Normandie

In der Normandie konnte David Hockney beobachten, wie sich eine ganze Landschaft veränderte, ohne seinen Wohnort zu verlassen. Haus, Obstwiese, Garten und Teich boten Motive, die sich in unterschiedlichem Tempo wandelten. Blüten öffneten sich und fielen ab, das Laub wurde dichter, Spiegelungen verschoben sich, und Mondlicht ließ die vertrauten Gebäude für kurze Zeit anders aussehen. 2019 ließ er sich im Pays d’Auge nieder. Er brachte die Erfahrung vieler Jahre mit, in denen er den Wechsel der Jahreszeiten gezeichnet hatte. Die Umgebung wurde bald zu einem umfangreichen Arbeitsgebiet, das er mit Tusche, Acryl und auf dem iPad erkundete. ^{[1] [2]}

Diese Arbeiten erschließen sich auch über den Alltag, in dem sie entstanden. Die Normandie bot Hockney einen Ort, den er genau kennenlernte, und immer neue Gelegenheiten zu erproben, wie Bilder Zeit vermitteln. Das Wachstum im Garten, der Gang um das Haus und die langsame Bewegung des Publikums an einem Panorama entlang wurden zu verwandten Fragen. In der Region begegnete er auch dem Teppich von Bayeux erneut. Dessen Geschichte entfaltet sich beim Betrachten und gab ihm eine Möglichkeit, über eine Landschaft nachzudenken, die sich nie mit einem einzigen Blick ganz erfassen lässt. ^[3]

Ein Zuhause und eine Landschaft zum Arbeiten

Hockney kam im März 2019 in die ländliche Normandie. Er bezog ein Fachwerkhaus aus dem 17. Jahrhundert und baute die benachbarte Scheune zum Atelier um. Wohnung, Arbeitsplatz und Motive lagen damit dicht beieinander. L.A. Louver beschreibt in seinem Bericht zu den frühen Arbeiten vier Ansichten des Hauses aus den Himmelsrichtungen, Bilder des Ateliers und intime digitale Ansichten der Wohnräume. Hockney lernte den Ort zugleich durch verschiedene Arten von Bildern kennen. ^[2]

Ein Gebäude von Norden, Süden, Osten und Westen zu betrachten verändert die Aufgabe seiner Darstellung. Ein Haus, das von einer Seite kompakt wirkt, zeigt von der anderen eine andere Anordnung von Wänden, Dächern und Pflanzen. Im Verlauf der Serie lernt man den Ort immer besser kennen. Der Zusammenhang mit Hockneys anderen Experimenten mit mehreren Blickpunkten ist praktisch: Wer um das Motiv herumgeht, sieht Dinge, die von einem festen Standort aus verborgen bleiben. Pace hob in seiner damaligen Beschreibung der Zeichnungen von 2019 hervor, wie diese unterschiedlichen Eindrücke des Ortes zusammenkommen. ^[3]

Auf dem Grundstück wuchsen ganz bestimmte Pflanzen. Pace wies im großen Panorama La Grande Cour auf Kirsch-, Birn- und Apfelbäume, Weißdorndickichte und blühenden Holunder hin. Der Ort hatte seine eigenen Wuchsformen. Besonders die Blüten und Früchte der Bäume würden den Fortgang des Jahres sichtbar machen. La Grande Cour gehört zur ersten Phase in der Normandie im Jahr 2019. Die Fondation Louis Vuitton beschrieb das Werk später ausdrücklich als Panorama aus vierundzwanzig Tuschezeichnungen. Technik und Entstehungsjahr unterscheiden es von den digitalen Arbeiten des folgenden Jahres. ^{[3] [4]}

Auch während dieses Umzugs blieb Papier wichtig. Die Ausstellungstexte der Morgan Library beschreiben zwei Skizzenbücher aus dem Sommer 2019, die vor allem Tuschezeichnungen und Aquarelle enthalten. Das erste füllte Hockney in Kalifornien. Das zweite hielt sein neues Leben nach der Rückkehr in die Normandie fest, darunter den nahe gelegenen Ort, die Obstwiese, Besucher und ihn selbst. In Los Angeles hatte er auch begonnen, das Haus in der Normandie aus dem Gedächtnis zu malen. Zum Wechsel des Landes gehörten also Reisen zwischen den Orten, erinnerte Ansichten und neue Beobachtungen. Dieses Muster ist aus seiner Biografie vertraut. ^[5]

