Blumen und Stillleben

Eine Vase mit Blumen bot David Hockney mehrere Motive auf einmal: die Form einer Blüte, den Raum zwischen den Stielen, das Licht, das durch das Wasser fällt, und den Tisch darunter. Indem er immer wieder zu Blumen zurückkehrte, konnte er vertrauten Dingen neue Fragen stellen. Ein radierter Schatten, eine farbenfrohe Lithografie und eine auf dem Telefon gezeichnete Blume konnten jeweils etwas zeigen, das die anderen anders behandelten. Die Kuratorin Ai Kusumoto rückte diesen Zusammenhang 2023 in der Ausstellung des Museum of Contemporary Art Tokyo in den Mittelpunkt und stellte Blumenbilder aus weit auseinanderliegenden Jahren einander gegenüber. ^[1]

Diese Arbeiten gehören auch zum Alltag. Blumen kamen als Sträuße ins Haus, standen im Atelier, erschienen neben Porträtmodellen und wurden zu Bildern, die Hockney Freunden schickte. Im Freien machte die Blüte einen Baum für kurze Zeit zu einem Ereignis, das Aufmerksamkeit verlangte. Verfolgt man diese Motive durch Hockneys Werk, zeigt sich, wie Beobachtung, Freundschaft und praktisches Experiment immer wieder in derselben schlichten Anordnung zusammentrafen.

Vase, Blumen und Schatten

Vase and Flowers stammt aus dem Jahr 1969. Das Museum of Contemporary Art Tokyo nennt Radierung und Aquatinta als Techniken. Das ist ein guter Ausgangspunkt für die Betrachtung, denn das Bild verbindet unterschiedliche Arten gedruckter Spuren, statt alles in einen einheitlichen Umriss zu übertragen. ^[2]

Kusumoto hob den Unterschied zwischen der Vase und ihrem blassen Schatten hervor. Die unterschiedlichen Strukturen zeigen, wie Hockney nach Spuren suchte, die dem jeweiligen Medium entsprachen. In der Ausstellung in Tokio hing der Druck neben No. 118, 16th March 2020, einem iPad-Blumenbild aus der Frühlingsfolge der Normandie. Die Gegenüberstellung verband ein wiederkehrendes Motiv mit Ausdrucksmitteln, die sich mit dem Material veränderten. Eine Blume blieb für Hockney auch dann interessant, wenn er bereits eine überzeugende Art gefunden hatte, sie zu zeichnen. ^[1]

Die Kombination aus Radierung und Aquatinta erklärt diese Ausdrucksmittel. Eine radierte Linie kann eine Kante oder einen Stiel herausarbeiten. Aquatinta ermöglicht Flächen mit abgestuften Tonwerten. Ein Schatten tritt anders in Erscheinung als der Gegenstand, der ihn wirft. Er breitet sich auf einer Fläche aus, während die Vase sich darüber zu erheben scheint. Wer auf diesen Unterschied achtet, sieht im Stillleben eine Untersuchung räumlicher Beziehungen ebenso wie eine Darstellung von Blumen. Die Entwicklung von Hockneys Druckgrafik stellt diese Untersuchung neben seine anderen Arbeiten in der Originaldruckgrafik.

Blumen neben einem Porträtmodell

Ein Stillleben konnte auch den Rahmen für ein Porträt bilden. Für sein Gemälde von Sir David Webster, dem Direktor des Royal Opera House, holte Hockney sein Modell 1971 ins eigene Atelier. Er erinnerte sich, wie schwer es ihm fiel, den passenden Ort zu finden, weil er Webster weniger gut kannte als seine Freunde. Schließlich nutzte er den Tisch, den Stuhl und die Blumen im Atelier. Die Anordnung ergab sich aus einer konkreten Frage: In welchem gemalten Raum konnte er diesem Menschen eine überzeugende Präsenz geben? ^[3]

Die Blumen charakterisieren den Raum, geben dem Auge eine weitere Form zum Betrachten und stellen pflanzliches Wachstum neben Möbel und den sitzenden Körper. Das Stillleben in einem Porträt verdient auch für sich Aufmerksamkeit. Die Wahl des Ateliers legt zudem nahe, den Blumen in Hockneys Werk keine einheitliche Bedeutung zuzuschreiben. Ihre Rolle hängt vom jeweiligen Raum, von ihrer Beziehung zu anderen Formen und davon ab, was über die Entstehung des Bildes bekannt ist.

