Drei Musikanten

Einführung

Pablo Picasso malte im Sommer 1921 zwei große Werke mit dem Titel Drei Musikanten. Eines gehört dem Museum of Modern Art in New York, das andere dem Philadelphia Museum of Art. Beide zeigen eine flache Bühne, einen Tisch und drei maskierte Musiker, doch die Figuren tauschen Plätze und Instrumente. Steht der Harlekin im Rautenkostüm in der Mitte, sieht man das New Yorker Bild. Steht er links mit einer Geige, ist es das Bild in Philadelphia. Beides sind Ölgemälde, deren scharf begrenzte Farbflächen wirken, als seien Papierstücke zusammengefügt worden. Keines ist tatsächlich eine Collage aus aufgeklebtem Papier. ^[1][2][3]

Das Paar entstand in Fontainebleau, nicht in Paris, während Picasso in einer zum Atelier umgebauten Garage arbeitete. Historische Fotografien zeigen die beiden Leinwände an gegenüberliegenden Wänden. Sie sind nicht nur wegen ihrer spielerischen Figuren wichtig, sondern auch wegen der monumentalen Neuinterpretation des Kubismus. Picassos erste kubistische Collagen lagen fast ein Jahrzehnt zurück; 1921 konnte er ihre flächigen Bildmittel so theatralisch, feierlich und überraschend einsetzen, wie er wollte. ^[3][4]

Auf einen Blick

• Entstehung: Sommer 1921
• Zwei Fassungen: Eine im MoMA, New York; eine im Philadelphia Museum of Art
• Erkennungsmerkmal: MoMA: Harlekin mittig mit Gitarre; Philadelphia: links mit Geige

Die Datierung des hervorgehobenen Werks berücksichtigt die Erläuterungen in den Quellen auf dieser Seite. Die anderen Werke sind ausgewählte Vergleichspunkte, nicht Anfang oder Ende eines Stils.

Inhalt

1. Worin unterscheiden sich die beiden Bilder Drei Musikanten?
2. Wer sind Pierrot, Harlekin und der Mönch?
3. Warum sehen die Ölgemälde wie Collagen aus?
4. Warum malte Picasso zwei Fassungen in Fontainebleau?
5. Wollte Picasso sich vom Kubismus verabschieden?
6. Wo kann man die beiden Bilder Drei Musikanten sehen?

Worin unterscheiden sich die beiden Bilder Drei Musikanten?

Die MoMA-Fassung misst 200,7 × 222,9 Zentimeter. Ein weiß gekleideter Pierrot spielt links Klarinette; ein bunt gemusterter Harlekin zupft in der Mitte eine Gitarre; und ein dunkel gekleideter Mönch scheint rechts von einem Notenblatt zu singen. In den braunen Formen unter dem Tisch verbirgt sich ein Hund. Der Innenraum ist dunkel und kastenartig; die stärkste Verdichtung von Farben und überlappenden Formen liegt nahe der Mitte. Die Sammlungsnummer des MoMA lautet 55.1949. ^[1]

Die Leinwand in Philadelphia ist fast ebenso hoch, mit 204,5 × 188,3 Zentimetern aber schmaler. Die Reihenfolge ändert sich: Harlekin steht links, Pierrot in der Mitte und der Mönch rechts. Das Museum beschreibt Harlekin als Geiger, Pierrot als Spieler einer Klarinette oder Blockflöte und den Mönch als Akkordeonspieler. Der Raum ist heller und farblich offener, obwohl die Körper weiterhin aus abrupten, kantigen Flächen zusammengesetzt sind. Über die Sammlung von A. E. Gallatin kam das Bild 1952 nach Philadelphia. ^[2][5]

