Picassos Zeitleiste

Einleitung

Picassos Laufbahn verlief nicht als saubere Abfolge von einem Stil zum nächsten. Während er kubistische Bilder schuf, konnte er eine Figur zugleich in eher klassischer Weise zeichnen; neben der Malerei arbeitete er mit Druckgrafik, Skulptur, Bühnenbild und Keramik. Eine Zeitleiste macht die Veränderungen leichter nachvollziehbar, sofern ihre Daten als Stationen einer fortdauernden Praxis verstanden werden und nicht als Türen, die eine Periode schließen und eine andere öffnen.^[1][2]

Diese Chronologie verfolgt die Orte, Menschen, Werke und öffentlichen Ereignisse, die diese Praxis prägten. Sie ist eine Auswahl: Wendepunkte erhalten mehr Raum als jede einzelne Ausstellung oder Reise. Die Datierung eines Gemäldes bezeichnet seine Entstehung, nicht unbedingt seine erste Ausstellung. Gerade bei Les Demoiselles d’Avignon ist dieser Unterschied wichtig: Das Bild entstand 1907, wurde aber erst 1916 erstmals öffentlich gezeigt.^[3]

Auf einen Blick

• Zeitraum:1881–1973
• Schwerpunkte:Orte, Menschen, Werke und öffentliche Ereignisse
• Lesart:Eine ausgewählte Chronologie, keine Reihe abgeschlossener Stilperioden

Inhalt

1. 1881–1900: Málaga, A Coruña und Barcelona
2. 1901–1905: Paris, Barcelona und der Übergang von der Blauen zur Rosa Periode
3. 1906–1914: Zum Kubismus und über die bemalte Fläche hinaus
4. 1915–1925: Theater, Klassizismus und gleichzeitige Stilrichtungen
5. 1926–1935: Skulptur, große Ausstellungen und veränderte Beziehungen
6. 1936–1945: Bürgerkrieg, Guernica und das besetzte Paris
7. 1946–1962: Das Mittelmeer und vielfältige Arbeitsweisen
8. 1963–1973: Museum, Schenkungen und Spätwerk
9. Wie die Daten zu lesen sind

1881–1900: Málaga, A Coruña und Barcelona

1881 — Geburt in Málaga. Pablo Ruiz Picasso wurde am 25. Oktober als Sohn des Malers und Zeichenlehrers José Ruiz Blasco und von María Picasso López geboren. Das familiäre Umfeld und die Ausbildung seiner Kindheit helfen, die Sicherheit seiner frühen Zeichnungen zu erklären. Für sich genommen lassen sie die radikalen Formen seines späteren Werks jedoch nicht vorhersehen.^[1][2]

1891–1895 — Ausbildung und Umzüge der Familie. Die Familie ließ sich 1891 in A Coruña nieder. Picasso besuchte dort die Schule, an der sein Vater unterrichtete. Seine jüngere Schwester Conchita starb im Januar 1895. Noch im selben Jahr zog die Familie nach Barcelona, und Picasso trat in die als La Llotja bekannte Kunstschule ein. Seine weitere Geschichte wird oft als die eines jungen Künstlers erzählt, der akademische Regeln hinter sich ließ. Die erhaltenen Arbeiten zeigen jedoch, wie gründlich er diese Regeln zunächst erlernt hatte.^[1][2]

1896–1897 — Anspruchsvolle Schülergemälde. Die Erstkommunion (1896) und Wissenschaft und Barmherzigkeit (1897) zeigen Picasso bei großformatigen Arbeiten innerhalb akademischer Konventionen. Für Wissenschaft und Barmherzigkeit inszenierte er die medizinische Versorgung einer kranken Frau und reichte das Bild bei Ausstellungen ein. Diese Gemälde sind nicht deshalb wichtig, weil sie bereits wie Kubismus aussähen, sondern weil sie einen Jugendlichen zeigen, der Figuren, Licht und Erzählung für die öffentliche Präsentation ordnen konnte.^[1][2]