Schon andere frühe Arbeiten erkundeten die Umgebung zu verschiedenen Jahreszeiten. Die zusammengehörigen Panoramen Autour de la maison, Été und Autour de la maison, Hiver, beide von 2019, wurden 2021 bei L.A. Louver als gedruckte Friese ausgestellt. Die Galerie beschrieb die Wiederholung in diesen weiten Ansichten von Haus und Grundstück als Mittel, den Verlauf der Zeit zu vermitteln. Sommer und Winter ließen den vertrauten Ort unterschiedlich aussehen, noch bevor der digitale Fries über ein ganzes Jahr entstand. ^[2]

Der Wandel auf der Obstwiese

Der Frühling spielte in Hockneys Landschaftskunst schon lange eine Rolle. Die Royal Academy erklärte, er habe seinen Aufenthalt 2019 verlängert, um einen Frühling in der Normandie zu beobachten. Er erwartete Unterschiede zu den Frühjahren, die er in Yorkshire gezeichnet und gemalt hatte. Damit beruhte die neue Arbeit auf einem Vergleich. Seine Erfahrung zeigte ihm, worauf er achten konnte, während die neue Umgebung verlangte, erneut genau hinzusehen. ^[6]

Hockney schilderte die Arbeit im Jahr 2020 als klare Abfolge auf der Obstwiese. Zuerst kamen die winterlichen Bäume, dann Knospen, sich öffnende Blüten und die volle Blüte. Danach trieben die Blätter aus, die Blüten fielen ab und kleine Früchte blieben zurück. Eine solche Veränderung konnte etwa zwei Wochen dauern. Insgesamt brauchte der Frühling laut Hockney etwa drei Monate, um sich zu entfalten. Während des Lockdowns zeichnete er mindestens einmal täglich und wurde im Umgang mit den Spuren auf dem Bildschirm immer sicherer, während sich die Motive um ihn herum veränderten. ^{[6] [7]}

Die Schilderung verbindet zwei Vorgänge: die Entwicklung der Bäume und das Lernen des Künstlers. Der neue Austrieb verlangte neue Entscheidungen über Dichte, Farbe und Rhythmus der Spuren. Kahle Äste legen die Verzweigungen des Baums offen. Um die Äste sammeln sich Blüten, und später verdeckt das Laub einen großen Teil des Gefüges. Denselben Baum bei diesen Veränderungen zu verfolgen, ist anspruchsvoller, als ein allgemeines Zeichen für den Frühling zu finden. Hockneys Beschreibung lenkt den Blick auf die aufeinanderfolgenden Erscheinungsformen und auf die Arbeit, die es erforderte, sie zu zeichnen. ^[6]

Der Teich brachte andere Schwierigkeiten mit sich. Im selben Bericht sagte Hockney, dass er sich schließlich den Seerosen des Teichs zuwandte, und berief sich ausdrücklich auf Monet. Ein Teich gliedert den Raum anders als eine Obstwiese. Auf seiner Oberfläche liegen Gegenstände, während sie zugleich Licht und Umgebung spiegelt. In der Normandie konnte Hockney immer wieder Wasser und Bäume als benachbarte Teile derselben Umgebung betrachten. Veränderungen an einem Motiv regten ihn an, das andere neu zu sehen. Auch die Blumenbilder und Stillleben verbinden kleine, vertraute Motive mit einer umfassenderen Untersuchung von Licht und Farbe. ^[7]

Der Frühling 2020 und das ganze Jahr

Die Pandemie begann, nachdem Hockney sich bereits für die Arbeit in der Normandie entschieden hatte. Der Ort und das Vorhaben, den Wechsel der Jahreszeiten festzuhalten, standen schon vor den Einschränkungen fest. Der Lockdown verstärkte eine bereits begonnene Praxis. In der Ausstellung The Arrival of Spring, Normandy, 2020 zeigte die Royal Academy 2021 insgesamt 116 iPad-Bilder aus dieser Zeit als Drucke auf Papier. ^{[6] [7]}

