My Parents

Laura Hockney blickt zu ihrem Sohn, während Kenneth Hockney sich über ein Buch beugt. Zwischen ihnen stehen Blumen und ein kleiner Spiegel auf einem grünen Rolltisch. So entsteht ein dritter Blickpunkt im Porträt zweier Menschen. In My Parents gibt David Hockney diesen getrennten Beschäftigungen das Format und den überlegten Aufbau eines formellen Gemäldes. Zum Thema gehört das Zusammensitzen selbst: wie unterschiedlich Menschen einen Raum einnehmen, ihre Aufmerksamkeit ausrichten und sich auf die Anwesenheit eines anderen Menschen einstellen.

Das 1977 vollendete Ölgemälde auf Leinwand misst 182,9 × 182,9 Zentimeter. Die Tate erwarb es 1981. Das quadratische Format lässt beiden Figuren und den Dingen zwischen ihnen Raum, ohne die Umgebung zu einem Panorama des Zimmers auszuweiten. ^[1]

Kenneth und Laura

Hockneys Eltern gehörten zu dem Bradford, das in seinen frühen Zeichnungen festgehalten ist. Die National Portrait Gallery beschreibt eine unkonventionelle Arbeiterfamilie, die seinen Entschluss unterstützte, Künstler zu werden. Kenneth war Büroangestellter, zeichnete und malte in seiner Freizeit, setzte sich gegen das Rauchen ein und vertrat ausgeprägte politische Ansichten. Laura war überzeugte Methodistin, Vegetarierin und trank keinen Alkohol. Beide hatten eigene Überzeugungen und Interessen, lange bevor sie zu vertrauten Figuren in den Bildern ihres Sohnes wurden. ^[3]

Diese Vertrautheit spielte bei der Entstehung des Porträts eine Rolle. Im Gespräch mit der Kuratorin Sarah Howgate im September 2019 erinnerte sich Hockney daran, dass seine Mutter gut Modell saß. Seinem Vater fiel es schwer, lange stillzuhalten, und er griff immer wieder zu einem Buch. Schließlich nahm Hockney das Lesen ins Gemälde auf. Die Haltung hält also eine praktische Einigung zwischen Maler und Modell fest. Kenneth konnte sich mit etwas beschäftigen, das ihn interessierte, während sein Sohn weiterarbeitete. ^[4]

Die beiden Körper geben der Szene unterschiedliche Rhythmen. Lauras Hände ruhen beieinander im Schoß, und ihre Füße stehen eng zusammen. Kenneths gesenkter Blick und die unterschiedliche Stellung seiner Füße lassen seine Haltung weniger ruhig wirken. Das Unterrichtsmaterial des Bucerius Kunst Forums hebt gerade diese Unterschiede zwischen Händen, Füßen und Blicken hervor. Hockney ließ die beiden Figuren in einer gemeinsamen Anordnung eigenständig bleiben. Die eine bleibt uns frontal zugewandt, während die Aufmerksamkeit der anderen den Seiten in ihren Händen folgt. ^[5]

Wir begegnen Lauras Blick an der Stelle, an der der Maler gestanden haben dürfte. Kenneths Buch gibt dem Auge ein anderes Ziel innerhalb des gemalten Zimmers. Das entstehende Dreieck verbindet Mutter, Vater und Sohn, obwohl nur zwei von ihnen körperlich anwesend sind. Auch das Publikum erlebt zwei verschiedene Arten der Begegnung: Es wird angesehen und beobachtet jemanden, der in eine Tätigkeit vertieft ist. Hockneys Schilderung der Sitzungen macht diesen Unterschied besonders greifbar. ^[4]

Ein Raum, der die Blicke lenkt

Der Rolltisch in der Mitte verbindet die Figuren und bewahrt zugleich den Abstand zwischen ihnen. Seine Ablagen bringen die Bücher auf engem Raum unter. Darüber führen die Blumen und der Spiegel den Blick nach oben. Das schlichte Möbel gibt jedem Gegenstand einen klaren Platz. In dieser kargen Umgebung fällt der Wechsel des Blicks von einem Gesicht zu einem Buch ins Gewicht. ^[5]

Das Licht von links hebt Lauras Haar und ihr blaues Kleid hervor. Kenneths brauner Anzug wirkt gedämpfter. ^[6]

Das Quadrat hält das dem Publikum zugewandte Modell und den Leser im Gleichgewicht. Das Stillleben gibt dem Blick zwischen ihren Gesichtern einen Halt. Die verschiedenen Ziele lassen das Auge durch eine Komposition wandern, in der beide Menschen sitzen bleiben.