1897–1898 — Madrid und Horta de Sant Joan. Picasso ging nach Madrid, um an der Real Academia de Bellas Artes de San Fernando zu studieren, und beschäftigte sich im Prado mit älteren spanischen Gemälden. Anschließend hielt er sich bei seinem Freund Manuel Pallarès in Horta de Sant Joan auf. Diese Erfahrungen erweiterten seine visuelle Ausbildung über den Unterricht hinaus. Horta blieb ein Ort, zu dem er auf Reisen und in seiner Arbeit zurückkehrte.^[1][2]

1899–1900 — Ein Kreis in Barcelona, dann Paris. Picasso wurde Teil der Kunstszene um Els Quatre Gats, das Café und Ausstellungszentrum in Barcelona. Dort begegnete er Schriftstellern, Künstlern und späteren Unterstützern, darunter Carles Casagemas und Jaume Sabartés. Im Jahr 1900 hatte er bei Els Quatre Gats eine Einzelausstellung und reiste mit Casagemas zur Weltausstellung nach Paris. Die Reise leitete einen Wechsel zwischen beiden Städten ein, nicht die sofortige Abkehr von Barcelona.^[1]

1901–1905: Paris, Barcelona und der Übergang von der Blauen zur Rosa Periode

1901 — Verlust, Ausstellung und ein Wandel der Farbpalette. Casagemas nahm sich am 17. Februar in Paris das Leben, während Picasso in Spanien war. Picasso kehrte später im Jahr nach Paris zurück. Im Juni eröffnete in Ambroise Vollards Galerie eine gemeinsame Ausstellung mit Francisco Iturrino, bevor die düsteren, von Blau beherrschten Bilder, für die die Blaue Periode heute bekannt ist, vollständig Gestalt angenommen hatten. Ab dem Herbst zeigen Darstellungen von Casagemas und anderen Figuren eine zunehmende Hinwendung zum Blau. Es wäre zu einfach zu behaupten, ein einzelner Todesfall habe augenblicklich einen fertigen Stil hervorgebracht.^[1][2][4]

1902–1903 — Arbeit zwischen zwei Städten. Picasso verbrachte längere Zeit in Barcelona und hielt zugleich Verbindungen nach Paris aufrecht. Zu seinen Motiven gehörten Menschen in Armut, Mütter und Kinder, Arbeiter, Gefangene und einsame Gestalten. La Vie, 1903 in Barcelona gemalt, zählt zu den vielschichtigsten Werken dieser Jahre. Seine Bedeutung ist umstritten; ein Datum in einer Zeitleiste soll es in eine sich entwickelnde Praxis einordnen und nicht zu einem einzigen biografischen Bekenntnis machen. Die Pariser und die Barceloner Seite der Blauen Periode gehören zusammen.^[1][4]

1904 — Ein dauerhafterer Umzug nach Paris. Picasso ließ sich im Bateau-Lavoir auf dem Montmartre nieder. Er schuf Das karge Mahl, eine Radierung von zwei Menschen an einem spärlich gedeckten Tisch, und malte weiterhin Figuren, deren emotionale Wirkung auf Haltung und Farbe beruhte. Fernande Olivier wurde in seinem Leben und in Berichten über den Pariser Kreis zu einer wichtigen Person. Der Umzug beendete die blauen Bildwelten nicht über Nacht.^[1][2][4]

1905 — Zirkusartisten und wärmere Farben. Harlekine, Akrobaten und andere umherziehende Artisten traten in den oft der Rosa Periode zugeordneten Werken stärker hervor. Wärmere Rosa- und Ockertöne erschienen, doch Verletzlichkeit und Distanz verschwanden nicht. Picasso fand auch Anschluss an den Kreis von Gertrude und Leo Stein. Eine hilfreiche Chronologie zeigt hierin eine Überschneidung und Neuorientierung statt einer wundersamen Verwandlung von Trauer in Glück.^[2][4]

Videos: Pablo Picasso

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Picassos Guernica — Karambolage España

Irgendwas mit ARTE und Kultur

ARTE erzählt die Geschichte von Guernica und den Weg des Gemäldes nach Spanien.