Mehrere verwandte Werkgruppen sind zu unterscheiden. La Grande Cour ist das Tuschepanorama von 2019. Die Frühlingsausstellung umfasste 116 digitale Bilder. Die umfassendere digitale Serie 220 for 2020, die 2025 in der Fondation Louis Vuitton gezeigt wurde, folgt dem wechselnden Licht im Jahresverlauf. A Year in Normandie von 2020–2021 ist der Fries, der aus ausgewählten iPad-Gemälden zusammengesetzt wurde. Die Namen bezeichnen unterschiedliche Werke und Gruppen, auch wenn sie dieselbe Umgebung und viele Motive gemeinsam haben. ^{[4] [7] [8]}

Die Unterscheidung zeigt auch, was der längere Aufenthalt ermöglichte. Eine Auswahl von Frühlingsbildern richtet den Blick auf Austrieb und Wachstum. Ein ganzes Arbeitsjahr umfasst die Fülle des Sommers, die Herbstfarben und die im Winter freiliegenden Formen. Bei einem zusammengesetzten Panorama kommt eine weitere Entscheidung hinzu: Wie lassen sich einzelne Beobachtungen zu einem Werk verbinden, das sich beim Betrachten ohne Unterbrechung entfaltet? Laut dem Begleitheft der Serpentine von 2026 wählte Hockney für den Fries etwa die Hälfte von mehr als zweihundert Gemälden aus der Normandie aus. Das Jahr lieferte das Material, das durch Auswahl und Anordnung eine neue Form erhielt. ^[8]

Die Hoffnung, die das Publikum in den Frühlingsbildern sah, hat eine konkrete Grundlage in ihren Motiven. Die Bilder richten den Blick auf Vorgänge, die weiterliefen, während der menschliche Alltag unterbrochen war. Ihr Interesse reicht jedoch über die Umstände der Pandemie hinaus. Bäume, wechselndes Wetter und wiederholte Beobachtung hatten Hockney schon vor 2020 beschäftigt. Ai Kusumoto, Kuratorin seiner Ausstellung in Tokio 2023, verband seine Freude am Frühling mit der Schwierigkeit und dem Vergnügen, eine Welt zu betrachten, die sich ständig verändert. In ihrer Deutung gründet der Optimismus in der kontinuierlichen künstlerischen Arbeit. ^[9]

Digitale Spuren an einem vertrauten Ort

Das iPad eignete sich für eine Arbeitsweise, bei der sich ein Motiv verändern konnte, bevor die herkömmliche Ausrüstung bereitstand. Hockney konnte rasch beginnen, seine Farben mitnehmen und auf Veränderungen in seiner Umgebung reagieren. Aus früherer Erfahrung kannte er bereits die besonderen Eigenschaften des Bildschirms. Im Gespräch mit Martin Gayford 2010 verband er dessen Leuchtkraft mit leuchtenden Motiven. Er beschrieb, wie er eine kräftige Farbe über eine andere legen konnte, ohne dass die Töne so trüb wurden, wie es bei echten Malfarben vorkommen kann. Diese Erkenntnisse brachte er nach Jahren digitaler Arbeit in die Normandie mit. ^[10]

Inzwischen war auch die Software genauer auf seine Bedürfnisse zugeschnitten. Reflex Arc, das Unternehmen von Richard England, entwickelte die maßgeschneiderte App Hockney Brushes nach eigenen Angaben hauptsächlich Anfang 2018 gemeinsam mit dem Künstler und seinen Assistenten. Sie ging aus Steve Sprangs quelloffener Software Brushes hervor, war aber eine eigenständige Anwendung für Hockneys bevorzugte Arbeitsabläufe und eigens entwickelte Pinsel. Die Foundation überliefert seine Erinnerung daran, 2018 um neue Pinsel gebeten zu haben. Die Gemälde aus der Normandie gehören damit zu einer späteren technischen Phase als seine ersten iPad-Zeichnungen von 2010. ^{[11] [7]}

