Der alte Gitarrist

Einleitung

Im Gemälde Der alte Gitarrist beugt sich ein älterer Musiker über eine Gitarre. Sein Körper ist schmal und kantig, der Kopf gesenkt, während das warmbraune Instrument eine Welt aus Blau durchquert. Pablo Picasso malte das Bild Ende 1903 oder Anfang 1904 in Barcelona, gegen Ende der heute so genannten Blauen Periode. Das Bild weckt Mitgefühl, nennt uns aber weder den Namen des Mannes noch die Straße, in der er vielleicht gespielt hat, oder seine Musik. Seine Kraft liegt in Picassos Auswahl: ein Mensch und ein Instrument, zusammengehalten in einem Raum, der ihnen fast keinen anderen Halt bietet.^[1][2]

Das Gemälde gehört dem Art Institute of Chicago und trägt die Inventarnummer 1926.253. Der aktuelle Museumseintrag beschreibt es als Öl auf Holztafel mit den Maßen 122,9 mal 82,6 Zentimeter. Das Material ist wichtig. Ein älterer Lehrführer des Art Institute nennt Öl auf Leinwand, doch der heutige Objektkatalog und neuere konservatorische Untersuchungen beschreiben einen hölzernen Bildträger. Wer das Original identifizieren will, sollte sich am aktuellen Eintrag des besitzenden Museums orientieren statt an einer überholten Beschriftung. Die Tafel bewahrt zudem materielle Spuren früherer Bilder unter dem Gitarristen. Dadurch ist sie mehr als eine Studie in Blau.^[1][2][3]

Auf einen Blick

• Entstehung: Barcelona, Ende 1903 oder Anfang 1904
• Periode: Gegen Ende von Picassos Blauer Periode
• Motiv: Ein nicht identifizierter älterer Musiker mit Gitarre

Die Datierung des hervorgehobenen Werks berücksichtigt die Erläuterungen in den Quellen auf dieser Seite. Die anderen Werke sind ausgewählte Vergleichspunkte, nicht Anfang oder Ende eines Stils.

Inhalt

1. Die Figur und die Gitarre
2. Was das Blau bewirkt
3. Die Gemälde unter dem Gitarristen
4. Armut, Musik und Ungewissheit
5. Von Picassos Atelier nach Chicago
6. Was sich aus dem Gemälde mitnehmen lässt

Die Figur und die Gitarre

Der Musiker ist in eine zusammengedrängte Haltung gefaltet. Seine Beine kreuzen sich unten im Bild; die Arme liegen um die Gitarre; der Kopf neigt sich zu ihrem Korpus. Die Haltung wirkt schwer durchzuhalten, als bliebe der Figur kaum Raum, sich auszustrecken. Picasso verlängert Gliedmaßen und schärft Gelenke, statt eine anatomisch neutrale Studie zu bieten. Die Wirkung besteht nicht nur darin, dass der Mann dünn aussieht. Seine langen Arme und Beine führen den Blick um das Instrument herum, sodass der Körper vom Halten der Gitarre geordnet scheint.^[1][2]

Das Art Institute beschreibt ihn als blinden Musiker. Seine Augen sind im gemalten Gesicht geschlossen oder gesenkt, und das Museum bezeichnet ihn in seiner Deutung seit Langem als „ohne Sehvermögen“. Das identifiziert weder ein historisches Modell noch liefert es eine medizinische Vorgeschichte. Wir sehen eine dargestellte Figur, keine Krankenakte. Auch „alt“ gehört zum Titel und zum Erscheinungsbild, nicht zu einem Geburtsdatum. Das Gemälde gibt genug Hinweise, um Gebrechlichkeit und Isolation nahezulegen, hält aber die gewöhnlichen Fakten zurück, mit denen man die Biografie des Mannes schreiben könnte.^[1][2]

Die Gitarre ist nahezu die einzige kräftige Abweichung vom Blau. Ihr Korpus ist braun und rund, der Hals steigt schräg über die hochformatige Tafel. Die wärmere Farbe und die vertraute Form helfen bei der Orientierung, bevor die dunkle Kleidung und der blaue Raum deutlich werden. Der Kontrast kann das Instrument wie eine Stütze erscheinen lassen. Er kann aber auch die scheinbare Abhängigkeit des Mannes davon schmerzhafter machen. Keine der Reaktionen beweist, dass es seine „einzige Hoffnung“ war, dass er für Essen spielte oder Musik ihn aus seiner Lage befreite. Solche Geschichten brauchen Belege, die Bild und Katalog nicht liefern.^[1][2]

