American Collectors (Fred and Marcia Weisman)

Deux personnes se tiennent parmi des sculptures devant une maison moderne de Los Angeles. Le jardin offre de l’espace, du soleil et des œuvres coûteuses. David Hockney donne pourtant à la rencontre une solennité inhabituelle. Fred Weisman se tient de profil vers la gauche, tandis que Marcia, plus près du centre, regarde vers l’extérieur du tableau. Entre eux et autour d’eux, les sculptures disputent l’attention aux figures vivantes. Peint à l’acrylique en 1968, American Collectors (Fred and Marcia Weisman) appartient à l’Art Institute of Chicago. Avec environ 2,1 mètres de haut sur 3 de large, le tableau donne une dimension publique à cette rencontre apparemment privée. ^[1]

Hockney expliquait que le portrait englobait le cadre autant que les visages. Il citait des sculptures de William Turnbull et de Henry Moore. Selon sa formule, « les objets autour des figures font partie d’elles ». Les relations entre les personnes et leurs possessions sont donc au cœur du tableau. Il s’agit de les observer sans supposer qu’une pose embarrassée révèle toute une vie privée. ^[2]

Les collectionneurs derrière le titre

Frederick et Marcia Weisman participaient activement à la vie culturelle de Los Angeles. Frederick a notamment présidé Val-Vita, qui a ensuite fusionné avec Hunt Foods. La Frederick R. Weisman Art Foundation présente la collection comme une entreprise commune où le couple associait connaissance de l’art et expérience des affaires. Elle rappelle aussi leur soutien à l’installation d’œuvres dans des hôpitaux et des cliniques. Leurs possessions s’inscrivaient donc dans une démarche plus large d’acquisition, de soutien et de diffusion de l’art. ^[5]

Le rôle de Marcia dépassait la collection privée. Elle est devenue l’une des administratrices fondatrices du Museum of Contemporary Art de Los Angeles. En 1992, le musée lui a rendu hommage par une exposition d’œuvres de sa collection réalisées entre 1912 et 1989. Cette histoire institutionnelle donne du poids au mot collectionneurs. Au-delà de la richesse visible chez Hockney, il désigne une activité suivie et un rôle public. Elle invite aussi à voir en Marcia davantage que la femme à la robe rose. ^[6]

Le titre met cette identité collective en balance avec des noms individuels. American Collectors pourrait désigner un type social. La parenthèse ramène le regard à Fred et Marcia. Une maison moderne et un jardin de sculptures permettent à Hockney d’examiner un univers reconnaissable de mécénat et de présentation des œuvres. La disposition particulière de ces deux figures donne toutefois au tableau sa singularité. Le sujet social prend forme à travers le portrait de personnes nommées, entourées des œuvres qu’elles ont choisies.

L’espace entre Fred et Marcia

Le couple ne forme pas un groupe compact. Fred occupe une place près du bord gauche, tandis que Marcia, plus centrale, fait face au spectateur. Leurs orientations différentes rendent l’intervalle entre eux bien visible. Le regard peut traverser la toile d’une personne à l’autre. Aucun geste partagé ne vient vraiment prolonger ce mouvement. L’agencement laisse aux objets environnants une liberté inhabituelle d’établir leurs propres liens.

Dans son étude de la théâtralité chez Hockney, Sandra Bowern lit cette disposition comme une mise en scène. Marcia occupe une place comparable au centre d’une scène. Le profil de Fred et sa position latérale rappellent un interprète mal à l’aise à l’endroit qui lui a été assigné. Bowern rapproche ces portraits de personnes réelles des intérieurs de collectionneurs que Hockney avait imaginés auparavant, où meubles et œuvres servent d’accessoires de théâtre. Cette lecture rend compte du caractère délibéré de la composition, même si le rapprochement avec un acteur reste une interprétation de la pose peinte. ^[7]

Penser en termes de mise en scène attire l’attention sur un problème concret de composition. Comment placer deux personnes debout sur une grande toile horizontale sans obtenir un groupe familial conventionnel ou deux portraits séparés ? Hockney donne un rôle à l’espace qui les sépare. Les sculptures l’interrompent, le dallage en donne la mesure et la maison offre un fond sur lequel chaque silhouette se détache. Les zones vides participent ainsi à la composition. Elles nous rendent attentifs à la manière dont la scène a été agencée pour notre regard.