Hockneys Erklärung des Motivs ging vom alltäglichen Zusammensein aus. In der von seiner Stiftung bewahrten Erinnerung schilderte er, wie seine Eltern beieinander sein konnten, während jeder etwas anderes tat. Nach Jahrzehnten der Ehe verständigten sie sich ebenso über Gesichtsausdrücke und vertraute kleine Gesten wie im Gespräch. Das eröffnet einen Zugang zur Ruhe des Bildes. Verschiedene Blickrichtungen sind mit gemeinsamem Erleben vereinbar. Der Abstand zwischen den Stühlen gibt diesem Miteinander eine sichtbare Form. ^[7]

Lauras Bereitschaft, Modell zu sitzen, findet ebenso Platz wie Kenneths Bedürfnis nach Beschäftigung. Die Anordnung verlangt kein abschließendes Urteil über die Ehe. Das Porträt gewinnt sein Interesse aus dem Verhalten, das Hockney beobachtete, und aus der malerischen Ordnung, die er ihm gab.

From My Parents and Myself to My Parents

Das Vorhaben entwickelte sich über mehrere Jahre. Die Morgan Library datiert die Buntstiftzeichnung Study for “My Parents and Myself” auf 1974 und verbindet die Vorarbeiten mit Besuchen seiner Eltern, als Hockney zwischen 1973 und 1975 zeitweise in Paris lebte. In der Studie fügte er sich als Spiegelbild im Spiegel auf dem Rolltisch ein. Der Entwurf eines Familienporträts wurde damit zu einer Frage nach dem Platz des Künstlers innerhalb der Familie. ^[8]

Laut National Gallery gingen dem vollendeten My Parents zwei frühere Versuche voraus. Eine frühere Fassung wurde laut der Chronologie der Stiftung übermalt. Das erhaltene unvollendete My Parents and Myself, von der National Portrait Gallery auf 1976 datiert, ist ein eigenständiges Ölgemälde, an dem noch Abklebeband haftet. Das Band hielt nach Angaben der Galerie Papier über dem mittleren Bereich, während Hockney die Umgebung überarbeitete. Diese Spur bezeugt einen ungelösten Bildaufbau. Das Gemälde der Tate wurde anders fertiggestellt. ^{[9] [7] [3]}

Die entscheidende Änderung lässt sich leicht beschreiben und hat eine erhebliche Wirkung. Im früheren Werk zeigt der Spiegel Hockneys eigenes Gesicht. Im vollendeten Gemälde spiegelt er eine Reproduktion von Piero della Francescas The Baptism of Christ. Der Künstler entfernt sein eigenes Bildnis aus der Mitte und verändert damit das Verhältnis der Eltern und des Spiegelbilds zum umgebenden Raum. Seine Position erschließen wir nun aus Lauras Blick und den Gegenständen, die er ausgewählt hat. ^[9]

Das unvollendete Bild blieb ihm trotz seiner Unzufriedenheit wichtig. Als es 2020 erstmals öffentlich in der National Portrait Gallery zu sehen war, hielt die Stiftung seine Erklärung fest: Er hatte es behalten, weil er es nach dem Leben gemalt hatte und seine Eltern nicht mehr lebten. Diese spätere Bindung gibt dem Werk eine zweite Geschichte. Aus einer aufgegebenen künstlerischen Aufgabe konnte ein wertvolles Zeugnis der Zeit mit vertrauten Menschen werden. Das vollendete Gemälde von 1977 und die unvollendete Leinwand von 1976 bewahren somit unterschiedliche Ergebnisse und zwei Stadien derselben anhaltenden Aufmerksamkeit. ^[10]

Bücher und ein Stillleben

Kenneths Lektüre hat neben ihrem praktischen Zweck auch einen Gegenstand. Er liest Aaron Scharfs Art and Photography. Auf dem Rolltisch steht ein Band über Chardin neben Büchern, die der Erwerbungskatalog der Tate nach Angaben des Kunsthistorikers Jamin An als englische Übersetzung von Prousts À la recherche du temps perdu identifiziert. Neben den Eltern kommen so auch Hockneys eigene Interessen ins Zimmer. Die Bücher geben dem Stillleben eine andere zeitliche Dimension. Man kann zu ihnen zurückkehren, sie in die Hand nehmen und Zeit mit ihnen verbringen. ^[11]