Das ist mehr als eine hübsche Suche nach Unterschieden. Picasso malte nicht einfach eine Kopie und schob die Männer wie Spielfiguren hin und her. Wenn Harlekin aus der Mitte an die Seite rückt, ändert sich das Gleichgewicht der Farben und unserer Aufmerksamkeit. Im New Yorker Bild drängen die drei Künstler zur Mitte, wobei der maskierte Pierrot teilweise vom dunklen Raum verschluckt wird. In Philadelphia kündigt der Harlekin links sofort sein Rautenkostüm an, während die weiße Mittelfigur als helle Trennung zwischen ihm und dem Mönch wirkt. Auch die Instrumente wechseln. So besitzt jedes Gemälde einen eigenen Rhythmus und eine eigene visuelle Spannung. ^[1][2][3]

Die ähnlichen Titel führen oft zu Verwechslungen. Ein Druck nach einem Gemälde ist kein drittes Original, und ein Detail aus einer Fassung kann nicht für beide stehen. Die Sammlungseinträge der zwei Museen sind der sicherste Ausgangspunkt für ihre Identifizierung. Danach kann man auf den Tausch von Harlekin und Pierrot zwischen links und Mitte, Geige und Gitarre sowie auf den ungewöhnlich versteckten Hund in der MoMA-Fassung achten. ^[1][2]

Wer sind Pierrot, Harlekin und der Mönch?

Pierrot und Harlekin stammen aus der europäischen komischen Theaterwelt, insbesondere aus der italienischen Commedia dell’arte und ihren Nachfolgetraditionen. Pierrot ist meist die melancholische Figur in heller Kleidung, Harlekin der schnelle, Unruhe stiftende Charakter im gemusterten Anzug. Picasso hatte seit Jahren Harlekine und andere Künstler gezeichnet und gemalt, unter anderem während seiner Rosa Periode und in der Familie der Gaukler. Ihre Kostüme machen die drei Musiker als Artisten erkennbar, obwohl Picasso Gesichter, Kleidung und Instrumente in flache Formen aufbricht. ^[1][2]

Die dritte Gestalt macht die Besetzung komplizierter. Ein Mönch gehört nicht zum üblichen Figurenpaar der Commedia, nimmt aber auf beiden Leinwänden die rechte Seite ein. Kapuze oder Kutte bilden einen dunklen Rahmen um ein Gesicht und ein Instrument oder Notenblatt. Im MoMA-Bild hält er ein Notenblatt; nach der Beschreibung des Museums in Philadelphia spielt er Akkordeon. Er gehört zur Gruppe und unterscheidet sich doch sichtbar von seinen Bühnengefährten. ^[1][2]

Picassos jüngere Bühnenarbeit bietet einen Zusammenhang. Er entwarf Bühnenbilder und Kostüme für Produktionen der Ballets Russes, darunter das Ballett Pulcinella von 1920. Das Museum in Philadelphia setzt die Kostüme der Drei Musikanten zu jenen Entwürfen in Beziehung. Die Ähnlichkeit bedeutet nicht, dass diese drei Figuren eine bestimmte Szene aus dem Ballett wiedergeben. Sie stellt die Gemälde in Picassos fortlaufende Experimente mit Theatermasken, Darstellern und bühnenartigem Raum, die im Theater- und Ballettführer weiter untersucht werden. Die Musiker scheinen uns hier anzusehen, als sei der Raum selbst ein kleines Theater, doch kein Vorhang hebt sich, und keine Aufführung ist zu hören. ^[2][6]

Daneben gibt es eine oft diskutierte persönliche Deutung. Harlekin kann für Picasso stehen; Pierrot wurde mit seinem Freund, dem Dichter Guillaume Apollinaire, verbunden, der 1918 starb; und der Mönch mit einem weiteren Dichterfreund, Max Jacob, der 1921 in ein Benediktinerkloster eintrat. Sowohl MoMA als auch Philadelphia erörtern Varianten dieser Interpretation. Sie lässt das Trio wie eine Zusammenkunft von Freunden wirken — einer am Leben, einer verstorben, einer ins religiöse Leben zurückgezogen. Es ist jedoch eine Deutung von Masken und Erinnerungen, keine dokumentierte Modellsitzung, bei der drei Männer genau als diese Gestalten posierten. ^[7][8]

