Love
  • Date1895
  • Type d’objetPeinture originale réalisée comme modèle pour une publication
  • TechniqueHuile sur toile
  • Dimensions de la peinture62,5 × 46,5 cm
  • Dimensions du cadre79 × 53 × 4 cm
  • InscriptionEn bas à droite, transcrite par le musée « GVSTAV . KLIMT . MDCCCVC »
  • Numéro d’inventaire25005
  • ModèlesLe couple et l’enfant restent anonymes. Johann Mayerbäuerl est nommé sur une étude pour une tête de vieillard.
  • DestinationModèle de la planche 46 d’Allegorien. Neue Folge, chez Gerlach & Schenk
  • CollectionWien Museum, Vienne
  • AccèsEn août 2026, la notice du musée confirmait la présence de l’œuvre dans ses collections, sans indiquer de salle d’exposition.[1]

Identifier L’Amour de Klimt

L’original, inventaire 25005 du Wien Museum, est une huile sur toile de 1895. La surface peinte mesure 62,5 × 46,5 cm et le cadre 79 × 53 × 4 cm. En bas à droite, le musée relève « GVSTAV . KLIMT . MDCCCVC ». Cette suite inhabituelle de chiffres romains est transcrite telle qu’elle figure dans la notice.[1]

Le titre allemand comprend le terme Vorlage, qui désigne ici un original servant de modèle à une autre réalisation. L’huile conservée au musée a fourni la composition de la planche 46 du recueil de Gerlach & Schenk.[1][3]

Les deux séries de mesures décrivent des éléments distincts. La première donne la taille de l’image peinte. La seconde comprend le cadre et sa profondeur. Elle aide à se représenter l’objet tel que le musée le conserve. L’auteur du cadre, son éventuelle présence dès 1895 et la bordure de la planche restent des questions distinctes.

La planche imprimée a son propre support, son procédé de fabrication et ses dimensions. Les photographies, les numérisations et les reproductions commerciales constituent d’autres formes de diffusion. Elles donnent accès à la composition. Pour la technique, les dimensions et le propriétaire du tableau, la notice du musée fait référence.

Le titre anglais Allegory of Love désigne cette même huile. Le Baiser et les autres tableaux d’amants forment des œuvres indépendantes. Le numéro d’inventaire et la destination éditoriale permettent d’identifier précisément L’Amour.[1]

Un tableau conçu pour être reproduit

Les publications de Martin Gerlach mettaient un vaste répertoire visuel à la disposition des artistes, des architectes et des praticiens des arts appliqués. Après Allegorien und Embleme, Allegorien. Neue Folge proposait des compositions originales d’artistes contemporains accompagnées de textes explicatifs. Klimt a fourni quatre sujets, L’Amour, Junius, La Sculpture et La Tragédie.[2][3]

Ces recueils reliaient la peinture aux arts appliqués. L’artiste achevait une composition originale et l’éditeur en multipliait les exemplaires. Le modèle de Klimt avait ainsi deux publics, celui qui pouvait voir l’huile et celui qui consultait le recueil imprimé.

Cette double destination éclaire l’organisation du tableau. Le groupe central, la verticale et les motifs qui l’entourent restent lisibles dans la reproduction. Sur la toile, les passages de la chair chaude à l’ombre et des têtes modelées aux fleurs décoratives dépendent des rapports entre les touches. L’impression les transpose avec ses propres moyens.

Le titre du musée rattache la toile à son usage dès sa conception. Klimt a réalisé un tableau autonome dont la composition devait être reprise dans le recueil.[1]

Le couple enlacé

Le jeune homme s’incline et rapproche son visage de celui de la femme. Elle accueille ou prolonge son geste au milieu des bras, des épaules, des cheveux et des vêtements qui resserrent l’étreinte. Le couple occupe un espace peu profond. Peu d’éléments situent la rencontre ou tiennent le spectateur à distance.[1][4]

Le lien physique est plus clair que le récit. Le titre et l’étreinte établissent l’intimité du couple. L’expression des visages peut suggérer le désir, l’absorption ou la tendresse. Leur identité, leur statut et l’occasion de la rencontre restent indéterminés.