Die Verbindung zwischen dem Zeichnen einer Person und dem Zeichnen der Dinge in ihrer Nähe zieht sich durch Hockneys Zeichnungen. In beiden Fällen muss der Künstler entscheiden, wohin er blickt, was er genau beschreibt und welche Striche diese Aufgabe übernehmen. Die Vase bleibt erkennbar, doch ihre Rolle ändert sich, wenn sie mit einem Modell denselben Raum teilt.

Eine Amaryllis und ein Tisch, der sich weitet

In Amaryllis in Vase (1984) übernimmt der Tisch eine besonders aktive Rolle. Das Kunstmuseum Luzern beschreibt die umgekehrte Perspektive: Hockney kehrt die vertraute Anordnung um und setzt den Fluchtpunkt hinter das Publikum. Die Fläche unter den Blumen stellt so die Erwartung infrage, dass parallele Kanten gleichmäßig in der Ferne zusammenlaufen. Der Strauß steht in einem Raum, der sich zu den Betrachtenden hin zu öffnen scheint. ^[4]

Die Lithografie auf Papier gehört zu den Untersuchungen von Moving Focus. Der Begleittext des Musée Granet zur Ausstellung der Tate-Sammlung stellt diese farbintensiven Stillleben neben Interieurs und Porträts, die sich mit Erinnerung, Perspektive und Bewegung befassen. Ihre räumlichen Veränderungen laden dazu ein, sich den Blick durch einen Raum vorzustellen, in dem sich Eindrücke nach und nach sammeln. Man kann einen Tisch erfassen, indem man an ihm entlanggeht, auf seine Fläche hinabblickt und sich dann dem zuwendet, was darauf steht. ^[5]

Die Amaryllis gibt dem räumlichen Experiment einen vertrauten Bezugspunkt. Man erkennt eine Vase auf einem Möbelstück und bemerkt deshalb sofort, wenn dessen Geometrie verändert ist. Die umgekehrte Perspektive beeinflusst, wie nah die Anordnung wirkt und wie sich der umgebende Raum zum Publikum verhält. Ihre Wirkung reicht über den ungewöhnlichen Umriss um das Blumenmotiv hinaus. Die Kuratoren in Luzern verbinden Hockneys mehrere Blickpunkte mit der Beweglichkeit der alltäglichen Wahrnehmung, bei der die Aufmerksamkeit selten auf einem Punkt bleibt. ^[4]

Stillleben mit Kopierer und Kamera

Hockneys Blumen und Früchte gelangten auch in den Bürokopierer. 1986 begann er mit den Home Made Prints. Er setzte Farbpatronen ein, wiederholte Elemente und veränderte ihre Größe, um Bilder in Schichten aufzubauen. Die Chronologie der Foundation führt Flowers, Apple & Pear on a Table, July 1986, Red, Blue & Green Flowers, July 1986 und Dancing Flowers, May 1986 auf. Die Titel stellen Blumensträuße in dasselbe alltägliche Repertoire wie Obstschalen, Stühle und Menschen. ^[6]

Das Gerät veränderte den Arbeitsablauf. Hockney konnte die einzelnen Schritte selbst ausführen und zwischen dem Scanner und dem entstehenden Druck wechseln. Ein Stillleben bot Formen, die sich wiederholen, neu anordnen und mit verschiedenen Farben verbinden ließen. Diese Versuche führen weiter, was in Vase and Flowers schon sichtbar ist: Das Herstellungsverfahren prägt das Aussehen des Bildes. Ein Kopierer bot andere Möglichkeiten als eine Radierplatte oder eine Lithografiewerkstatt. ^[6]

1995 erprobte Hockney eine weitere Art, eine Blume und ihr Bild zusammenzubringen. Die Foundation beschreibt Fotografien, auf denen seine Gemälde neben ihren Motiven erscheinen. Er arbeitete mit einer Kamera im Format 8 × 10 Zoll. Die Diapositive wurden gescannt und bei Nash Editions im Tintenstrahlverfahren gedruckt. Die Werkliste nennt Photograph of a Photograph with Photograph of Painting and Motif. July 10th 1995 und Roses for Mother 4 Dec 1995. Das Bild konnte nun Spuren eines anderen Bildes enthalten und den beobachteten Gegenstand mit seinen aufeinanderfolgenden Darstellungen in Beziehung setzen. ^[7]

Frische Blumen auf dem Telefon

2009 fanden Blumen einen neuen Weg von Hockney zu seinen Freunden. Im Interview von 2010 erinnerte Martin Gayford daran, wie Hockney Blumen auf dem iPhone zeichnete und die Bilder morgens an einen kleinen Kreis verschickte. John Fitzherbert kaufte die Sträuße, und Hockney arbeitete am Schlafzimmerfenster, während sich das Licht veränderte. Der leuchtende Bildschirm eignete sich besonders für helle Motive wie das Licht, das sich in Glas und Wasser fängt. ^[8]

Diese Beobachtungen waren für andere Menschen bestimmt. Aus einem Strauß, den jemand für das Zimmer gekauft hatte, konnte eine Zeichnung werden, die noch am selben Morgen anderswo ankam. Die Empfänger sahen neben den Blumen auch Hockneys Strich. Das Bild hielt eine Anordnung fest, die sich verändern würde, und bewahrte durch den schnellen Versand etwas von einem gerade überreichten Geschenk.