Diese Unterscheidung lässt Raum für weitere Bedeutungen. Wer nichts über Apollinaire oder Jacob weiß, kann die Bilder dennoch als überraschendes Ensemble gegensätzlicher Figuren lesen. Wer Picassos Freundschaften kennt, kann unter der komischen Oberfläche die Möglichkeit einer Elegie spüren. Beide Reaktionen schließen sich nicht aus. Masken können Identitäten zugleich verbergen und aufrufen — darin liegt hier ein Teil ihrer Kraft. ^[1][2][7]

Videos: Pablo Picasso

Entdecken Sie Picasso in fünf Videos von Museen und Kulturmedien.

Picassos Guernica — Karambolage España

Irgendwas mit ARTE und Kultur

ARTE erzählt die Geschichte von Guernica und den Weg des Gemäldes nach Spanien.

Auf YouTube ansehen

▶01 · GuernicaPicassos Guernica — Karambolage EspañaIrgendwas mit ARTE und Kultur▶02 · Blaue und Rosa PeriodeDer junge Picasso: Blaue und Rosa PeriodeFondation Beyeler▶03 · Porträts und SylvettePablo Picasso: SylvetteAlbertina Museum▶04 · Vorbilder und InspirationPicassos InspirationsquellenMuseum Barberini▶05 · Picasso und das MuseumWie Picasso ins Kunstmuseum Basel kam — Teil 1Kunstmuseum Basel

Warum sehen die Ölgemälde wie Collagen aus?

Beide Museen katalogisieren ihre Drei Musikanten als Öl auf Leinwand. Picasso klebte die sichtbaren Farbstücke nicht auf diese großen Bildträger. Stattdessen malte er scharf begrenzte Formen, die optisch wie ausgeschnittene und geschichtete Papierstücke wirken. Eine Maske scheint vor einer Kapuze zu liegen, ein Ärmel vor einem Instrument, ein schmaler Streifen Hintergrund zwischen zwei Gesichtsteilen. Das Auge setzt die Formen immer wieder zu Menschen zusammen und bemerkt dann, dass diese Verbindung nicht nur auf eine Weise funktioniert. ^[1][2]

Diese Methode erinnert an den synthetischen Kubismus. 1912 begannen Picasso und Georges Braque, Papierfragmente und andere gefundene Materialien in kubistischen Werken zu verwenden. Der Kubismusführer behandelt die größere Bewegung, während der Führer zu Collage und Assemblage die aufgeklebten Materialien untersucht. Ein Zeitungsausschnitt konnte zugleich ein wirkliches Stück bedrucktes Papier und Teil eines dargestellten Café-Tischs sein. Bis 1921 hatte Picasso eine reiche Sprache aus flachen Ebenen, Zeichen und überlappenden Kanten entwickelt. Drei Musikanten überträgt etwas von dieser Collage-Logik auf große bemalte Leinwände. Es ist eine Rückkehr zu einer früheren formalen Entdeckung, aber keine bloße Wiederholung: Die Formen bilden nun ganze Bühnenfiguren, die größer als die meisten Betrachter sind. ^[1][3]

Die gemalten Noten im MoMA-Bild sind ein besonders geistreicher Fall. Sie wirken wie ein Gegenstand in der Hand des Mönchs und wie ein rechteckiges Feld von Zeichen innerhalb der Komposition. Zugleich erinnern sie an tatsächlich gedruckte Notenblätter, die Picasso früheren kubistischen Collagen beigefügt hatte. Hier sind die Noten jedoch Teil eines Ölgemäldes. Wir sollten nicht annehmen, dass sie eine bekannte Melodie wiedergeben oder dass die Gruppe die unmögliche Anordnung gemalter Fragmente genau so spielen könnte. Die Leinwand ruft Musik durch Hände, Instrumente, Notation und den Rhythmus der Formen hervor, statt ein spielbares Stück bereitzustellen. ^[1]