La courbe du corps de l’homme peut sembler protectrice. Elle referme aussi l’espace autour de la femme. Elle lève le visage, lui baisse le sien. La proximité des figures coexiste avec une dissymétrie qui laisse ouverte la lecture de leur relation.

Aucune source sûre ne nomme les modèles des deux amants. Une identification avec Emilie Flöge ou une autre proche de Klimt ferait d’une composition allégorique un témoignage biographique sans appui documentaire.

Les visages au-dessus des amants

La partie supérieure ouvre l’étreinte sur d’autres présences. Des têtes sortent de l’ombre. Au centre apparaît un enfant, entouré de visages plus âgés. Le Wien Museum décrit ces présences comme menaçantes et y voit un contrepoint mélancolique au bonheur du couple. Les recherches de l’Albertina rattachent les études de l’enfant et du vieillard aux âges de la vie.[4][7]

L’ensemble invite à lire le tableau à travers le temps. L’amour de la jeunesse se tient sous l’enfance, l’âge mûr et la vieillesse, comme pris dans une même existence. Les visages émergent à des degrés divers de la pénombre et se laissent moins aisément situer les uns par rapport aux autres que les corps enlacés.

L’étreinte paraît immédiate parce que les corps se touchent. Les visages du haut ont quelque chose de visionnaire parce qu’ils émergent sans décor commun. Ce caractère tient à la peinture. L’idée d’un rêve, d’un souvenir ou d’un événement surnaturel demeure une interprétation.

Le visage âgé rappelle que la jeunesse change, tandis que la pénombre peut donner à l’intimité un caractère passager. La possibilité d’une perte vient de ce voisinage particulier entre l’étreinte et les autres âges de la vie.

Les fleurs au bord de la toile

Une gerbe verticale anime le fond sombre et y apporte de la couleur. Le Wien Museum relève la présence de fleurs parmi les motifs visibles. Sa notice laisse ouvertes leur identification botanique et leur portée symbolique.[1]

Leur place est plus facile à décrire que leur espèce. Les fleurs composent une bordure, répondent à la montée des visages et équilibrent le groupe du bas par des formes végétales. Leur floraison peut évoquer la croissance et l’abondance. La toile laisse chacun libre d’y lire la fécondité, la fidélité ou le deuil.

Le décor commence à jouer un rôle dans la construction du tableau. Les fleurs appartiennent à un espace resserré où la plante, la bordure et la couleur s’articulent. Leur fonction dépasse celle d’un ornement que l’on pourrait isoler de la scène.

Le musée indique une huile sur toile. Les nuances jaunes et dorées relèvent de l’effet coloré. La feuille d’or et les autres métaux appliqués appartiennent à l’histoire matérielle d’œuvres plus tardives de Klimt.[1]

Ombre, lumière et espace resserré

Le modelé des visages et des corps conserve le volume du couple. Autour de lui, les repères spatiaux s’effacent. L’ombre absorbe les transitions, les têtes émergent sans corps entièrement décrits et les fleurs organisent la surface autant qu’elles représentent des végétaux.[2][7]

Cette instabilité éloigne L’Amour des allégories académiques dont personnages, attributs et décor composent un programme facile à déchiffrer. Le titre donne le sujet. Un couple l’incarne par son geste sous le regard d’autres âges de la vie.

La lumière hiérarchise les motifs. Elle donne une présence physique à la rencontre et détache certains visages du haut. Le lien entre eux reste incertain. L’œil passe d’un degré de visibilité à un autre au lieu de mesurer une profondeur régulière.

La notice ne classe pas le tableau comme inachevé. L’obscurité à elle seule ne suffit à établir ni une altération ni une scène nocturne. La pénombre permet aux corps modelés et aux présences symboliques de partager le même espace.