Kusumoto erläutert das Ergebnis anhand einer Unterscheidung. Sie stellt rasch nach der Anschauung entstandene iPad-Zeichnungen aufwendiger aufgebauten iPad-Gemälden gegenüber. Als Beispiel für eine in Schichten entwickelte Komposition nennt sie das Blumenbild aus der Normandie vom 16. März 2020. Sie verweist auch auf kleine blattartige Formen und Punkte, die mit den neueren Pinseln entstanden. Eine ähnliche Spur kann an einer Stelle Gras und an einer anderen ein Dach darstellen. Ihre Bedeutung ergibt sich aus ihrer Position, ihrer Wiederholung und ihrem Verhältnis zu den benachbarten Spuren. ^[12]

Mit dieser sparsamen Verwendung der Mittel kommen Ort und Werkzeug zusammen. Ein Garten bietet viele kleine, wiederkehrende Formen. Der Künstler muss entscheiden, welche Unterschiede er festhält. Derselbe digitale Pinsel kann dabei helfen, unterschiedliche Materialien und Entfernungen bildnerisch zu erfassen. Kusumotos Darstellung macht verständlich, warum man beim genauen Betrachten eines Bildes aus der Normandie sowohl Pflanzen oder Gebäude erkennt als auch darauf achtet, wie sie dargestellt wurden. Der Beitrag zu Hockneys iPad-Kunst verfolgt die Entwicklung dieser Werkzeuge. ^[12]

Laut Reflex Arc speicherte die App die einzelnen Striche, sodass die Bilder erneut abgespielt und für bestimmte großformatige Präsentationen neu berechnet werden konnten. Die Beschreibung bezieht sich auf die Software des Ateliers und auf das Verfahren, mit dem es die Bilder exportierte. Sie erklärt den Weg vom tragbaren Zeichengerät zum gedruckten Panorama. Weitere technische Arbeit verband die Unmittelbarkeit des Zeichnens im Freien mit den Dimensionen einer Ausstellung. Neben Hockneys Arbeit auf dem Bildschirm erforderte das Vergrößern und Präsentieren der Bilder auch Zusammenarbeit. ^[11]

Bayeux, Bildrollen und das Publikum in Bewegung

In der Normandie begegnete Hockney einer anderen Art von langem Bild. Der Teppich von Bayeux erzählt eine Geschichte in einer ausgedehnten Folge gestickter Szenen. Während seiner Zeit in der Region sah Hockney ihn sich erneut an. Seine Bedeutung war schon in den Zeichnungen von 2019 erkennbar. Pace brachte deren Verbindung verschiedener Blickpunkte und Momente sowohl mit dem Teppich als auch mit chinesischen Bildrollen in Verbindung. Das historische Werk aus der Region knüpfte an Hockneys jahrzehntelanges Interesse an ausgedehnten Bildräumen an. ^[3]

Historischer Vergleich: die Eingangsszene des Teppichs von Bayeux mit Eduard dem Bekenner, fotografiert von Myrabella. Myrabella / Wikimedia Commons. Bildquelle. Gemeinfrei. Bildgröße geändert und in JPEG konvertiert, ohne Beschnitt oder Farbänderung.

Kusumoto verbindet dieses Interesse mit Hockneys Frage nach der Rolle des Körpers beim Betrachten. Ein fester Blickpunkt beschränkt das Publikum ihrer Auffassung nach auf einen Standort, während Bildrollen eine Welt andeuten, die man betreten und durchqueren kann. Ein langes Panorama aus der Normandie braucht Zeit. Man muss sich bewegen, sich an frühere Abschnitte erinnern und sie mit dem Folgenden verbinden. Der Vergleich betrifft die Art, wie Bilder das Seherlebnis gestalten, und lässt die Eigenheiten der jeweiligen Tradition bestehen. ^[9]

Bildrolle zum Vergleich: Wang Hui und Mitarbeiter, Die südliche Inspektionsreise des Kaisers Kangxi, dritte Rolle, von Ji’nan zum Berg Tai, auf 1698 datierbar, Metropolitan Museum of Art. Wang Hui und Mitarbeiter / The Metropolitan Museum of Art / Wikimedia Commons. Bildquelle. CC0 / Gemeinfrei. Bildgröße geändert und in JPEG umgewandelt, ohne Beschnitt oder Farbänderung.

