American Collectors (Fred and Marcia Weisman)

Zwei Menschen stehen zwischen Skulpturen vor einem modernen Haus in Los Angeles. Der Garten bietet Platz, Sonne und kostbare Kunstwerke. David Hockney lässt die Begegnung dennoch ungewöhnlich förmlich wirken. Fred Weisman steht im Profil nach links gewandt. Marcia steht näher an der Mitte und blickt aus dem Bild. Zwischen ihnen und ringsum konkurrieren Skulpturen mit den lebenden Figuren um Aufmerksamkeit. Das 1968 in Acryl gemalte American Collectors (Fred and Marcia Weisman) gehört dem Art Institute of Chicago. Mit rund 2,1 Metern Höhe und 3 Metern Breite gibt das Gemälde der scheinbar privaten Begegnung den Maßstab eines öffentlichen Auftritts. ^[1]

Hockney erklärte, das Porträt umfasse neben den Gesichtern auch die Umgebung, und nannte Skulpturen von William Turnbull und Henry Moore. „Die Gegenstände um die Figuren herum sind ein Teil von ihnen“, sagte er. Damit rückt die Beziehung zwischen Menschen und ihrem Besitz ins Zentrum des Bildes. Es gilt, diese Beziehungen zu verfolgen, ohne in einer unbeholfenen Haltung ein ganzes Privatleben zu lesen. ^[2]

Die Sammler hinter dem Titel

Frederick und Marcia Weisman nahmen aktiv am Kulturleben von Los Angeles teil. Zu Fredericks beruflichen Stationen gehörte die Leitung von Val-Vita, das später mit Hunt Foods fusionierte. Die Frederick R. Weisman Art Foundation beschreibt das Sammeln als gemeinsames Vorhaben, bei dem das Paar Kunstkenntnis und Geschäftserfahrung verband. Sie berichtet auch, dass beide Kunst in Krankenhäusern und Kliniken förderten. Ihr Besitz war somit Teil einer umfassenderen Praxis des Erwerbens, Förderns und Weitergebens von Kunst. ^[5]

Marcias Bedeutung reichte über die private Sammlung hinaus. Sie gehörte zu den Gründungsmitgliedern des Kuratoriums des Museum of Contemporary Art in Los Angeles. 1992 ehrte das Museum sie mit einer Ausstellung von Werken aus ihrer Sammlung, die zwischen 1912 und 1989 entstanden waren. Diese Geschichte gibt dem Wort Sammler Gewicht. Neben dem Wohlstand in Hockneys Gemälde bezeichnet es eine dauerhafte Tätigkeit und eine öffentliche Rolle. So tritt Marcia auch als eigenständige Persönlichkeit hervor. ^[6]

Der Titel verbindet diese gemeinsame Identität mit einzelnen Namen. American Collectors klingt weit genug, um eine gesellschaftliche Gruppe zu bezeichnen. Die Klammer führt zu Fred und Marcia zurück. Ein modernes Haus und ein Skulpturengarten erlauben Hockney, eine wiedererkennbare Welt des Mäzenatentums und der Präsentation von Kunst zu betrachten. Die besondere Platzierung dieser beiden Figuren gibt dem Bild seine Eigenart. Das gesellschaftliche Thema entfaltet sich im Porträt namentlich genannter Menschen, umgeben von den Werken, die sie ausgewählt haben.

Der Raum zwischen Fred und Marcia

Das Paar bildet keine geschlossene Gruppe. Fred steht nahe am linken Rand. Marcia steht weiter in der Mitte und ist dem Publikum zugewandt. Ihre unterschiedlichen Ausrichtungen lassen den Abstand zwischen ihnen auffallen. Der Blick kann über die Leinwand von einer Person zur anderen wandern. Eine gemeinsame Geste, die diese Bewegung aufgreift, fehlt weitgehend. So können die Gegenstände ringsum ungewöhnlich frei eigene Verbindungen herstellen.