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1906–1914: Zum Kubismus und über die bemalte Fläche hinaus

1906 — Gósol und Gertrude Stein. Picasso und Fernande Olivier verbrachten einen Teil des Jahres in Gósol in den katalanischen Pyrenäen. Sein Porträt von Gertrude Stein gehört in eine Phase entschiedener Vereinfachung von Gesichtern und Körpern. Die Begegnung mit iberischer Skulptur und mit in Paris gesehenen Kunstwerken war Teil einer umfassenderen Suche nach neuen Möglichkeiten, die Figur zu gestalten. Die Quellen dieser Suche sollten genau benannt werden: Eine vage Bezeichnung wie „primitiver Einfluss“ verdeckt unterschiedliche Gegenstände, Kulturen und Bedingungen des Zugangs.^[2][5]

1907 — Les Demoiselles d’Avignon. Nach monatelanger Vorbereitung vollendete Picasso dieses große Pariser Gemälde im Juni und Juli. Seine fünf Figuren und der verdichtete, gebrochene Raum widersprachen vertrauten Darstellungsweisen von Körpern und Tiefe. Der heute gebräuchliche Titel setzte sich um die erste öffentliche Präsentation 1916 durch; er verweist auf eine Straße in Barcelona, die mit dem Motiv der Sexarbeiterinnen des Bildes verbunden ist. Georges Braque und der Kunsthändler Daniel-Henry Kahnweiler traten etwa zu dieser Zeit in Picassos künstlerisches Umfeld. Das Gemälde war ein Wendepunkt, doch der Kubismus war weder das Werk eines einzelnen Künstlers noch einer einzigen Leinwand.^[2][3][5]

1908–1909 — Ein Dialog mit Braque. Picasso und Braque entwickelten einen ungewöhnlich engen Austausch darüber, wie Gegenstände gesehen und dargestellt werden können. Stillleben, Figuren und Landschaften wurden zunehmend durch Facetten und wechselnde Blickwinkel aufgebaut. Picasso kehrte 1909 nach Horta de Sant Joan zurück und malte Gebäude und Landschaft in Formen, die ihre Experimente weiter voranbrachten. Ihr Dialog gehört in ein breiteres Feld von Künstlern und Kritikern, auch wenn die Zusammenarbeit beider Maler im Zentrum dieser Geschichte steht.^[1][2][5]

1910–1911 — Analytischer Kubismus. Porträts und Stillleben wurden dichter und farblich zurückhaltender. Ein Gegenstand musste nicht mehr hinter einem einzigen illusionistischen Fenster stehen; seine Teile konnten über eine Fläche verteilt werden, auf der die Betrachtenden ihre Beziehungen zusammensetzen müssen. Picassos Porträt von Kahnweiler aus dem Jahr 1910 ist ein Beispiel dafür, welche Anforderungen solche Bilder an das Wiedererkennen stellen. Die Arbeiten dieser Jahre wurden innerhalb einer wachsenden kubistischen Bewegung ausgestellt und diskutiert, nicht in Isolation geschaffen.^[2][5]

1912 — Die Collage verändert die Fragestellung. In Stillleben mit Rohrstuhlgeflecht verband Picasso gemalte Zeichen mit einem bedruckten Wachstuch, das Stuhlgeflecht nachahmt, und einer Seileinfassung. Statt ein Material nur malerisch nachzubilden, brachte er ein industriell gefertigtes Material in das Werk ein. Papiers collés und konstruierte Objekte dehnten diese Infragestellung bald darauf aus, was ein Bild oder eine Skulptur sein kann. Daher war der Kubismus mehr als eine neue Art, eine Gitarre oder ein Gesicht zu zeichnen.^[2][5][6]

1914 — Der Krieg unterbricht eine Partnerschaft. Der Erste Weltkrieg zerstörte die unmittelbaren Bedingungen, unter denen Picasso und Braque zusammengearbeitet hatten. Braque wurde zum Militärdienst eingezogen und verwundet; Picasso wurde als in Frankreich lebender spanischer Staatsbürger nicht in die französische Armee einberufen. Er hörte nicht auf, Kunst zu schaffen. Verändert hatten sich die künstlerische und soziale Welt um ihn herum sowie die Bandbreite der Bildsprachen, die er künftig verwenden würde.^[5]