In A Year in Normandie liefert die Natur die Ereignisse, die sich nacheinander entfalten. Das Begleitheft der Serpentine stellt die bewegten Figuren, Pferde und Schiffe des Teppichs den Bäumen und Bächen in Hockneys Fries gegenüber. Gelegentlich deutet ein Stuhl oder ein Baumhaus auf Menschen hin. Im Garten lässt sich verfolgen, wie die Zeit sein Aussehen verändert. Der Beitrag zu A Year in Normandie behandelt die vollständige Abfolge und den Aufbau des Werks. ^[8]

Der Bezug zur Region wurde 2022 besonders greifbar, als das Museum des Teppichs von Bayeux eine Ausstellung mit Reproduktionen beider langer Werke im halben Maßstab ankündigte. Damit kehrte Hockneys Erzählung der Jahreszeiten an den Ort zurück, der mit einer ihrer Quellen verbunden war. Das Publikum konnte vergleichen, wie ein langes Bild eine Folge historischer Ereignisse erzählt und ein anderes den Verlauf eines Jahres vermittelt. ^[13]

Das Musée de l’Orangerie hatte in seiner Ausstellung von Oktober 2021 bis Februar 2022 einen anderen Vergleich angeboten. Es zeigte Hockneys Fries ausdrücklich in Bezug auf Monets Seerosen. Die Verbindung betraf die Natur, die wiederholte Beobachtung und die Möglichkeit, ein Bild um sein Publikum herum zu entfalten. Obstwiese und Teich fanden so Eingang in die französische Tradition groß angelegter Landschaftsmalerei und behielten dabei Hockneys leuchtende Farbflächen und digitalen Spuren. ^[1]

Claude Monet, Die Seerosen – Die Wolken (Les Nuages), 1915–1926, Musée de l’Orangerie, Paris. Ein historisches Beispiel für eine ausgedehnte Teichansicht ohne sichtbaren Horizont. Claude Monet / RMN (Musée de l’Orangerie), Michel Urtado / Wikimedia Commons. Bildquelle. Gemeinfrei. Bildgröße geändert und in JPEG konvertiert, ohne Beschnitt oder Farbänderung.

Malerei, Modelle und Atelier

Nach der Quarantäne wurde auch das gesellschaftliche Leben in der Normandie wieder vielfältiger. Die Ausstellungstexte der National Portrait Gallery von 2023 beschreiben, wie Hockney ab 2021 Menschen ins Atelier einlud und bis 2022 nach dem Leben porträtierte. Er begann mit vertrauten Menschen wie seinem Partner Jean-Pierre Gonçalves de Lima und seinem Freund Charlie Scheips, bevor er den Kreis erweiterte. Neben Freunden und Besuchern saßen ihm auch sein Atelierassistent, sein Gärtner und sein Fußpfleger Modell. Die Bilder machen die sozialen Beziehungen in seinem Arbeitsumfeld sichtbar. ^[14]

Die Porträts entstanden in zwei oder drei Sitzungen. Hockney trug die Acrylfarbe rasch und ohne Vorzeichnung auf die Leinwand auf. Die Galerie schilderte, wie gern er nach der intensiven Arbeit an digitalen Landschaften wieder Pinsel in der Hand hielt. Ihr Bericht verfolgt anschließend seine Rückkehr zu neuen Medien und zu den Landschaften rund um sein Haus. Dieser Wechsel zwischen Motiven und Materialien zeigt, welche Rolle die Normandie spielte. Derselbe Ort trug mehrere Untersuchungen, und neben der Arbeit am Bildschirm blieb das Malen auf Leinwand Teil seiner Praxis. ^[14]