Der umgebende Raum ist karg. Picasso zeigt einen Boden oder Absatz und gerade genug Tonunterschiede, um den Körper zu verorten, aber keine Einzelheiten eines erkennbaren Cafés, einer Unterkunft oder einer Straße Barcelonas. Ein älterer Galerieführer des Art Institute nennt die Umgebung eng und schmucklos. Da kaum etwas vom Musiker ablenkt, wird die Beziehung zwischen gesenktem Kopf, langen Händen und Gitarre zur Struktur des Bildes. Eine Szene ohne genaue Adresse kann in ihren formalen Entscheidungen sehr spezifisch sein. Das Fehlen von Möbeln erlaubt nicht, die Welt jenseits der Tafel zu erfinden.^[2]

Mit mehr als einem Meter Höhe ist die Tafel auch größer als ein kleines Andachtsbild oder eine Skizze für die Hand. Der gesenkte Kopf und der aufsteigende Gitarrenhals stehen in einem vertikalen Feld, das dem Körpermaß des Betrachters nahekommt. In einer Online-Miniatur ist die Gitarre meist die erste und vielleicht einzige deutliche Form; vor dem Original kann man den blassen Händen und Beinen, die sie umschließen, besser folgen. Die Maße des Museums helfen, diese körperliche Beziehung auch für Leser wiederherzustellen, die das Original in Chicago nicht sehen können.^[1]

Was das Blau bewirkt

„Blaue Periode“ kann wie eine Beschreibung von Picassos privater Stimmung klingen. Hier ist der Begriff hilfreicher als Name für eine Werkgruppe von ungefähr 1901 bis 1904, in der begrenzte Blautöne, abgeflachte Formen und verletzlich wirkende Menschen besonders hervortraten. Im Gemälde Der alte Gitarrist schmückt Blau nicht einfach ein trauriges Motiv. Es zieht Haut, Kleidung und Hintergrund zusammen, während das Braun der Gitarre das Feld unterbricht. Die Farbe lässt den Körper des Mannes als Teil des kalten Umraums erscheinen und das Instrument ungewöhnlich greifbar wirken.^[1][4]

Die Palette besteht weder aus einem einheitlichen Pigment noch aus einer flachen Farbschicht. Helle Partien an Gesicht, Haar, Händen und Beinen treten gegen tiefere blaue und fast schwarze Bereiche hervor. Auch die Gitarre hat eigene Tonabstufungen. Gemeinsam machen diese Wechsel den Körper erkennbar, obwohl Picasso weitgehend auf herkömmliche Modellierung und Umgebung verzichtet. „Monochrom“ beschreibt also die dominierende Wirkung, beweist aber nicht, dass innerhalb der Farbschichten keine anderen Farben oder Arbeitsschritte existieren. Konservatorische Untersuchungen haben unter der sichtbaren Oberfläche vielfältigere Farben gefunden.^[2][3]

Das Art Institute bringt den kantigen, verlängerten Körper mit Picassos Interesse an El Greco in Verbindung. Das ist eine kunsthistorische Deutung, keine Behauptung, der Musiker sei ein verkleideter Heiliger oder ein bestimmtes Gemälde El Grecos sei abgezeichnet worden. Lange Formen und ausdrucksvolle Verzerrung können Künstler über Jahrhunderte verbinden, ohne die Unterschiede ihrer Themen und Bedeutungen aufzuheben. Der Museumseintrag gibt dem sitzenden Spieler weder religiöse Attribute noch eine heilige Erzählung. Das spanische Vorbild hilft uns, die Gestaltung seines Körpers zu bemerken; es erklärt nicht das ganze Bild.^[1]

Das Blau muss zudem neben Picassos Wechsel zwischen Orten und Themen gelesen werden. Das Pariser Picasso-Museum beschreibt die frühen 1900er Jahre als Arbeitszeit in Barcelona und Paris, mit Bildern von Menschen, die Ausgrenzung oder prekäre Lebensbedingungen erfahren. Picassos Freund Carles Casagemas starb 1901; das Museum sieht diesen Verlust als Teil des breiteren Umfelds der Blauen Periode. Der alte Gitarrist entstand jedoch mehr als zwei Jahre später. Ein Ereignis allein, so wichtig es war, erklärt nicht jede Farbe, Geste und Entscheidung auf dieser späteren Tafel aus Barcelona. Picasso entwickelte eine Bildsprache, statt mechanisch eine einzige Verlusterfahrung zu illustrieren.^[1][4]

Videos: Pablo Picasso

Entdecken Sie Picasso in fünf Videos von Museen und Kulturmedien.