Das MoMA beschreibt die sich überlagernden Formen seiner Fassung als dichte, rätselartige Konstruktion. Man kann mit den großen Bereichen beginnen — dunkle Wände, Tisch, drei senkrechte Körper — und danach kleinere Wechsel entdecken: Eine Kontur wechselt zwischen Ärmel und Hintergrund; ein Gesicht tritt aus einer Maske hervor; der Hund erscheint erst, wenn scheinbar verstreute braune Partien verbunden werden. Die Darstellung Philadelphias betont vergleichbare Mehrdeutigkeiten von Ebenen, die papierdünn wirken, aber nicht widerspruchsfrei zusammenpassen. Dieser unstimmige Sitz ist beabsichtigt. Er macht bewusst, dass ein Gemälde eine Szene aufbauen kann, ohne einer einzigen stabilen Raumordnung zu folgen. ^[1][2]

Auch der Unterschied in der Stimmung verdient Beachtung. Ein Karnevalskostüm könnte Heiterkeit versprechen, doch der dunkle MoMA-Hintergrund und die frontalen, eindrucksvollen Figuren wirken ernster als eine leichte Komödie. Die klareren orangefarbenen, gelben und weißen Flächen Philadelphias lösen das Rätsel nicht auf: Die drei Männer bleiben steif und maskiert, ihre Musik in Farbe angehalten. Picasso gibt ihnen das äußere Zubehör der Unterhaltung, enthält uns aber eine gewöhnliche Szene von Darstellern vor Publikum vor. ^[1][2]

Warum malte Picasso zwei Fassungen in Fontainebleau?

Picasso verbrachte ungefähr Juli bis September 1921 in Fontainebleau südöstlich von Paris. Er hatte eine Villa gemietet und nutzte eine angrenzende Garage als Atelier. Forscher, die Fotografien und Aufzeichnungen dieses zeitweiligen Raums untersuchten, stellten fest, dass er dort an beiden Leinwänden der Drei Musikanten arbeitete. In einer dokumentierten Aufstellung stand das Philadelphia-Gemälde neben einem großen, ganz anderen Werk namens Drei Frauen an der Quelle; ihnen gegenüber befanden sich die New Yorker Musikanten. Die Bilder waren nahe genug beieinander, dass Picasso die von ihm geschaffenen Gegensätze sehen konnte. ^[3][4]

Man möchte fragen, welches Bild der Drei Musikanten die endgültige Fassung und welches nur eine Probe ist. Die erhaltenen Belege erzwingen diese Hierarchie nicht. Fotografien zeigen die Werke im Entstehen und in ihrem Verhältnis zueinander, liefern aber keine lückenlose Tageschronologie jeder Änderung. Die Gemälde teilen Motiv und Format, lösen die Aufgabe jedoch verschieden. Philadelphia lediglich als Entwurf für New York zu behandeln oder umgekehrt, würde die jeweils eigenen gestalterischen Entscheidungen verdrängen. ^[3][4]

Die benachbarten Drei Frauen an der Quelle machen diesen Sommer noch bemerkenswerter. In jenem Werk malte Picasso monumentale Figuren mit Interesse an klassischer skulpturaler Masse. Daneben und gegenüber verwendete er für die Musiker die wie ausgeschnitten wirkenden Ebenen des Kubismus. Die französische Chronologie des Musée national Picasso-Paris verzeichnet die zwei kubistischen Drei Musikanten und die zwei klassizistischen Drei Frauen als Ergebnisse derselben Fontainebleau-Zeit. Eine spätere MoMA-Studie sieht in diesem Nebeneinander eine Herausforderung für die allzu ordentliche Geschichte, nach der ein Picasso-Stil den anderen ablösen müsse. Er konnte in denselben Monaten und im selben Raum mit unterschiedlichen visuellen Systemen arbeiten. ^[3][9]