Auch die Landschaften aus der Normandie in Acryl wurden öffentlich gezeigt. In ihrer Ausstellung von 2025 platzierte die Fondation Louis Vuitton eine Gruppe dieser Bilder nach der digitalen Serie 220 for 2020. Sie lenkte den Blick auf die lebhaften Pinselspuren am Himmel und deutete eine entfernte Verwandtschaft mit Van Gogh an. In Rouen wurden 2024 neuere Landschaften neben Monet gezeigt, weitere Gemälde standen zwischen Werken von Blanche und Renoir. Diese Entscheidungen machten den Zusammenhang zwischen Hockneys Arbeit vor Ort und den Gemäldesammlungen der Region sichtbar. ^{[4] [15]}

Die Normandie nach Einbruch der Dunkelheit

Das Mondlicht eröffnete einen weiteren Zugang zur vertrauten Umgebung. Der Bericht der Galerie Lelong über The Moon Room beginnt mit einer ungewöhnlich hellen Nacht im April 2020, als Hockney vom Fenster aus den Vollmond zeichnete. Die Galerie verbindet das anschließende Projekt mit seiner Lektüre von Maupassants Clair de lune, das in derselben Landschaft spielt. Die Präsentation von 2026 umfasste fünfzehn Nachtbilder, datiert zwischen dem 8. April und dem 5. Dezember 2020. ^[16]

Die Galerie schildert die Nacht des 31. Oktober besonders anschaulich. Hockney fertigte in dieser Nacht fünf Zeichnungen an. Er ging vom Fenster weg und hinaus in den Garten. Das Haus erschien mit erleuchteten Fenstern, während der Mond zwischen Abend und Morgen seine Position veränderte. Zwei Arten von Licht trafen zusammen: das Licht aus dem Inneren des Hauses und das Licht, das den Himmel darüber veränderte. Einen Ort, den er bei Tageslicht kannte, lernte er unter wechselnden Sichtverhältnissen neu kennen. ^[16]

Einige Jahre nach ihrer Entstehung erreichten diese Nachtansichten ein größeres Publikum. Die Ausstellung Normandism in Rouen zeigte 2024 einen Mondraum mit dreizehn nächtlichen iPad-Zeichnungen und zwei Leinwandgemälden in Blau und Schwarz mit blassen oder goldenen Mondreflexen. Die Galerie Lelong beschrieb 2026 ihre fünfzehn digitalen Nachtbilder als auf Papier gedruckt und auf Aluminium montiert. Der Ausstellungstitel umfasste unterschiedliche Präsentationen. Die Arbeit an den Nachtbildern hatte im selben Jahr begonnen wie die Beobachtungen des Frühlings. ^{[15] [16]}

Die Normandie in den späten Ausstellungen

2025 nahm die Normandie ein ganzes Stockwerk der Überblicksausstellung in der Fondation Louis Vuitton ein. Das digital festgehaltene Jahr, die Acryllandschaften und das Tuschepanorama von 2019 waren in aufeinanderfolgenden Räumen zu sehen. 2026 zeigte die Serpentine A Year in Normandie zusammen mit Hockneys späten Londoner Gemälden. Im Begleitheft stand, dass der Fries im Hintergrund zweier neuerer Porträts erneut auftauchte. Die erinnerte Landschaft konnte nun in die Atelierbilder selbst eingehen. ^{[4] [8]}

Hockney starb am 11. Juni 2026. Die Arbeiten aus der Normandie gehören zu seinen letzten Schaffensjahren. Ihr Wert liegt in den konkreten Möglichkeiten, die ihm der Ort bot: einer Obstwiese, die er genau genug beobachten konnte, um kurze Veränderungen festzuhalten, einem Teich, der die Darstellung von Wasser erneut zur Aufgabe machte, einem von mehreren Seiten erkundeten Haus, einem Atelier für die Porträtsitzungen und einem Garten, in den er bei Mondlicht zurückkehrte. Bei all diesen Motiven wurde das Wohnen an einem Ort zu einer Methode, ihn über längere Zeit zu betrachten. ^[17]