Deux études identifiées

Deux feuilles de l’Albertina montrent Klimt en train d’étudier séparément des têtes qui rejoindront le groupe supérieur. Les notices identifient précisément les feuilles et leur rapport à la toile. Ce lien documenté distingue ces deux œuvres des dessins simplement apparentés.[4][5][6]

La feuille d’inventaire 36561 est une étude d’enfant en buste de 1895. Klimt a utilisé le crayon rehaussé de blanc sur papier d’emballage. La feuille mesure 44,4 × 31 cm et porte le numéro 261 dans les catalogues GKZ et Strobl. L’Albertina la relie à l’enfant au centre supérieur de l’allégorie.[5]

Les hachures donnent du volume à la tête. Les rehauts blancs font surgir la lumière sur le papier teinté. La feuille explore un visage à part. Le papier d’emballage, le crayon et les accents blancs décrivent la technique du dessin.

L’inventaire 32516 correspond à une étude de vieillard chauve de 1895, répertoriée sous le numéro 260 dans les catalogues GKZ et Strobl. Elle mesure 43 × 31,2 cm. Klimt a utilisé le crayon et la craie noire rehaussés de blanc sur papier. Une inscription nomme Johann Mayerbäuerl et indique une adresse.[6]

L’inscription identifie le modèle de l’étude. La figure qu’elle a inspirée prend place dans une allégorie. Rien n’établit que Mayerbäuerl représente l’amant ou un membre de sa famille, ni que Klimt souhaitait le faire reconnaître.

Les deux feuilles montrent comment l’observation se transforme. Klimt a étudié les traits propres à différents âges avant de déplacer les têtes dans une pénombre où elles évoquent le passage du temps. Leur rapport au tableau laisse ouvertes la méthode de transfert et la séquence d’exécution de la toile.

De l’allégorie académique au symbolisme

Les commandes de Gerlach arrivent à un tournant de la carrière de Klimt. Sa maîtrise s’était affirmée dans le décor de théâtre, le portrait et les commandes allégoriques. Au milieu des années 1890, ses figures gardent leur modelé, tandis que leurs alentours s’écartent de la perspective et du récit conventionnels.[2]

La Gustav Klimt Database et l’Albertina rapprochent cette évolution du symbolisme international, notamment de Fernand Khnopff et de Jan Toorop. Ces artistes montraient comment une figure pouvait évoquer un état intérieur, le désir ou l’incertitude par un espace resserré et des alentours ambigus.[2][3]

Ce rapprochement situe Klimt dans un contexte artistique. Les recherches ne désignent aucune œuvre précise de Khnopff ou de Toorop comme modèle de L’Amour. On retrouve chez ces peintres une façon de mêler des figures saisissantes à des formes dont les relations se ressentent avant de s’expliquer.

L’observation rigoureuse des études et le volume des deux corps témoignent de la continuité de son savoir-faire. La nouveauté vient de l’organisation du tableau, des intervalles sombres, de la profondeur incertaine et de la bordure de fleurs.

La réception au Künstlerhaus en 1896

Les compositions pour Gerlach ont été présentées au Künstlerhaus de Vienne en 1896. Un commentaire d’époque conservé par la Gustav Klimt Database jugeait cet Amour « mystique » étrange mais réussi et prévoyait à la fois des applaudissements et des objections. Il saisit un moment d’incertitude avant les controverses publiques de la décennie suivante.[2]

L’accueil signale un changement dans les attentes du public. Les spectateurs pouvaient reconnaître l’habileté du peintre tout en peinant à déchiffrer une allégorie à l’atmosphère et aux émotions ambiguës. La polémique institutionnelle des Peintures des Facultés appartient à un autre épisode.

Le mot « mystique » renseigne sur la réception du tableau. Toute association avec une école occultiste précise ou une doctrine secrète demanderait d’autres preuves. Le titre et la destination éditoriale constituent les seuls éléments d’un programme explicite.

La prévision d’un accueil partagé fait place à la curiosité autant qu’à la résistance. L’évolution de Klimt retenait l’attention parce que sa maîtrise restait visible dans cette nouvelle manière de construire une allégorie.

L’Amour et Le Baiser

Les deux tableaux explorent l’espace fermé que forme une étreinte et la manière dont les motifs décoratifs en changent la perception. Leur format, leur matière et leur destination les distinguent.