Eine im Musée national Picasso-Paris bewahrte Archivfotografie zeigt Olga Picasso neben einer noch entstehenden Leinwand der Drei Musikanten an der Adresse in Fontainebleau. Sie erinnert daran, dass diese wandbildgroßen Werke keine im luftleeren Raum erfundenen abstrakten Übungen waren: Sie standen in einem wirklichen Arbeitsraum und veränderten sich während Picassos Arbeit. Das Foto allein sagt nicht, warum er ein Paar schuf oder wie er jede endgültige Kontur festlegte. Am stärksten belegt es den materiellen, stufenweisen Arbeitsprozess im Atelier. ^[10]

Wollte Picasso sich vom Kubismus verabschieden?

Der Sammlungseintrag Philadelphias beschreibt seine Leinwand als Rückblick und Abschied von einer Phase in Picassos Laufbahn. Das ist eine nützliche kuratorische Lesart von Format und rückschauender Wirkung. Doch ein Gemälde kann nicht schlicht schriftlich verkünden, dass der Künstler nie wieder kubistische Methoden benutzen werde; Picasso wechselte weiterhin zwischen visuellen Ansätzen. Die Belege aus Fontainebleau sprechen sicherer für gleichzeitige Vielfalt als für einen einzigen chronologischen Bruch. ^[2][3][9]

Das große Format könnte ein Grund für die abschließende Wirkung der Bilder sein. Mittel des synthetischen Kubismus, zunächst in kleineren Collagen erprobt, ordnen nun bühnenartige Leinwände von etwa zwei Metern Höhe. Dem Betrachter stehen drei Figuren beinahe in Menschengröße gegenüber. Ihre Instrumente sind Zeichen für Klang, aber auch Formen für das Auge. Die alten Theaterfiguren bringen eine lange kulturelle Vergangenheit in eine mit der Moderne verbundene Bildsprache. Diese Verbindung kann wie eine Zusammenfassung wirken, ohne zu belegen, dass Picasso einen endgültigen Abschied beabsichtigte. ^[1][2][3]

Die Deutung der Freundschaften kann einen anderen Rückblick hinzufügen. Wenn Harlekin Picasso, Pierrot Apollinaire und der Mönch Jacob in Erinnerung ruft, versammelt das Trio Menschen, die nicht mehr so zusammen waren wie vor dem Ersten Weltkrieg. Diese Lesart liegt jedoch über den unmittelbareren theatralischen und formalen Eigenschaften der Gemälde. Das Werk muss nicht zwischen Konzert, Gedenkbild und Experiment mit gemalter Collage wählen. Seine Stärke liegt darin, alle diese Ebenen offen zu halten. ^[7][8]

Wo kann man die beiden Bilder Drei Musikanten sehen?

Die breitere, dunklere Leinwand befindet sich im MoMA in New York. Die schmalere Leinwand mit dem Geige spielenden Harlekin links gehört dem Philadelphia Museum of Art. Ausstellungen und Leihgaben ändern sich; vor einer Reise sollte man daher die jeweiligen Sammlungseinträge prüfen. Die Online-Ansichten der Institutionen erlauben zudem, die beiden Objekte direkt zu vergleichen, ohne eines mit einem späteren Druck, Plakat oder Produktbild zu verwechseln. ^[1][2]

Die Trennung in zwei Sammlungen ist ein späteres Kapitel der Geschichte, nicht die Weise, in der Picasso die Bilder zuerst vor sich hatte. Das MoMA gab seinen Erwerb durch den Mrs. Simon Guggenheim Fund 1949 bekannt. Philadelphia nennt für seine Leinwand die A. E. Gallatin Collection, 1952. Jahrzehntelang konnten die meisten Besucher nur eine Fassung auf einmal sehen; gedruckte Reproduktionen konnten sie austauschbar wirken lassen. Die Objekteinträge der Museen und die Forschung, die sie in der Fontainebleau-Ausstellung des MoMA 2023–24 zum Vergleich wieder zusammenbrachte, stellen das Paar in den gemeinsamen Arbeitszusammenhang zurück, den es einst an gegenüberliegenden Wänden von Picassos kleinem Garagenatelier hatte. Sie machen auch die unterschiedlichen Proportionen und Stellungen der Darsteller besser verständlich. ^{[1][2][3][5][11]}