Picassos Guernica — Karambolage España

Irgendwas mit ARTE und Kultur

ARTE erzählt die Geschichte von Guernica und den Weg des Gemäldes nach Spanien.

Auf YouTube ansehen

▶01 · GuernicaPicassos Guernica — Karambolage EspañaIrgendwas mit ARTE und Kultur▶02 · Blaue und Rosa PeriodeDer junge Picasso: Blaue und Rosa PeriodeFondation Beyeler▶03 · Porträts und SylvettePablo Picasso: SylvetteAlbertina Museum▶04 · Vorbilder und InspirationPicassos InspirationsquellenMuseum Barberini▶05 · Picasso und das MuseumWie Picasso ins Kunstmuseum Basel kam — Teil 1Kunstmuseum Basel

Die Gemälde unter dem Gitarristen

Die heute sichtbare Oberfläche ist nicht das erste Bild, das Picasso auf diese Tafel setzte. Durch Teile des blauen Hintergrunds lässt sich das Gesicht einer Frau erahnen, und technische Untersuchungen haben frühere Kompositionen unter dem fertigen Gemälde gezeigt. Bei einem Konservierungsseminar 2015 in Barcelona stellte die Restauratorin des Art Institute Allison P. Langley Forschung vor, die das Museu Picasso Barcelona später auf Spanisch und Katalanisch zusammenfasste. Sie wies unter dem Gitarristen eine Mutterschaftsszene nach und darunter eine noch frühere Figur, deren Form mit dem stehenden Akt in Picassos La Vie von 1903 verwandt ist. Die Schichten machen die Tafel zu einem Zeugnis mehrerer bildnerischer Entscheidungen, nicht zu einem Bildträger mit einem einzigen geheimen, noch zu benennenden Porträt.^[3]

Das Mutterbild ist wichtig, weil das durch das Blau sichtbare Frauengesicht sonst wie ein zufälliger Geist wirken könnte. Technische Aufnahmen geben ihm einen Zusammenhang: Es gehörte zu einer anderen Komposition. Der Museumsbericht verbindet diese Bildidee außerdem mit einer Skizze in einem Brief an Picassos Freund Max Jacob. Eine solche Zeichnung kann Forschern helfen, ein Motiv zu erkennen; Brief und Tafel bleiben aber verschiedene Belege. Eine skizzierte Komposition datiert für sich genommen nicht jede Farbschicht und beweist nicht, weshalb Picasso ein Bild zugunsten eines anderen aufgab.^[3]

Die noch frühere Figur, die die Restauratoren mit dem stehenden Akt in La Vie verbinden, ordnet die Tafel in ein größeres Feld von Experimenten der Blauen Periode ein. „Verbunden“ bedeutet nicht, dass sich La Vie selbst auf der Chicagoer Tafel befindet. Jenes Gemälde gehört dem Cleveland Museum of Art und hat seine eigene Geschichte. Der Vergleich betrifft eine wiederkehrende Form und Picassos Wiederverwendung oder Überarbeitung von Figurenideen. Die Werke getrennt zu halten verhindert, dass aus der aufregenden Entdeckung einer Untermalung die übertriebene Behauptung wird, ein berühmtes Bild liege buchstäblich unter einem anderen.^[3][4]

Auch der endgültige Gitarrist veränderte sich während seiner Entstehung. Der Bericht aus Barcelona nennt Belege dafür, dass die erste Fassung der Hauptfigur jünger und bartlos war; ihre Gesichtszüge standen männlichen Kopfstudien aus Picassos früherer Ausbildung nahe. Der alte Mann im fertigen Bild wurde also nicht einfach in einem unveränderten Arbeitsschritt über ältere Kompositionen gesetzt. Picasso passte die Figur, die schließlich die sichtbare Oberfläche bestimmte, weiter an. Das erschwert die bekannte Erzählung, er habe aus Materialmangel bloß eine misslungene Arbeit übermalt. Die Schichten zeigen Überarbeitung und Wiederverwendung; die genauen praktischen und künstlerischen Beweggründe lassen sich nicht vollständig ermitteln.^[3]