1915–1925: Theater, Klassizismus und gleichzeitige Stilrichtungen

1915–1918 — Verlust und Parade. Eva Gouel, Picassos Partnerin nach Fernande Olivier, starb 1915. Im Jahr 1917 arbeitete er mit Jean Cocteau und den Ballets Russes an Parade und entwarf Bühnenbild und Kostüme. Das Projekt führte ihn nach Italien, unter anderem nach Rom und Neapel, und brachte ihn mit der Tänzerin Olga Khokhlova in Kontakt. Sie heirateten 1918. Eine Zeitleiste, die sich nur auf Gemälde konzentriert, würde übersehen, wie die Bühnenarbeit Maßstab und öffentlichen Rahmen seiner Experimente erweiterte.^[1][2]

1921 — Paulo und Fontainebleau. Im Februar wurde Paulo, der Sohn von Picasso und Olga, geboren. Während eines Sommers in Fontainebleau schuf Picasso große klassizistische Figuren und zwei Fassungen der Drei Musikanten. Das Gemälde im MoMA greift die flächigen Formen und die Logik ausgeschnittenen Papiers des Synthetischen Kubismus auf, während die Arbeiten zu Drei Frauen an der Quelle Schwere und monumentale Form erkunden. Ihr Nebeneinander macht deutlich: Eine „klassische Periode“ bedeutet nicht, dass der Kubismus aufgegeben worden wäre.^[2][7][8]

1924–1925 — Theater und eine schroffere Energie. Picasso entwarf 1924 für das Ballett Mercure. Der Tanz von 1925, heute in der Tate, zeigt einen beunruhigenderen Umgang mit Körpern und emotionaler Spannung. Surrealistische Künstler und Schriftsteller interessierten sich für Picasso, doch sein Werk ging nicht einfach in einer Bewegung auf, der er nie formell beitrat. Mitte der 1920er Jahre wuchs der innere Druck seiner Bilder erneut, ohne dass daraus eine einzige neue Regel für sie entstand.^[2]

1926–1935: Skulptur, große Ausstellungen und veränderte Beziehungen

1927–1931 — Marie-Thérèse Walter und die Skulptur. Picasso lernte Marie-Thérèse Walter 1927 kennen. Sie erscheint in vielen späteren Werken, sollte aber nicht nur als Quelle ihrer Formen beschrieben werden. Zugleich experimentierte Picasso gemeinsam mit dem katalanischen Bildhauer Julio González mit geschweißtem Eisen. Nachdem er 1930 das Château von Boisgeloup gekauft hatte, stand ihm Raum für größere Skulpturen zur Verfügung. Diese Entwicklungen erweiterten die materielle Geschichte seiner Kunst über die Malerei hinaus.^[1][2]

1932 — Eine Retrospektive und ein produktives Jahr. Eine große Ausstellung in der Pariser Galerie Georges Petit gab einen Überblick über Picassos Laufbahn. Christian Zervos begann mit der Veröffentlichung des Werkverzeichnisses. In diesem Jahr entstanden auch viele Gemälde, Zeichnungen und Skulpturen, die heute Erzählungen über Marie-Thérèse und Picassos öffentliche Stellung prägen. Die rückblickende Anerkennung machte aus ihm keine abgeschlossene historische Figur; er veränderte weiterhin, wie sein Werk aussehen konnte.^[2]

1934–1935 — Letzte Spanienreise und Mayas Geburt. Picassos Besuch in Spanien 1934 sollte sein letzter sein. Im Jahr 1935 trennte er sich von Olga, ohne sich scheiden zu lassen, und Marie-Thérèse brachte ihre gemeinsame Tochter Maya zur Welt. Er widmete sich auch dem Schreiben von Gedichten. Diese familiären Ereignisse gehören zur Geschichte, sollten jedoch nicht zu automatischen Erklärungen für jede formale Entscheidung im Atelier werden.^[1][2]

