La Chute d’Icare

Une figure blanche semble descendre en flottant le long d’une colonne noire oblique dans The Fall of Icarus (La Chute d’Icare) d’Henri Matisse. Un bleu profond s’étend de chaque côté. Des éclats jaunes dentelés l’interrompent, et une forme rouge barre la poitrine de la figure. Le titre rappelle le récit grec du jeune homme qui vola trop près du soleil et tomba lorsque ses ailes cédèrent. Pourtant, cette figure en papier découpé ne présente ni ailes visibles, ni mer, ni horizon. Matisse laisse la couleur et la direction porter le drame dans cette œuvre de 1943. ^{[1] [2]}

Qu’est-ce qui donne l’impression que la figure tombe ?

Le corps s’allonge en diagonale, un bras projeté vers l’extérieur et les jambes s’effilant vers le bord inférieur. Sa forme blanche se détache vivement de la bande noire au-dessous. Cette bande s’incline à travers le centre au lieu de constituer un sol stable. Le bleu reste visible des deux côtés, et le corps paraît suspendu dans un passage à travers l’espace. Rien ne montre l’instant exact où le vol devient chute. La figure peut sembler flotter un moment avant que son entraînement vers le bas ne devienne clair. ^[1]

Les éclats jaunes se trouvent à différentes hauteurs autour de la figure. Leurs bords pointus contrastent avec les longues courbes lisses des membres blancs. On peut d’abord y lire des soleils ou des étoiles dans un ciel sombre. La découpe rouge sur le torse introduit une note plus vive, plus corporelle : elle pointe vers le bas et l’intérieur, tandis que les membres s’ouvrent vers l’extérieur. Ces quelques couleurs rendent le mouvement facile à saisir à distance, tout en laissant la cause et le sens de la chute ouverts à l’interprétation. ^[1]

L’œuvre fut réalisée avec du papier peint à la gouache que Matisse découpa et disposa avec des épingles. L’exposition du Centre Pompidou et du Grand Palais de 2026 décrit des épingles encore présentes dans cet original, aujourd’hui en collection particulière. Elles rappellent que l’image commença comme un ensemble de pièces mobiles, et non comme des contours peints sur une toile continue. L’exposition donne les dimensions de 36 × 26,5 centimètres : une petite feuille capable de suggérer un ciel vaste et instable. ^[1]

Que nous apprennent les épingles conservées ?

Les épingles ont ici une importance particulière, car le Centre Pompidou et le Grand Palais identifient cette œuvre comme l’un des rares papiers découpés qui les conservent encore. Une forme épinglée pouvait être déplacée pendant que Matisse éprouvait sa relation avec les autres pièces. Le corps blanc, la diagonale noire et les éclats jaunes témoignent donc d’un arrangement construit par le placement, plutôt que d’une image dessinée une fois pour toutes dans un contour fixe. Les épingles ne révèlent pas l’ordre de chaque modification, et il ne faut pas traiter l’œuvre conservée comme une esquisse inachevée simplement parce que ses attaches restent visibles. Elles aident à imaginer les décisions matérielles derrière son apparente absence de poids. ^[1]

Ce fait matériel rend la scène plus aiguë. Le corps qui tombe semble bouger, mais chaque fragment est maintenu en place sur une petite feuille. Ses membres touchent presque le passage noir sans se fondre en lui, tandis que les intervalles bleus de chaque côté laissent la figure exposée. Regarder de près les espaces autour des pièces de papier déplace la question : non plus « qu’est-il arrivé à Icare ? », mais « comment quelques formes séparées peuvent-elles maintenir un corps en plein air ? ». L’instabilité appartient au sujet autant qu’à la manière dont la composition fut assemblée. ^[1]

Est-ce l’Icare de Jazz ?

Matisse revint à Icare pour son livre illustré Jazz, mais sa planche VIII utilise une autre composition. Dans l’estampe de 1947 répertoriée par la National Gallery of Art, la figure est noire sur un champ bleu, avec un petit cercle rouge sur la poitrine et des formes jaunes étoilées à proximité. La page montrée ici présente au contraire un corps blanc sur une longue colonne noire et une marque rouge plus grande. L’exposition de 2026 distingue explicitement les deux compositions. ^{[1] [3]}

Les objets matériels diffèrent aussi. La liste du MoMA de 2014 décrit La Chute d’Icare, en collection particulière, comme une œuvre découpée et collée de 1943, avec des épingles. Une entrée séparée identifie Icare, la maquette en papier découpé pour la planche VIII de Jazz, dans la collection du Centre Pompidou. Cette maquette mena au pochoir, ou estampe réalisée au moyen de caches découpés, de 1947. Un mythe partagé et des signes visuels apparentés ne rendent pas interchangeables la Chute de 1943, la maquette de Jazz et la planche imprimée. ^{[2] [3]}

Pourquoi les formes jaunes peuvent-elles paraître menaçantes ?

L’exposition du Centre Pompidou et du Grand Palais rapporte la lecture de Louis Aragon, qui voyait dans les taches jaunes des obus éclatant et dans la figure un aviateur abattu. Cette interprétation place l’œuvre dans les ténèbres de la Seconde Guerre mondiale, pendant laquelle elle fut réalisée. Les formes pointues et la marque rouge sur la poitrine permettent cette lecture, tandis que le titre mythologique invite toujours à voir des étoiles, la lumière du soleil et le récit antique d’un vol désastreux. L’image maintient ces possibilités ensemble ; elle n’a pas à être réduite à un seul message codé. ^[1]

Sa première destination prévue compte également. Le récit du Centre Pompidou décrit Matisse réalisant La Chute d’Icare pour le frontispice d’un numéro de la revue d’art Verve. L’exposition de 2026 relie la reproduction envisagée au numéro de 1945. Matisse s’appuya sur une étude antérieure de rideau de ballet en développant la figure en papier découpé. La composition appartient donc aux expériences de corps en mouvement et de pages illustrées qui entouraient Jazz, tout en conservant son image et son histoire propres. ^{[1] [4]}