Auch der Umgang mit den Werkzeugen musste gelernt werden. Im selben Interview beschrieb Hockney, wie er in Brushes dickere und dünnere Linien, Transparenz und weiche Ränder beherrschen lernte. Er schätzte das flüssige Zeichnen auf Glas und merkte zugleich an, dass ihm dabei der Widerstand von Papier fehlte. Als er im Frühjahr 2010 mit dem größeren iPad zu arbeiten begann, hatten seine Hand und seine Striche mehr Platz. Diese materiellen Unterschiede sind wichtig, wenn man ein Blütenblatt, eine durchscheinende Vase oder das Licht auf einem Tisch betrachtet. ^[8]

Eine Zeichnung auf dem Bildschirm und eine Auflage auf Papier

Bei den frühen digitalen Blumenbildern sind die einzelnen Werke auseinanderzuhalten. Die Unterlagen zur Ausstellung bei L.A. Louver von 2018 führen White Rose (2009) als auf Papier gedruckte iPhone-Zeichnung und Sunflowers (2010) als auf Papier gedruckte iPad-Zeichnung. Beide sind mit einer Auflage von fünfundzwanzig Exemplaren verzeichnet. Gerät, Datum und Druckform gehören jeweils zur Identität des Werks. ^[9]

Eine digital gezeichnete Blume konnte unter Freunden zirkulieren und auch zu einem Werk auf Papier mit genau festgelegten Eigenschaften werden. Man begegnete ihr auf zwei Arten: auf einem leuchtenden Bildschirm in der Hand oder auf einem Blatt in einem gewählten Format an der Wand. Die gedruckte Auflage gibt der digitalen Zeichnung eine greifbare Oberfläche und bestimmte Maße. Sie gehört auch zu einer größeren Gruppe häuslicher Motive. Jessica Cole, Kuratorin an der National Gallery of Victoria, beschrieb eine Schenkung von siebenundzwanzig Zeichnungen aus den Jahren 2009 bis 2012 an das Museum. Darunter waren Blumenvasen, Obst, Aschenbecher, Scheren, Innenräume und Ausblicke aus Fenstern. Die Blumen stehen neben den Dingen, mit denen Hockney lebte. ^[10]

Auch die Software veränderte sich im Lauf der Zeit. Laut Reflex Arc entstand die frühe Arbeit mit Steve Sprangs Brushes. Die eigenständige, auf Hockney zugeschnittene Anwendung Hockney Brushes wurde hauptsächlich Anfang 2018 entwickelt. Richard England und das Atelier richteten die Software auf Hockneys Arbeitsweise und seine Pinsel aus. Nach Angaben von Reflex Arc speicherte sie Daten zu den einzelnen Strichen, um sie erneut abzuspielen und die Bilder im Ausstellungsformat neu zu berechnen. Diese spätere Entwicklung gehört zum Hintergrund der Blumenbilder aus der Normandie. Die frühen Zeichnungen auf dem Telefon entstanden unter anderen technischen Bedingungen. Der Beitrag zu Hockneys iPad-Kunst geht diesen Veränderungen nach. ^[11]

Die Blüte verändert den Maßstab des Motivs

Im Freien konnten Blüten eine ganze Landschaft einnehmen. In May Blossom on the Roman Road (2009) wird die Weißdornblüte zum Thema eines Ölgemäldes auf acht Leinwänden. Der Ausstellungstext der Fondation Louis Vuitton von 2025 bezeichnet den Strauch als Weißdorn und ordnet das Werk in Hockneys erneute Beschäftigung mit Yorkshire ein. Der Maßstabswechsel fällt sofort auf. Die Blüte reicht über den Rand einer Vase hinaus und wird zur Begegnung mit einem bestimmten Ort. ^[12]

Botanischer Vergleich: blühender Weißdorn im Gibberd Garden in Essex. Acabashi / Wikimedia Commons. Bildquelle. CC BY-SA 4.0. Bildgröße geändert und in JPEG konvertiert, ohne Beschnitt oder Farbänderung. Die bearbeitete Fassung bleibt unter CC BY-SA 4.0 lizenziert.