1936–1945: Bürgerkrieg, Guernica und das besetzte Paris

1936 — Spanien im Krieg. Nach dem Militärputsch im Juli unterstützte Picasso die Spanische Republik. Im September ernannte ihn die republikanische Regierung zum Direktor des Prado. Diese Ernennung war politisch und symbolisch bedeutsam; sie ist kein Beleg dafür, dass er nach Madrid zog, um das Museum im Alltag zu leiten. Dora Maar, selbst Künstlerin und Fotografin, wurde in diesen Jahren Teil seines Lebens.^[1][2]

1937 — Guernica. Die Republik gab ein großes Werk für ihren Pavillon auf der Pariser Weltausstellung in Auftrag. Nach der Bombardierung von Gernika am 26. April begann Picasso am 1. Mai mit Studien und arbeitete bis Anfang Juni in seinem Pariser Atelier in der Rue des Grands-Augustins an dem Wandbild. Maar fotografierte Etappen seiner Entstehung. Ihre Dokumentation ist heute eine entscheidende Quelle zum Verständnis der Überarbeitungen und nicht bloß eine Bildfolge des arbeitenden Künstlers. Guernica wurde Teil einer öffentlichen Auseinandersetzung über Gewalt, Faschismus und Spaniens Schicksal, während seine Bildsprache einer eindimensionalen Deutung widersteht.^{[1][2][9][10]}

1939–1940 — Krieg und eine amerikanische Retrospektive. Der Zweite Weltkrieg begann in Europa im September 1939. Am 15. November desselben Jahres eröffnete das MoMA Picasso: Forty Years of His Art; die Ausstellung lief bis Januar 1940 und umfasste Guernica. Dies sind der belegte Ausstellungstitel und die belegten Daten, im Unterschied zu späteren oder entstellten Verweisen auf eine „fifty years“-Schau. Die Besatzungszeit verbrachte Picasso überwiegend in Frankreich, unter anderem in Paris und im Atelier in der Rue des Grands-Augustins.^[2][11]

1944–1945 — Politisches Engagement und Kriegsende. Picasso trat 1944 der Französischen Kommunistischen Partei bei und hatte eine große Ausstellung im Salon d’Automne. Während des Kriegs begegnete er auch der Malerin Françoise Gilot; institutionelle Chronologien widersprechen einander beim genauen Jahr ihres ersten Treffens. Das ist ein Grund, hier kein präzises Datum zu nennen, nicht aber Gilot als Künstlerin mit eigener Laufbahn auszulassen. Der Krieg endete 1945, doch die politischen Fragen hinter Bildern wie Guernica blieben bestehen.^[1][2]

1946–1962: Das Mittelmeer und vielfältige Arbeitsweisen

1946–1949 — Antibes, Vallauris und Ton. Picasso arbeitete in Antibes und lernte die von Suzanne und Georges Ramié geleitete Töpferei Madoura in Vallauris kennen. Er kehrte 1947 zurück und widmete sich dauerhaft der Keramik; Gefäße und Tonformen wurden zu Oberflächen und Körpern, die er umgestaltete. Er und Gilot bekamen zwei Kinder, Claude 1947 und Paloma 1949. Der Umzug in den Süden sollte nicht als Rückzug vom Experiment dargestellt werden: Material, Maßstab und Mitwirkende änderten sich gleichermaßen.^[1][2][12]

1949–1953 — Öffentliche Symbole und private Veränderungen. Picassos Taube wurde weithin mit der Friedensbewegung der Nachkriegszeit verbunden. Politische Themen blieben in seiner Kunst sichtbar, während er weiter Druckgrafik, Gemälde und Keramik schuf. Gilot verließ 1953 den gemeinsamen Haushalt. Sie arbeitete und schrieb unabhängig weiter; die Chronologie von Picassos Schaffen sollte ihr Leben nicht in seinem aufgehen lassen.^[1][2]

1954–1955 — Eine neue Beziehung und die Auseinandersetzung mit älteren Gemälden. Jacqueline Roque wurde Picassos Gefährtin und später seine Frau. In den 1950er Jahren schuf er zunehmend serielle Antworten auf Gemälde früherer Meister, darunter Delacroix’ Frauen von Algier. Es waren keine Übungen in getreuer Nachahmung. Indem Picasso eine Komposition in vielen Werken variierte, konnte er erproben, was erkennbar blieb und was sich verändern ließ.^[2]