La sculpture fait partie du portrait

Entre les collectionneurs se trouve Hero II de William Turnbull, conçue en 1958. La notice de Christie’s indique qu’elle est faite de bronze à patine verte et de pierre, et que Marcia Weisman l’a acquise avant 1966. Le texte qui accompagne la notice décrit deux blocs de pierre qui soutiennent une forme en bronze évoquant une tête. Il relève aussi la place importante de la sculpture dans le tableau de Hockney, où Fred se tourne vers elle. ^[8]

Hero II propose une autre façon de représenter une figure debout. Des masses distinctes se superposent jusqu’à une forme qu’on peut lire comme une tête. Cette économie invite à comparer la sculpture aux personnes. Elle peut suggérer un corps avec très peu de détails, tandis qu’un corps humain peint peut prendre l’immobilité d’un objet exposé. Hockney rapproche ces deux possibilités en laissant chacune produire son propre effet.

Cette identification fait aussi entrer un sculpteur britannique dans un portrait de collectionneurs américains. La galerie Piano Nobile inscrit Hero II dans le succès de Turnbull auprès des mécènes américains, après sa première visite aux États-Unis en 1958 et une exposition personnelle à New York en 1963. La sculpture témoigne autant d’échanges culturels que de propriété. La Californie de Hockney était reliée à Londres, Paris et New York par les artistes, les expositions et les achats. Le jardin donne une forme tangible à une partie de ce réseau. ^[9]

La sculpture de Henry Moore et le mât totémique offrent d’autres formes de présence. Hockney a remarqué une ressemblance entre le mât et Marcia. Sa remarque invite à repérer un écho visuel : deux visages peuvent se répondre d’un bout à l’autre de la toile, et un objet peut faire pendant à une personne. L’humour accompagne l’attention sérieuse que le portrait porte à la manière dont ses modèles habitent leur environnement. ^[2]

Ces objets gardent leurs différences. La sculpture moderne de Turnbull, la figure de Moore et le mât sculpté ont chacun leur forme et leur histoire, même si le tableau les place dans un même jardin. Hockney les réunit dans un seul champ visuel, où leurs propriétaires se laissent examiner au même titre que les choses qu’ils ont choisi de montrer. Ce renversement donne du mordant à la composition : les personnes qui collectionnent l’art deviennent elles-mêmes le sujet d’une œuvre.

Soleil, dallage et traces de peinture

La géométrie du jardin contribue à la cohérence de cet ensemble complexe. Piano Nobile attire l’attention sur les ombres courtes et les angles droits qu’elles forment avec le quadrillage du dallage en perspective. Ces petites formes sombres ancrent au sol les figures debout et les sculptures. Le dallage donne au regard des repères réguliers qui rendent les écarts de symétrie plus faciles à remarquer. Le tableau peut paraître immobile tout en restant rigoureusement organisé. ^[9]

La lumière vive remplit une double fonction. Elle distingue les formes et rend visible l’espace qui les sépare. Une ombre longue et diffuse pourrait réunir plusieurs objets à l’œil. Les ombres courtes maintiennent chacun à une place précise. Les étendues de terrasse deviennent des intervalles bien visibles, et la régularité du sol invite à comparer les formes verticales entre elles. L’espace devient l’un des moyens de description du portrait.

Le degré de finition varie lui aussi. Dans un texte de 2023 pour le Block Museum, Bengi Rwabuhemba, collaborateur étudiant, a décrit des échanges autour de l’observation attentive d’American Collectors à l’Art Institute. Les visiteurs ont relevé des traînées bleues dans la robe de Marcia, des feuilles dont les ombres paraissaient moins travaillées et de la peinture qui coulait du poing serré de Fred. Ces détails ont nourri la discussion sur la tension entre une apparence sociale soignée et une surface picturale qui laisse voir sa fabrication. ^[10]

Le poing retient particulièrement l’attention parce qu’il se lit sur deux plans. Comme partie du corps, la main fermée suggère une tension. Comme passage peint, la coulure attire l’attention sur les traces, la gravité et la fabrication de l’image. Le second plan complique le premier : la peinture témoigne d’un choix du peintre et ne nous donne pas un accès direct au tempérament de Fred. De petites ruptures dans la finition peuvent rendre la scène soigneusement disposée plus artificielle, tout en rapprochant sa surface du spectateur.

Portrait social ou satire ?