Chardin bietet einen besonders naheliegenden Vergleich. In seinen Gemälden widmete er alltäglichen Tätigkeiten und Gegenständen im Haushalt anhaltende Aufmerksamkeit. Das Bucerius Kunst Forum verbindet das Buch über Chardin mit Hockneys Interesse an Menschen, Form und Farbe. Die Familiensitzung steht damit in einer Tradition von Malern, die ihre Motive in den Beschäftigungen und Dingen ihrer Umgebung fanden. ^[5]

Die Bücher erschweren auch eine einfache Trennung zwischen Porträt und Stillleben. Kenneth benutzt ein Buch. Andere Bücher ruhen auf der Ablage, und der Spiegel lenkt den Blick auf ein weiteres Bild. Ein Gegenstand kann zugleich Teil einer Tätigkeit und Teil der Anordnung des Malers sein. Zwischen den Rechtecken des Möbels, der Bücher und des Spiegels bringen die Blumen eine weitere Form ins Spiel. Die Gruppe in der Mitte verbindet die Körper mit den kleinen, geordneten Flächen ringsum.

Piero im Spiegel

Beim gespiegelten Baptism handelt es sich um eine Reproduktion des Gemäldes, das die National Gallery wahrscheinlich auf etwa 1437 bis 1445 datiert. Hockney malt das Spiegelbild einer Reproduktion. Mehrere Stufen trennen es vom Original aus der Renaissance. Der Spiegel erweitert das Zimmer über den sichtbaren Ausschnitt hinaus, während die Reproduktion die Raumgestaltung eines anderen Malers in Hockneys Bild bringt. ^[9]

Historischer Vergleich: Piero della Francesca, Die Taufe Christi, wahrscheinlich um 1437–45, National Gallery, London, NG665. Eine Reproduktion dieses Gemäldes ist im Spiegel in My Parents zu sehen.

Für Hockney konnten Reproduktionen eine wirkliche Beziehung zu einem Gemälde aufrechterhalten. Im Bericht der National Gallery über sein Gespräch mit Martin Gayford ist von seinen wiederholten Besuchen der Sammlung und seiner Freude an Gemälden in Büchern, auf Postkarten und auf Plakaten die Rede. Der Bericht hält auch fest, wie er zwischen den Informationen einer Reproduktion und der Erfahrung vor der bemalten Oberfläche unterschied. Piero della Francescas Baptism nahm er 1981 in die Auswahl auf, die er für The Artist’s Eye in der National Gallery zusammenstellte. In My Parents gehört eine bescheidene Reproduktion zu der Umgebung, in der Menschen sitzen, lesen und schauen. Die Kunstgeschichte gelangt durch etwas ins Zimmer, das man griffbereit halten kann. ^[12]

Das religiöse Thema gehört in diesen Zusammenhang des Sehens. Lauras methodistischer Glaube ist belegt. Laut National Gallery schätzte Hockney jedoch besonders Pieros räumliche Beziehungen. Die christliche Erzählung war für ihn weniger wichtig. Das Spiegelbild kann daher verschiedene Assoziationen wecken, ohne ein eindeutiges Bekenntnis der Porträtierten abzugeben. Seine Lage macht es zum Mittelpunkt der Komposition. Als eines von Hockneys Lieblingsbildern bleibt es eng mit dem Künstler verbunden. ^{[3] [12]}

Auch ein grüner Stoff ist im Spiegel zu sehen. In der Forschung ist umstritten, was genau er darstellt. Die Wirkung des Ganzen hängt von dieser Frage kaum ab: Der Spiegel macht das Zimmer zu einem Ort, der neben Menschen auch andere Bilder enthält. An zufolge muss Hockney nicht aus dem Gemälde verschwinden, nur weil sein Gesicht fehlt. Seine Entscheidungen und künstlerischen Vorlieben können ihn auf andere Weise gegenwärtig machen. Das ist eine Deutung der überarbeiteten Komposition, die die Absicht des Künstlers offenlässt. ^[11]