1957 — Las Meninas als Serie. Von August bis Dezember schuf Picasso in La Californie in Cannes 58 Leinwände im Dialog mit Velázquez’ Las Meninas. Die Serie umfasst wiederholte Studien der Figuren aus dem älteren Gemälde, aber auch Tauben, Landschaften und ein Porträt von Jacqueline. Der Leitfaden zum Spätwerk stellt die Serie neben Picassos weitere Auseinandersetzungen mit früheren Meistern. Sie zeigt besonders deutlich, wie ein Künstler ein historisches Werk als produktive Fragestellung und nicht als unveränderliches Vorbild nutzt.^[1][13]

1961–1962 — Mougins und Verbindungen nach Barcelona. Picasso und Jacqueline heirateten 1961 und ließen sich in Notre-Dame-de-Vie in Mougins nieder. Seine Verbindung zu Barcelona blieb durch Freunde, Veröffentlichungen und das entstehende Museumsprojekt lebendig, obwohl er seit 1934 nicht mehr nach Spanien zurückgekehrt war. Ein überwiegend in Frankreich verbrachtes Leben löste die institutionellen und persönlichen Beziehungen nicht auf, durch die seine frühen Werke erhalten werden sollten.^[1][2]

1963–1973: Museum, Schenkungen und Spätwerk

1963 — Ein Picasso-Museum eröffnet in Barcelona. Das Museu Picasso wurde im März eröffnet, zunächst unter dem Namen Colección Sabartés. Jaume Sabartés, Picassos langjähriger Freund und Sekretär, spielte mit seiner Sammlung und seinem Einsatz neben der Stadt und weiteren Schenkenden eine zentrale Rolle bei der Gründung. Der Schwerpunkt auf dem Frühwerk macht Barcelona unverzichtbar für das Verständnis von Picassos Entwicklung, bevor Paris zu seinem wichtigsten Standort wurde.^[1][14]

1968–1970 — Schenkungen verändern die Sammlung. Nach Sabartés’ Tod 1968 schenkte Picasso dem Museum in Barcelona die 58 Las Meninas-Leinwände und ein 1901 gemaltes Porträt seines Freundes. Im Jahr 1970 übergab er einen umfangreichen Bestand, den seine Familie in Barcelona aufbewahrt hatte, darunter Gemälde, Zeichnungen und Skizzenbücher aus seiner Jugend. Diese Schenkungen veränderten ganz konkret, was die Öffentlichkeit erforschen konnte; zugleich verbanden sie den späten Künstler mit der Stadt seiner Ausbildung.^[1][14]

1965–1973 — Die Arbeit geht weiter. Picasso wurde 1965 operiert und erholte sich in Mougins. Sein Spätwerk umfasste Gemälde, Zeichnungen und Hunderte Drucke; bis in die frühen 1970er Jahre hinein wechselte er kraftvoll Maßstab und Ausdrucksweise. Diese Arbeiten wurden nicht immer so aufgenommen wie seine kubistischen Gemälde oder die Bilder der Blauen Periode. Ihre Vielfalt widerspricht einer Zeitleiste, die die späten Jahre als ruhigen Epilog behandelt.^[2][15]

1973 — Tod in Mougins. Picasso starb am 8. April in Notre-Dame-de-Vie. Er wurde auf seinem Château in Vauvenargues beigesetzt. Die Chronologie endet hier, die Geschichte der Werke jedoch nicht: Ankäufe, Ausstellungen, technische Untersuchungen, Debatten über Deutungen und Fragen der Bildrechte verändern weiterhin, wie sie gesehen werden.^[1][2]