Sandra Bowern deutet diese Anordnung in ihrer Studie zur Theatralität bei Hockney als Inszenierung. Marcia nimmt eine Position ein, die an die Bühnenmitte erinnert. Freds Profil und sein Platz am Rand lassen ihn wie einen Darsteller wirken, der sich an der ihm zugewiesenen Stelle unwohl fühlt. Bowern verbindet die Porträts wirklicher Menschen mit Hockneys früheren erfundenen Sammlerinterieurs, in denen Möbel und Kunstwerke wie Requisiten funktionieren. Das erklärt den überlegten Aufbau überzeugend, wobei der Vergleich mit einem Schauspieler eine Deutung der gemalten Haltung bleibt. ^[7]

Die Vorstellung einer Inszenierung lenkt den Blick auf eine praktische Bildaufgabe. Wie können zwei stehende Menschen eine große querformatige Leinwand einnehmen, ohne zu einer herkömmlichen Familiengruppe oder zu zwei getrennten Porträts zu werden? Hockney gibt dem Raum zwischen ihnen eine Aufgabe. Skulpturen unterbrechen ihn, die Pflasterung gibt ihm ein Maß, und das Haus bietet einen Hintergrund, vor dem jede Silhouette erkennbar bleibt. Die leeren Flächen wirken dadurch an der Komposition mit. Sie machen sichtbar, wie die Szene für unsere Betrachtung angeordnet wurde.

Die Skulptur gehört zum Porträt

Zwischen den Sammlern steht William Turnbulls Hero II, 1958 entworfen. Christie’s nennt Bronze mit grüner Patina und Stein als Materialien und verzeichnet, dass Marcia Weisman das Werk vor 1966 erwarb. Der Begleittext beschreibt zwei Steinblöcke, die eine kopfähnliche Form aus Bronze tragen. Er hebt auch die auffällige Stellung der Skulptur in Hockneys Gemälde hervor, in dem Fred ihr zugewandt ist. ^[8]

Hero II bietet eine andere Form der aufrechten Figur. Getrennte Massen bauen sich nach oben auf, bis zu etwas, das sich als Kopf lesen lässt. Die wenigen Mittel machen den Vergleich mit den Menschen ergiebig. Die Skulptur kann mit wenig Beschreibung einen Körper andeuten, während ein gemalter menschlicher Körper die Regungslosigkeit eines ausgestellten Gegenstands annehmen kann. Hockney bringt beide Möglichkeiten zusammen und lässt sie jeweils auf ihre eigene Weise wirken.

Die Identifizierung bringt auch einen britischen Bildhauer in das Porträt amerikanischer Sammler. Die Galerie Piano Nobile ordnet Hero II in Turnbulls Erfolg bei amerikanischen Förderern ein, der auf seine erste Reise in die USA 1958 und eine New Yorker Einzelausstellung 1963 folgte. Die Skulptur zeugt ebenso von kulturellem Austausch wie von Besitz. Hockneys Kalifornien war durch Künstler, Ausstellungen und Ankäufe mit London, Paris und New York verbunden. Im Garten wird ein Teil dieses Netzwerks greifbar. ^[9]

Die Skulptur von Henry Moore und der Totempfahl leisten dem Paar auf andere Weise Gesellschaft. Hockney bemerkte eine Ähnlichkeit zwischen dem Pfahl und Marcia. Seine Bemerkung lenkt den Blick auf eine visuelle Entsprechung: Gesichter können über die Leinwand hinweg aufeinander antworten, und ein Gegenstand kann zum Gegenstück einer Person werden. Der Humor begleitet das ernsthafte Interesse des Porträts daran, wie die Dargestellten ihre Umgebung bewohnen. ^[2]

Die Gegenstände behalten ihre Unterschiede. Turnbulls moderne Skulptur, Moores Figur und der geschnitzte Pfahl haben je eine eigene Form und Geschichte, auch wenn das Gemälde sie in denselben Garten stellt. Hockney versammelt sie in einem Blickfeld, in dem ihre Besitzer ebenso betrachtet werden können wie die Dinge, die sie ausstellen wollten. Diese Umkehr gibt der Komposition ihre Schärfe: Die Menschen, die Kunst sammeln, werden selbst zum Gegenstand eines Kunstwerks.