Ein Strauß aus Schnittblumen und ein blühender Baum laden auf unterschiedliche Weise dazu ein, zum Motiv zurückzukehren. Drinnen kann der Künstler denselben Tisch mit derselben Anordnung wieder aufsuchen. Draußen verändern sich Licht, Laub und die umliegende Landschaft gemeinsam. Das Gemälde hält eine Phase dieses Vorgangs fest. Durch sein Format kann die kurze Blüte die Aufmerksamkeit länger binden. Das Publikum kann vor dem vertrauten jahreszeitlichen Motiv stehen bleiben und es erkunden.

2020 verfolgte Hockney diese Veränderungen in der Normandie durch wiederholte Beobachtungen auf dem iPad. In seinem von der Foundation überlieferten Bericht beschreibt er die Abfolge von kahlen Winterzweigen über Knospen und volle Blüte bis zu Blättern und kleinen Früchten, als die Blütenblätter abfielen. Der Übergang von der Blüte zu jungen Früchten und Blättern dauerte ihm zufolge etwa zwei Wochen. Das war eine einzelne Veränderung in einem längeren Frühling. Die 116 entstandenen Bilder wurden 2021 in der Royal Academy unter dem Titel The Arrival of Spring, Normandy, 2020 ausgestellt. ^[13]

Historischer Vergleich: Roger Dumas, blühende Apfelbäume bei Clécy in der Normandie, Mai 1929, Autochrom, Musée Albert-Kahn. Roger Dumas / Département des Hauts-de-Seine, musée Albert-Kahn / Wikimedia Commons. Bildquelle. CC BY-SA 4.0. Bildgröße geändert und in JPEG konvertiert, ohne Beschnitt oder Farbänderung. Die bearbeitete Fassung bleibt unter CC BY-SA 4.0 lizenziert.

Die Folge gibt der Blüte eine Rolle, die ein einzelnes Stillleben nicht bieten kann. Von Bild zu Bild lässt sich vergleichen, was dichter geworden ist, sich geöffnet hat, verschwunden ist oder seinen Platz eingenommen hat. Hockney verbindet in seiner Schilderung auch seine wachsende Sicherheit beim Zeichnen auf dem Bildschirm mit den späteren Seerosen im Teich. Das Wachstum der Pflanzen und die Entwicklung seiner Bildsprache gingen Hand in Hand. Der Beitrag über Hockneys Arbeit in der Normandie verfolgt diesen Zusammenhang in den größeren Jahreszeitenprojekten. ^[13]

Die zwanzig Blumen: Entstehung und Ausstellung

Die zwanzig Blumenbilder zu 20 Flowers and Some Bigger Pictures entstanden 2021. Das französische Pressedossier des Musée Matisse datiert die Sträuße auf den Zeitraum vom 30. Januar bis zum 21. April jenes Jahres. Im Sommer 2022 waren sie in der Ausstellung Hockney–Matisse: Un paradis retrouvé in Nizza zu sehen. Die Entstehungsdaten helfen, spätere Präsentationen einzuordnen. Das Jahr im Titel einer Ausstellung gibt nicht zwangsläufig das Entstehungsjahr jedes Werks im Saal an. ^[14]

In seinem veröffentlichten Bericht erinnerte sich Hockney daran, dass Blumen auf dem Tisch zu Hause den Ausgangspunkt bildeten. Die tief stehende Wintersonne warf einen kräftigen Schatten. Die Sträuße kamen aus einem Blumenladen in Dozulé und wurden mit Blick auf ihre Farben bestellt. Zunächst verwendete Hockney eine Keramikvase. Dann bemerkte er, wie reizvoll das Sonnenlicht wirkte, wenn es auf das Wasser in einer Glasvase traf. Ein anderes Gefäß stellte ihn vor eine neue malerische Aufgabe. Die Serie entwickelte sich aus solchen Veränderungen an einem Motiv in seiner unmittelbaren Nähe. ^[15]

In Nizza wurden die iPad-Bilder in geschnitzten Holzrahmen gezeigt. Die Kuratoren stellten ihre fließenden Spuren Matisse’ Flowers and Fruits gegenüber und brachten die beiden Künstler in einen konkreten Ausstellungsdialog. So lassen sich Farbe, Blüte und die sichtbare Arbeit am Bild vergleichen, ohne jeden Strauß Hockneys als Nachahmung von Matisse zu lesen. Die Ausstellung lud dazu ein, darauf zu achten, was die beiden Arbeitsweisen aneinander sichtbar machen. ^[14]