Le tableau se prête à une lecture satirique. Le titre général, les figures séparées et les correspondances entre formes humaines et sculptées invitent à examiner la mise en scène du goût. Bowern interprète explicitement comme une satire le rapport théâtral entre les collectionneurs et leurs possessions. Cette interprétation porte sur ce qu’ils montrent et possèdent, sans supposer qu’on connaisse leurs sentiments privés. ^[7]

Cette distinction importe parce qu’un même procédé pictural peut produire plusieurs effets. Donner à une personne l’apparence d’une sculpture peut faire sourire et montrer à quel point l’art fait partie de son environnement. Placer un collectionneur parmi ses acquisitions peut afficher ses biens, révéler son goût ou interroger l’autorité que semble conférer la propriété. Hockney laisse ces sens se recouvrir. L’importance qu’il accorde au cadre ouvre la voie à plusieurs interprétations, sans fixer la tonalité affective de la scène.

L’activité culturelle attestée des collectionneurs apporte une nuance. Le rôle ultérieur de Marcia au MOCA et les efforts du couple pour faire entrer l’art dans des lieux inhabituels montrent que leur rapport aux œuvres dépassait l’aménagement d’une maison privée. Cette histoire laisse intact le malaise du tableau et donne plus de relief au rapport entre l’observation sociale et les personnes représentées. Un portrait incisif peut rester partiel : il saisit un agencement précis de personnes et de choses, tandis que ses modèles continuent d’agir au-delà du cadre. ^{[5] [6]}

Un double portrait aux présences inhabituelles

La chronologie de la Fondation compte American Collectors parmi les grands doubles portraits auxquels Hockney a travaillé durant son séjour à Santa Monica au premier semestre de 1968. Il y avait aussi Christopher Isherwood and Don Bachardy. À propos de ce tableau, Hockney se souvenait qu’Isherwood regardait régulièrement vers Bachardy, tandis que Bachardy regardait vers le peintre. Ces directions différentes l’ont aidé à choisir les poses. ^[2]

Le rapprochement éclaire la difficulté propre à American Collectors. Dans un double portrait, l’artiste doit rendre deux personnes et trouver une structure qui leur permette de coexister. Un regard peut les unir, des postures différentes les distinguer, une pièce les inscrire dans une vie commune. Ici, les sculptures assument une part inhabituellement importante de ce travail. Le décor réunit le couple alors même que les corps restent séparés. La composition invite à lire un réseau de correspondances sur toute la toile.

Cette préoccupation relie le tableau à l’histoire plus large des portraits de Hockney. Elle invite aussi à le comparer à Mr and Mrs Clark and Percy, autre grande toile qui réunit deux personnes et leur intérieur dans un agencement soigneusement étudié. La liste du Metropolitan Museum pour la rétrospective de 2017 date le portrait des Clark de 1970–1971 et indique des dimensions très proches de celles d’American Collectors. Ce grand format récurrent permettait à Hockney d’explorer des rapports différents dans un espace pictural dont les figures sont presque grandeur nature. ^[3]

Bowern étudie également le tableau antérieur Beverly Hills Housewife dans son analyse des décors californiens mis en scène. La figure debout et les œuvres d’art qui l’entourent offrent un autre point de comparaison. Dans ces tableaux, la Californie a donné à Hockney des lieux où rendre visibles ensemble les personnes, l’art et l’identité sociale. ^[7]

Du jardin privé à la rencontre au musée

L’Art Institute of Chicago a enregistré l’acquisition comme un don affecté de M. et Mme Frederic G. Pick, sous le numéro d’inventaire 1984.182. La liste définitive de la rétrospective Hockney de 2017 au Metropolitan Museum reprend cette mention et indique que le tableau était prêté par le musée de Chicago. Le nom des donateurs rappelle que les modèles et les personnes qui ont permis l’entrée de l’œuvre au musée étaient distincts. ^[3]

La vie du tableau au musée change aussi la position du spectateur. Nous rencontrons l’image d’une collection privée au sein d’une collection publique. Le contraste entre les propriétaires d’œuvres et les objets possédés devient un sujet dont les visiteurs peuvent discuter ensemble. Dans son compte rendu de 2023, Rwabuhemba rapporte que des visiteurs ont vu les modèles comme mal à l’aise, comparé leur immobilité à celle des sculptures et même imaginé la figure de Moore en observatrice de la scène. Ces réactions, recueillies lors d’une conversation au musée, valent aussi par leur diversité. ^[10]

Regarder lentement permet aux différentes manières de décrire de continuer à agir. Les visages identifient, les vêtements et le cadre situent, la terrasse établit les distances et les sculptures introduisent des ressemblances et des contrepoints. L’humour laisse le jugement sur Fred et Marcia ouvert. Hockney nous donne à voir une rencontre où l’agencement d’un jardin peut renseigner autant qu’un visage et où l’art autour de deux personnes devient inséparable de la façon dont elles nous apparaissent.