Sonnenlicht, Pflaster und sichtbare Farbspuren

Die Geometrie des Gartens hält die vielteilige Gruppe zusammen. Piano Nobile lenkt den Blick auf die kurzen Schatten und darauf, wie sie das nach hinten laufende Raster der Pflasterung rechtwinklig schneiden. Die kleinen dunklen Formen verankern die aufrechten Menschen und Skulpturen am Boden. Die Pflasterung gibt dem Auge ein gleichmäßiges Maß, an dem Abweichungen von der Symmetrie leichter auffallen. Das Bild wirkt ruhig und zugleich klar geordnet. ^[9]

Das helle Licht erfüllt zwei Aufgaben. Es lässt die Formen klar hervortreten und legt zugleich den Abstand zwischen ihnen offen. Ein langer, weicher Schatten könnte mehrere Gegenstände optisch verbinden. Die kurzen Schatten verorten jeden von ihnen eindeutig. Die Terrassenflächen dazwischen werden zu sichtbaren Abständen, und der regelmäßige Boden lädt dazu ein, eine aufrechte Form mit der nächsten zu vergleichen. Der Raum wird zu einem Mittel, mit dem das Porträt seine Figuren beschreibt.

Auch die Ausarbeitung des Gemäldes ist unterschiedlich. In einem Beitrag für das Block Museum von 2023 beschrieb der studentische Mitarbeiter Bengi Rwabuhemba Gespräche vor American Collectors im Art Institute, bei denen es um genaues Hinsehen ging. Besucher bemerkten blaue Streifen in Marcias Kleid, offenbar weniger sorgfältig schattierte Blätter und Farbe, die von Freds geballter Faust herablief. Diese Einzelheiten halfen ihnen, die Spannung zwischen einem gepflegten gesellschaftlichen Auftreten und der sichtbar gestalteten Bildoberfläche zu erörtern. ^[10]

Die Faust fällt besonders auf, weil sie auf zwei Ebenen lesbar ist. Als Teil des Körpers deutet die geschlossene Hand Anspannung an. Als gemalte Partie lenkt die herablaufende Farbe den Blick auf Spuren, Schwerkraft und die Entstehung eines Bildes. Die zweite Ebene verändert die erste: Die Farbe zeugt von einer Entscheidung des Malers und gibt keinen unmittelbaren Aufschluss über Freds Temperament. Kleine Brüche in der Ausarbeitung können die sorgfältig arrangierte Szene künstlicher wirken lassen und zugleich ihre Oberfläche näher ans Publikum rücken.

Gesellschaftsporträt oder Satire?

Das Gemälde lässt eine satirische Lesart zu. Der allgemeine Titel, die getrennten Figuren und die Entsprechungen zwischen menschlichen und skulpturalen Formen laden dazu ein, die Zurschaustellung des Geschmacks zu prüfen. Bowern deutet das theatralische Verhältnis zwischen Hockneys Sammlern und ihrem Besitz ausdrücklich als Satire. Ihre Deutung betrifft die Präsentation und den Besitz, ohne Kenntnis der privaten Gefühle der Porträtierten vorauszusetzen. ^[7]

Die Unterscheidung ist wichtig, weil ein bildnerisches Mittel mehrere Wirkungen haben kann. Wenn ein Mensch einer Skulptur ähnelt, kann das komisch sein und zugleich zeigen, wie sehr Kunst zu seiner Umgebung gehört. Einen Sammler zwischen seinen Erwerbungen zu platzieren kann Besitz vorführen, Geschmack offenlegen oder die Autorität hinterfragen, die der Besitz zu verleihen scheint. Hockney lässt diese Bedeutungen ineinandergreifen. Seine Betonung der Umgebung eröffnet viele Deutungen und lässt die genaue Stimmung der Szene offen.

Das belegte kulturelle Engagement der Sammler bringt eine weitere Nuance ins Bild. Marcias spätere Rolle am MOCA und die Bemühungen des Paares, Kunst an ungewohnte Orte zu bringen, zeigen ein Verhältnis zur Kunst, das über die Einrichtung eines Privathauses hinausging. Das Unbehagen im Bild bleibt bestehen. Umso vielschichtiger wird das Verhältnis zwischen der gesellschaftlichen Beobachtung und den einzelnen Dargestellten. Ein pointiertes Porträt kann einen Ausschnitt zeigen, eine bestimmte Anordnung von Menschen und Dingen festhalten, während die Porträtierten außerhalb des Bildes weiter in der Welt handeln. ^{[5] [6]}