Hockney erläutert in seinem Essay, wie die Rahmen bei einem Besuch beim Pariser Künstlerbedarfshändler Marin Teil des Projekts wurden. Neben den von Hand auf dem iPad gestalteten Bildern interessierte ihn das sichtbar bearbeitete Holz. Die Rahmung wurde so Teil der Begegnung zwischen dem digitalen Bild und seiner materiellen Präsentation. Er erinnerte sich auch daran, die zwanzig Blumenbilder und vier Frühlingsbilder für Die Welt bereitgestellt zu haben. Die Kompositionen gelangten also sowohl in eine Zeitung als auch an Galeriewände. ^[15]

Annely Juda Fine Art zeigte 20 Flowers and Some Bigger Pictures von November bis Dezember 2022 in London. Die Galerie verzeichnet die Blumendrucke in Auflagen von fünfzig Exemplaren, darunter 28th February 2021, Roses in a Blue Vase und 20th March 2021, Flowers, Glass Vase on a Table. Für diese Ausgaben gelten andere Auflagenangaben als für White Rose und Sunflowers. In London war auch die fotografische Zeichnung 25th June 2022, Looking at the Flowers (Framed) aus dem Jahr 2022 zu sehen. ^[16]

In dieser fotografischen Zeichnung erscheint Hockney zweimal. Er blickt zu den zwanzig Blumenbildern, die an einer blauen Wand angeordnet sind. Pace beschreibt das Werk im Begleittext zur New Yorker Präsentation von 2023 als ein aus einzelnen Fotografien zusammengesetztes Panorama. Die Blumen werden ein zweites Mal zum Gegenstand der Betrachtung: erst als beobachtete Arrangements, dann als gerahmte Werke in einem eigens aufgebauten Bildraum. Der doppelt erscheinende Künstler macht aus einer Stilllebenausstellung ein Bild über das Betrachten dieser Werke. ^[17]

Der Teich, die Wiedergabe und die späten Londoner Blumenbilder

Die Stilllebenserie wurde zusammen mit größeren Kompositionen ausgestellt. 10th–22nd June 2021, Water Lilies in the Pond with Pots of Flowers besteht aus sechs iPad-Gemälden, die ein Werk bilden. Laut Werkangaben von Annely Juda wurde es in einer Auflage von fünfundzwanzig Exemplaren auf zwei Papierbögen gedruckt und auf zwei Dibondplatten montiert. Der Titel verbindet Pflanzen, die im Wasser wachsen, mit Blumen in Töpfen: zwei Anordnungen lebender Formen in derselben Ansicht. ^[16]

Salts Mill präsentierte das Werk später in anderer Form neben der Ausstellung 20 Flowers for 2025 and Some Bigger Pictures. Laut der offiziellen Beschreibung spielte eine Installation auf sechs Bildschirmen die iPad-Pinselstriche ab, aus denen das Teichbild entstand. Das Publikum konnte verfolgen, wie sich das Bild nach und nach aufbaute. Im fertigen Stillleben sind alle Spuren gleichzeitig auf einer Fläche zu sehen. Die Wiedergabe lässt ihre Reihenfolge erkennen. Die Blumen bleiben das Motiv, während ihre Darstellung als Vorgang sichtbar wird. ^[18]

Hockney malte Blumen auch weiterhin mit Farbe. Delphiniums on My Garden Table, July 2025 ist ein Acrylgemälde auf Leinwand. In dem mit den Werkangaben von Annely Juda veröffentlichten Katalogauszug beschreibt Martin Gayford den Strauß als Geschenk zu Hockneys achtundachtzigstem Geburtstag am 9. Juli. Tisch und Blumen verbanden erneut einen Anlass im Leben des Künstlers mit einer Gelegenheit zum Hinsehen. Gayford stellt den Rittersporn neben Rosen und Lilien in anderen neuen Gemälden. ^[19]

Die Foundation ordnet diese späten Gemälde Hockneys Arbeit im Londoner Atelier 2025 zu. Dort entwickelte er die umgekehrte Perspektive weiter. Die digitalen Blumen waren ein Teil einer Praxis, die auch in Acryl, in Möbeln und im Raum um einen Strauß neue Möglichkeiten fand. ^[20]

Das wiederkehrende Motiv bleibt in all diesen Begegnungen offen. An einer Blume lässt sich ein gedruckter Tonwert erproben, das Licht in einer Vase einfangen, eine Jahreszeit festhalten oder die Wärme eines Geschenks vermitteln. Genaues Hinsehen gilt den Stielen und Blütenblättern, aber ebenso dem Tisch, auf dem sie stehen, der Oberfläche des Bildes und dem Weg, auf dem es einen anderen Menschen erreicht.