Zulma

Zulma d’Henri Matisse est une figure debout et une pièce assemblées à partir de papier peint et découpé. Une forme bleue extérieure donne au corps son étendue, tandis qu’une longue forme de couleur chaude descend en son centre. Une tête sombre arrondie, une table oblique portant un bouquet pâle et une forme violette évoquant un vase à droite rendent la scène reconnaissable. Pourtant, chaque partie conserve le fait direct de sa couleur et de son bord découpé. La figure se tient dans une pièce sans être modelée comme un nu peint à l’huile. ^{[1] [2]}

Réalisée au début de 1950, Zulma dépasse deux mètres de haut. Sa taille donne au personnage de papier une présence corporelle qu’une petite reproduction peut masquer. L’œuvre appartient au SMK – National Gallery of Denmark, à Copenhague, qui indique de la gouache sur papier et des dimensions de 238 × 133 centimètres. L’exposition des papiers découpés du MoMA de 2014 la décrit plus complètement comme du papier peint à la gouache, découpé et collé. Cette distinction matérielle est centrale : c’est une composition originale de formes en papier, et non une planche imprimée du livre antérieur Jazz. ^{[1] [3]}

Que voit-on dans Zulma ?

La figure fait face au spectateur, ses larges côtés bleus et ses mains tendues entourant un centre jaune-orange plus étroit. Des cheveux noirs forment une simple calotte en haut. L’étroite bande chaude traverse le visage puis descend le corps, interrompant toute lecture aisée de peau ou de vêtement. De fines courbes dessinées et de petites marques suggèrent des parties du torse et des jambes, mais ne ramènent pas le papier à un modelé peint conventionnel. Le corps est lisible par les rapports de ses grands morceaux et des espaces entre eux. ^{[1] [2]}

Le cadre compte presque autant. À gauche, une table brune s’étend en diagonale sous un bouquet pâle ramifié dans un vase bleu étroit. À droite, une forme violette évoquant un vase s’élève au-dessus d’un plan horizontal jaune. Des zones roses, vertes et jaunes se rencontrent autour de la figure, tandis qu’une bande brune étroite longe le bas. Ces grandes zones indiquent où la figure pourrait se tenir, tout en résistant à la profondeur stable d’un intérieur ordinaire. Dans l’audioguide du MoMA, la conservatrice Jodi Hauptman distingue la table oblique pour le sentiment d’espace exceptionnellement précis qu’elle crée parmi les papiers découpés de cette exposition. C’est une observation utile à éprouver en regardant : retirez mentalement la table, et la figure bleue pourra sembler flotter plus librement parmi les couleurs. ^[2]

Le bouquet gauche est à la fois un objet dans la pièce et un exercice de ligne. Ses feuilles pâles portent des marques dessinées, donnant à leur intérieur une texture différente de celle des grands morceaux plats. Une fine ligne peut suggérer la croissance dans une feuille, tandis qu’un bord découpé donne au groupe son contour. En face, la forme violette évoquant un vase est plus simple et plus solide. Les deux ne se reflètent pas. Elles équilibrent la haute figure centrale par des détails de types différents, aidant la scène de papiers séparés à tenir ensemble. ^[1]

Comment fut-elle réalisée ?

Dans la pratique tardive de Matisse, des feuilles de papier étaient peintes à la gouache puis découpées en formes que l’on pouvait essayer à différentes positions. Des assistants d’atelier aidaient à préparer les feuilles et à placer les formes sur les murs sous sa direction. Le processus ne faisait pas de chaque papier découpé un unique instant d’inspiration, ni des assistants une main-d’œuvre invisible. Une figure pouvait arriver tôt dans un arrangement et d’autres morceaux être déplacés autour d’elle à mesure que l’espace se développait. ^{[4] [5]}

Pour Zulma, il existe un récit plus particulier. Le Grand Palais conserve le souvenir de l’assistante Paule Caen-Martin : Matisse commença par la figure bleue centrale pendant l’absence de Lydia Delectorskaya. Des formes vertes et jaunes suivirent, puis un morceau vertical de couleur chaude et des marques dessinées ; la table, le vase, le sol et d’autres détails furent élaborés le lendemain. Son souvenir donne à la composition visible une suite de travail, tout en restant un témoignage plutôt qu’un schéma mécanique de chaque couche. Il montre aussi comment une figure en papier découpé pouvait susciter la pièce autour d’elle, au lieu d’arriver comme dernière addition à un fond entièrement prévu. ^[5]

L’œuvre réunit donc découpe et dessin. Le bord du corps bleu peut décrire d’un seul élan une épaule ou un bras, tandis que les marques dans la forme jaune précisent des parties anatomiques qu’un bord seul laisserait ouvertes. Papier, gouache et ligne accomplissent des tâches différentes. Matisse pouvait déplacer une forme découpée et voir changer toute la figure ; il pouvait ajouter une marque dessinée et préciser une lecture locale sans reconstruire la silhouette. Le spectateur peut suivre ces deux types de décisions dans la surface achevée. ^{[1] [5]}

Pourquoi évoque-t-elle une peinture d’intérieur ?

Beaucoup de papiers découpés tardifs déploient des formes sur un champ ou autour d’un mur avec peu d’espace intérieur conventionnel. Zulma conserve un sujet plus ancien de Matisse : une figure parmi meubles, plantes et grandes zones de couleur. Le commentaire audio du MoMA décrit son rapport étroit avec une peinture de chevalet. Le papier reste visiblement découpé et assemblé, mais la table oblique et le sol invitent le regard à placer les choses devant ou à côté les unes des autres. L’œuvre n’est ni un retour à la peinture à l’huile ni un abandon de la pièce. Elle éprouve ce qu’une pièce peut devenir lorsque ses parties sont découpées dans la couleur. ^[2]

Le SMK compare ce rapport de couleur et de contour au Portrait de Madame Matisse (La Raie verte) de 1905, aussi dans sa collection. Quarante-cinq ans et des matériaux différents séparent les deux œuvres. Dans le portrait, une bande verte divise le visage peint et aide à organiser les couleurs voisines ; dans Zulma, une longue forme chaude et une silhouette bleue font la figure à partir de morceaux de papier coloré. Aucune des deux ne repose sur une description normale de la peau. La comparaison révèle une question que Matisse ne cessait de poser autrement : comment une forme colorée peut-elle rendre une personne présente tout en restant visiblement une forme colorée ? ^[1]

Le nom Zulma n’identifie pas à lui seul un modèle documenté, et il ne faut pas transformer l’œuvre en portrait biographique sans preuve. Le SMK qualifie son sujet de nu dans un intérieur, thème récurrent dans la peinture et la sculpture de Matisse. Ici, ce thème est devenu un arrangement presque à hauteur humaine. La position directement frontale de la figure peut donner au spectateur l’impression qu’elle s’adresse à lui, tandis que le sol et les tables obliques rappellent la scène construite autour d’elle. Pour les circonstances du travail tardif de l’artiste, la biographie apporte le récit plus large ; le guide des papiers découpés suit la technique à travers différents sujets et échelles. ^[1]