Ein Doppelporträt mit ungewöhnlicher Besetzung

Die Chronologie der Stiftung zählt American Collectors zu den großen Doppelporträts, an denen Hockney während seines Aufenthalts in Santa Monica in der ersten Hälfte von 1968 arbeitete. Ein weiteres war Christopher Isherwood and Don Bachardy. Dazu erinnerte sich Hockney, Isherwood habe immer wieder zu Bachardy geblickt, während Bachardy den Künstler ansah. Die unterschiedlichen Blickrichtungen halfen ihm bei der Wahl der Haltungen. ^[2]

Der Vergleich verdeutlicht die besondere Aufgabe in American Collectors. Im Doppelporträt muss der Künstler zwei Personen darstellen und ihrem Zusammensein eine Form geben. Ein Blick kann sie verbinden, unterschiedliche Haltungen können sie voneinander abheben, und ein Raum kann sie in ein gemeinsames Leben einordnen. Hier übernimmt die Skulptur einen ungewöhnlich großen Teil dieser Aufgabe. Die Umgebung verbindet das Paar, während die Körper getrennt bleiben. Die Komposition lässt uns ein Geflecht von Beziehungen über die ganze Leinwand hinweg lesen.

Dieses Anliegen verbindet das Gemälde mit der weiteren Geschichte von Hockneys Porträts. Es lädt auch zum Vergleich mit Mr and Mrs Clark and Percy ein, wo eine weitere große Leinwand zwei Menschen und ihr häusliches Umfeld in einer sorgfältig abgewogenen Anordnung zeigt. Die Werkliste des Metropolitan Museum von 2017 datiert das Clark-Porträt auf 1970–71 und verzeichnet Maße, die denen von American Collectors sehr nahekommen. In diesem wiederkehrenden Großformat konnte Hockney verschiedene Beziehungen in einem weiten Bildraum mit annähernd lebensgroßen Figuren erkunden. ^[3]

Auch das frühere Beverly Hills Housewife kommt in Bowerns Untersuchung inszenierter kalifornischer Schauplätze vor. Die stehende Figur und ihre von Kunst geprägte Umgebung bieten einen weiteren Vergleich. In diesen Gemälden lieferte Kalifornien Hockney Räume, in denen Menschen, Kunst und gesellschaftliche Identität zusammen sichtbar werden konnten. ^[7]

Vom Privatgarten zur Begegnung im Museum

Das Art Institute of Chicago verzeichnet den Erwerb als zweckgebundene Schenkung von Mr und Mrs Frederic G. Pick unter der Inventarnummer 1984.182. Die endgültige Werkliste der Hockney-Retrospektive von 2017 im Metropolitan Museum übernimmt diese Angabe und führt das Gemälde als Leihgabe aus Chicago. Die Namen der Schenkenden erinnern daran, dass die Porträtierten und diejenigen, die den Erwerb durch das Museum ermöglichten, verschiedene Personen waren. ^[3]

Auch das Leben im Museum verändert die Position des Publikums. Wir begegnen dem Bild einer Privatsammlung innerhalb einer öffentlichen Sammlung. Über das ursprüngliche Verhältnis zwischen den Menschen, die Kunst besitzen, und den Gegenständen in ihrem Besitz können Besucher gemeinsam sprechen. Rwabuhemba berichtet 2023, dass manche die Porträtierten als unbeholfen empfanden, ihre Regungslosigkeit mit der der Skulpturen verglichen und sich sogar Moores Figur als Beobachterin der Szene vorstellten. Die unterschiedlichen Reaktionen aus diesem Museumsgespräch sind gerade in ihrer Vielfalt aufschlussreich. ^[10]

Beim langsamen Hinsehen bleiben die unterschiedlichen Darstellungsweisen wirksam. Gesichter machen Menschen erkennbar, Kleidung und Umgebung verorten sie, die Terrasse bestimmt die Abstände, und die Skulpturen schaffen Ähnlichkeiten und Gegenakzente. Der Humor lässt das Urteil über Fred und Marcia offen. Hockney zeigt eine gesellschaftliche Begegnung, in der die Anordnung eines Gartens ebenso viel über die Porträtierten verraten kann wie ein Gesicht. Die Kunst rings um die beiden Menschen wird davon untrennbar, wie wir sie wahrnehmen.