Wie die Daten zu lesen sind

Gängige Kurzbezeichnungen – Blaue Periode, Rosa Periode, Kubismus, Klassizismus, Spätwerk – erleichtern die Orientierung in einer langen Laufbahn. Sie werden irreführend, wenn jedes Etikett als ausschließlich gilt. Die kubistischen Drei Musikanten von 1921 können neben klassizistischen Figuren bestehen; eine Auseinandersetzung mit Velázquez aus dem Jahr 1957 ist zugleich ein zeitgenössisches Experiment; ein 1963 gegründetes Museum kann verändern, wie die 1890er Jahre verstanden werden. Picassos Zeitleiste lässt sich am besten als Netz fortdauernder Fragen zu Körpern, Gegenständen, Materialien und öffentlichem Leben lesen, nicht als Stufenleiter von „frühen“ zu „reifen“ Stilen.^{[2][7][13][14]}

Quellen

1. Museu Picasso Barcelona, „Cronología“, institutionelle Chronologie auf Spanisch; die katalanische Fassung wurde zum Vergleich herangezogen. Spanische Quelle ansehen; katalanische Quelle ansehen.
2. Musée national Picasso-Paris, „Frise chronologique“, französische institutionelle Chronologie; englische Übersetzung herangezogen. Französische Quelle ansehen; englische Quelle ansehen.
3. The Museum of Modern Art, „Les Demoiselles d’Avignon“, Objektbeschreibung mit Angaben zur Entstehung und ersten öffentlichen Ausstellung. Quelle ansehen.
4. Musée d’Orsay, „Picasso. Bleu et rose“, französischer Ausstellungstext. Quelle ansehen.
5. Musée national Picasso-Paris, „Picasso et le cubisme“, französischer Text; englische Fassung herangezogen. Französische Quelle ansehen; englische Quelle ansehen.
6. The Museum of Modern Art, The Art of Assemblage, Katalogbesprechung von Stillleben mit Rohrstuhlgeflecht. Die PDF-Quelle bleibt nach der Pilotregel unverlinkt.
7. The Museum of Modern Art, „Three Musicians“, Objektbeschreibung. Quelle ansehen.
8. The Museum of Modern Art, „Picasso in Fontainebleau: An Introduction“, Studie zu den Arbeiten von 1921. Quelle ansehen.
9. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Repensar Guernica, Archivprojekt zu Auftrag und Gemälde. Quelle ansehen.
10. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, „Dora Maar's report on Guernica's progression“, Archivbeschreibung. Quelle ansehen.
11. The Museum of Modern Art, „Picasso: Forty Years of His Art“, Ausstellungsnachweis vom 15. November 1939 bis 7. Januar 1940. Quelle ansehen.
12. Musée national Picasso-Paris, „Les années méditerranéennes“, französischer Bericht über Vallauris und die Zusammenarbeit mit Madoura. Quelle ansehen.
13. Museu Picasso Barcelona, „Forgetting Velázquez. Las Meninas“, Ausstellungstext zur Serie von 1957. Quelle ansehen.
14. Museu Picasso Barcelona, „Historical and museographic tour of the collection“, zur Geschichte des Museums und seiner Schenkungen. Quelle ansehen.
15. Musée national Picasso-Paris, „Les dernières années de Picasso“, französischer Text zum Spätwerk. Quelle ansehen.

Bildnachweise

1. Palickap. CC BY-SA 4.0. Quelle: Wikimedia Commons. Auf 1.024 px verkleinert, ohne Beschnitt. Originalnachweis. Lizenz.
2. Séeberger, Jules (Vienne, en 1872 - Galluis, en 1932), photographe. CC0. Proportional auf 1.024 Pixel Breite verkleinert, ohne Beschnitt. Quelldatensatz. Lizenz.
3. Bain News Service, ca. 1916. Library of Congress, Prints & Photographs Division, George Grantham Bain Collection, LC-USZ62-63268. Rechtehinweis: „No known restrictions on publication“. Titel und Datierung stammen aus den alten Beschriftungsdaten des Archivs. Proportional auf 1.024 Pixel Breite verkleinert, ohne Beschnitt. Quelldatensatz. Lizenz.
4. Berdea. CC BY-SA 3.0. Proportional auf 1.024 Pixel Breite verkleinert, ohne Beschnitt. Quelldatensatz. Lizenz.