L’huile verticale de 1895 était destinée à une publication. Les amants sont surmontés de visages de différents âges et bordés de fleurs. Plus d’une décennie après, Le Baiser a pris la forme d’un grand carré pour l’exposition, avec de l’huile, de l’or et de l’argent et des vêtements couverts de motifs serrés.

Les têtes de L’Amour diffèrent aussi du groupe de neuf personnes de La Mort et la Vie. Klimt revient sur l’intimité, le vieillissement et la mortalité dans plusieurs compositions indépendantes.

Une allégorie antérieure telle que La Fable aide à situer cette évolution. La singularité de L’Amour tient à une étreinte directe, plongée dans une atmosphère qui rend sensibles le temps et la menace sans leur donner d’incarnation définitive.

Collection et accès

L’huile originale appartient au Wien Museum sous le numéro d’inventaire 25005. La notice donne le titre, la date, la catégorie, la technique, les dimensions, l’inscription et les renvois aux catalogues. Les premières étapes de la provenance et de l’acquisition n’y sont pas entièrement détaillées.[1]

La publication chez Gerlach documente la diffusion de la composition. Elle laisse ouvertes la question de la propriété de l’huile à l’époque et celle de sa transmission au musée. Les transferts subis par d’autres œuvres de Klimt sous le régime nazi relèvent de leurs propres dossiers de provenance.

Une publication du Wien Museum indiquait en 2012 que L’Amour figurait habituellement dans la collection permanente. La notice consultée en août 2026 ne précisait ni salle ni statut d’exposition. Les deux documents décrivent des situations à des dates différentes.[8]

Pour préparer une visite, le musée peut confirmer l’accrochage. Sa collection en ligne donne accès à la notice de l’œuvre même lorsque la toile se trouve en réserve.

La portée de L’Amour

L’étreinte absorbe le couple. Les fleurs et les visages sans corps interrompent cette concentration. L’intimité occupe le centre du tableau et paraît en même temps fragile.

Le tableau montre Klimt en pleine évolution avant les œuvres qui ont fait sa renommée. L’huile, les ombres, l’observation des têtes et l’espace resserré suffisent à donner une ambiguïté spatiale et psychologique à un sujet académique.

La destination éditoriale accentue cet effet. L’image devait circuler comme exemple d’allégorie. Son titre donne un sujet simple. Sa composition demande ce que devient l’amour lorsque l’enfance, la vieillesse et la pénombre restent si proches.

La question passe par les rapports entre les motifs. Un corps se penche vers un autre, un enfant apparaît au-dessus, un visage âgé nous regarde et les fleurs montent dans le noir. L’intimité du geste coexiste avec la beauté et l’inquiétude de ce qui l’entoure.

Questions fréquentes

Références

Sources consultées en août 2026.

  1. Wien Museum, Online Collection. Notice de Liebe, titre, date, technique, dimensions, inscription, inventaire 25005 et rôle éditorial. Consulter la source.
  2. Gustav Klimt Database. Le recueil de Gerlach, le symbolisme, Khnopff et Toorop et la réception au Künstlerhaus en 1896. Consulter la source.
  3. Albertina, Digital Publications. Fonction et structure des recueils de Gerlach, contributions de Klimt et études associées. Consulter la source.
  4. Albertina / Google Arts & Culture. Études de l’enfant et du vieillard, techniques et interprétation des âges de la vie. Consulter la source.
  5. Albertina, Collection Online. Notice de l’étude d’enfant, inventaire 36561, technique, support et dimensions. Consulter la source.
  6. Albertina, Collection Online. Notice de l’étude de vieillard, inventaire 32516, technique, dimensions et inscription Mayerbäuerl. Consulter la source.
  7. Wien Museum / Google Arts & Culture. Les allégories de 1882 à 1897, le couple, les fleurs et les âges de la vie. Consulter la source.
  8. Wien Museum. Dossier de presse de 2012 sur la collection et l’accrochage à cette date. Consulter la source.

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