Das ist für die Interpretation wichtig. Allein betrachtet kann die New Yorker Leinwand wie die endgültige Aussage zu einem einzigen Motiv wirken, mit ihrem versteckten Hund und der dichten Überlagerung in der Mitte. Im Wissen um die Fassung in Philadelphia wird sie zu einer Antwort auf eine Frage, die Picasso zweimal stellte. Das Philadelphia-Gemälde ist nicht weniger abgeschlossen, weil sein Harlekin den Platz gewechselt hat; es verteilt Farben, Instrumente und Aufmerksamkeit anders. Ein Vergleich sollte beide als vollständige Originalwerke anerkennen, statt eines zur unbedeutenden Variante des anderen zu machen. ^[1][2][3]

Was Drei Musikanten letztlich einprägsam macht, ist die Frage, die das Paar an das Sehen selbst richtet. Zwei Bilder können Titel, drei Darsteller und eine kubistische Formensprache teilen und doch verschiedene Begegnungen ermöglichen. Wir können einer Klarinette, einer Geige, einer Gitarre, einem Akkordeon oder gemalten Noten folgen, aber ebenso Farbflächen, die nicht bei einer einzigen visuellen Rolle bleiben. Die Musiker stehen uns gegenüber; ihre Musik besteht nur als Möglichkeit der Vorstellung. In Fontainebleau schuf Picasso diese Möglichkeit zweimal und machte beide Leinwände zu einem Gespräch zwischen Theater und Malerei, Erinnerung und Erfindung, Wiederholung und Veränderung. ^[1][2][3]

Quellen

1. Museum of Modern Art, Drei Musikanten, Objekt 55.1949, Objektdaten, Saaltext von 2024 und Kommentar.

2. Philadelphia Museum of Art, Drei Musikanten, Objekt 53963, Sammlungstext und Hinweis zu Bildrechten.

3. Museum of Modern Art, Einführung zur Ausstellung Picasso in Fontainebleau (PDF-Link ausgelassen) ; Anne Umlands „Picasso in Fontainebleau: An Introduction“, 2023, mit Archivfotografien und Katalogforschung.

4. Museum of Modern Art, Kuratoren-Audiobeitrag zum Vergleich beider Leinwände im rekonstruierten Fontainebleau-Atelier, 2023.

5. MoMA, Werkliste der Ausstellung Picasso in Fontainebleau (PDF-Link ausgelassen), 2023, mit Philadelphia-Maßen und Gallatin-Angabe.

6. Philadelphia Museum of Art, Objekteintrag zu Drei Musikanten, zum Zusammenhang mit den Pulcinella-Kostümen.

7. Philadelphia Museum of Art, Ausstellungstext Picasso and the Avant-Garde in Paris, zur vorgeschlagenen Deutung Picasso–Apollinaire–Jacob.

8. MoMA, Kuratorin Anne Umland über Drei Musikanten, zu möglichen biografischen Bezügen der Figuren.

9. Musée national Picasso-Paris, französische Picasso-Chronologie (PDF-Link ausgelassen), Eintrag für 1921.

10. Musée national Picasso-Paris, Archivfoto von Olga Picasso neben den entstehenden Drei Musikanten, APPH6461.

11. MoMA, Bekanntgabe des Erwerbs der Drei Musikanten 1949 (PDF-Link ausgelassen).

Bildnachweis

1. Juan Gris. Gemeinfrei. Quelle: Wikimedia Commons. Proportional auf 1.024 px Breite verkleinert, nicht beschnitten. Quelldatensatz. Lizenz.