Ölmalerei und Doppelporträt

Das Gemälde gehört zu Hockneys anhaltender Untersuchung von Paaren in Innenräumen. Tate und Musée Granet betonen in ihrer Darstellung seiner naturalistischen Arbeiten die Verbindung zwangloser Haltungen mit dem Format und der Förmlichkeit traditioneller Porträts. Sie bringen Zeichnung und Fotografie mit seiner Untersuchung von Figuren, Licht und räumlicher Tiefe zusammen. My Parents führt diesen Anspruch in ein besonders vertrautes Umfeld, dessen Bewohner und ihre Gewohnheiten Hockney seit Jahren kannte. ^[13] Nach Angaben der Stiftung vollendete er das Werk in der Londoner Powis Terrace, wo er sein Atelier erweitert hatte. ^[7]

Auch die Technik verdient Aufmerksamkeit. Die fertige Leinwand ist in Öl gemalt, das frühere Mr and Mrs Clark and Percy dagegen in Acryl. Beide Werke gestalten sorgfältig eine Begegnung mit Menschen in einem Raum. Ein einzelner Begriff wie fotografischer Realismus erfasst die Vielfalt der Entscheidungen kaum. Vorbereitende Zeichnungen, die Bewegungen der Modelle und die Überarbeitungen des Malers tragen zur endgültigen Anordnung bei. Die erhaltene Studie und die unvollendete Leinwand mit den Eltern machen diesen Vorgang besonders gut nachvollziehbar. ^{[1] [8] [3]}

Der fertige Raum wirkt klar und gefestigt, doch er entstand durch viele Anpassungen. Hockney überdachte den Spiegel, kam seinem Vater mit der Lektüre entgegen und setzte die Familiengruppe neu an. Der Abstand zwischen der scheinbaren Ruhe eines Bildes und der Arbeit, die es erforderte, ist für seine Porträts zentral. Hier gibt er der stillen Szene eine besondere Dichte. Mehrere Arten des Sehens und mehrere Arbeitsphasen finden in einer dauerhaften Anordnung zusammen.

Spätere Porträts und ein längerer Blick

Kenneth starb im Februar 1979. Hockneys Mother, Bradford. 19 Feb 1979 entstand am Tag der Beerdigung. Die Morgan Library weist auf die sparsame Linienführung in Sepiatusche und Lauras direkten Blick hin. Sie erklärt, dass der Künstler später irrtümlich das Jahr 1978 eintrug. Die Zeichnung entstand unter anderen Umständen als das Doppelporträt von 1977. Ihr kleines Format und ihre reduzierten Mittel ergeben einen berührenden Vergleich mit dem Raum, den Möbeln und den beiden Figuren in My Parents. ^[14]

Laura saß ihrem Sohn weiter Modell, während sich seine Medien änderten. In einem Essay für die National Gallery of Victoria ordnet die Kuratorin Meg Slater My Parents in diese längere Beziehung ein und deutet Lauras aufrechte, aufmerksame Haltung als Ausdruck der Bindung zwischen Mutter und Sohn. Bei späteren Fotografien warnt Slater auch davor, im Wissen um den Tod eines Modells alle Bilder seines Lebens nur noch als Vorzeichen des Verlusts zu lesen. Das Gemälde von 1977 verdient dieselbe Sorgfalt: Es zeigt Menschen, die miteinander Zeit verbringen, lesen und sich malen lassen. ^[15]

Die Stiftung hält William Feavers zeitgenössische Beschreibung des Gemäldes als „hingebungsvoll und rundum gelungen“ fest. 2024 zeigte die National Gallery es neben Looking at Pictures on a Screen (1977) und Pieros Original des Baptism. Hockney and Piero: A Longer Look lief vom 8. August bis zum 27. Oktober und brachte die gespiegelte Reproduktion in direkten Austausch mit ihrer Vorlage. ^{[7] [9]}

Der Vergleich führt das Gemälde über die Familiengeschichte hinaus und bewahrt zugleich seine Bindung an Kenneth und Laura. Eine Mutter blickt zu ihrem Sohn, ein Vater liest, und ein bewundertes Gemälde erscheint im Spiegel. Jedes lenkt die Aufmerksamkeit anders. Hockney gibt ihnen Raum nebeneinander und lässt unseren Blick zwischen einem Gesicht, einer alltäglichen Tätigkeit und den Bildern wechseln, an denen ein Maler weiter zu sehen lernte.