Technische Entdeckungen sollten unseren Blick für das sichtbare Gemälde schärfen, es nicht ersetzen. Die verborgenen Szenen sind keine Hinweise auf eine zwangsläufige Bedeutung wie „die Mutter ist die Erinnerung des Gitarristen“. Ebenso wenig gibt es Belege dafür, dass sich ein Porträt einer Weinenden Frau aus den 1930er Jahren unter einer um 1904 fertigen Tafel befindet. Die stärkere Schlussfolgerung ist interessanter: Picasso nutzte denselben Bildträger für mehrere Bilder und veränderte den Gitarristen bei der Arbeit. Die heute wegen ihrer kargen blauen Oberfläche bekannte Komposition entstand in einem vielfältigeren und unsichereren Prozess.^[1][3]

Verschiedene Untersuchungsmethoden beantworten verschiedene Fragen. Streiflicht macht Erhebungen und Oberflächenstrukturen besser sichtbar; Verfahren, die Schichten durchdringen oder unterscheiden, können Formen zeigen, die normales Licht nicht voneinander trennt. Der Bericht aus Barcelona führt diese Beobachtungen zusammen, ohne zu behaupten, das sichtbare Frauengesicht allein erzähle schon die ganze Geschichte. Ein Gesicht unter blauer Farbe ist ein Hinweis. Die Mutterschaftskomposition, die noch frühere stehende Figur und der überarbeitete Gitarrist ergeben sich aus dem Vergleich des Objekts mit technischen Bildern und verwandten Zeichnungen. Ihre Reihenfolge ist ein materieller Befund; ihre emotionale Bedeutung bleibt Interpretation.^[3]

Der hölzerne Bildträger gehört ebenfalls zu dieser Geschichte. Die Wiederverwendung einer Tafel verrät nicht, ob Picasso genau im Moment der Bildänderung das Geld für eine neue fehlte. Künstler verwenden Materialien aus vielen Gründen erneut, darunter Sparsamkeit oder der Wunsch, ein neues Bild über ein unbefriedigendes zu setzen. Das Art Institute nennt finanzielle Not als Hintergrund dieser Zeit; die Tafel selbst kann die Motive jedoch nicht unterscheiden. Genauer ist es zu sagen, dass Picasso über frühere Arbeiten malte, statt den Bildträger zum Beweis für einen bestimmten Tag des Hungers zu machen.^[1][3]

Armut, Musik und Ungewissheit

Das Art Institute deutet den Musiker im Zusammenhang mit Armut und Ausgrenzung; sein Objekteintrag erwähnt zudem Picassos eigene finanzielle Schwierigkeiten in dieser Zeit. Das sind vertretbare historische Kontexte. Doch das Bild eines offenbar armen Musikers ist kein dokumentarischer Einkommensnachweis einer bestimmten Person. Aus der Tafel lässt sich nicht erkennen, ob er beruflich spielt, bettelt, auf der Straße singt oder für jemanden außerhalb des Bildes auftritt. Zu behaupten, er suche „sicher“ nach Essen, verwandelt einen visuellen Hinweis in eine unbelegte Tatsache über einen Mann, den wir nicht identifizieren können.^[1][2]

Die Frage nach seiner Würde bleibt ebenso offen. Der Mann ist mit einer Aufgabe und einem Instrument dargestellt, nicht bloß als hilfloser Körper ausgestellt. Seine Aufmerksamkeit scheint auf die Gitarre gerichtet. Zugleich können die eingeengte Haltung und die fast leere Umgebung ihn schutzlos wirken lassen. Diese Merkmale erlauben die Frage, wie das Bild Tätigkeit und Verletzlichkeit gegeneinander abwägt. Sie gestatten weder eine sichere Schilderung seiner Gefühle noch die Behauptung, Picasso habe ihn an einem bestimmten Ort Barcelonas auftreten sehen.^[1][2]

Diese Zurückhaltung ist wichtig, weil Werke der Blauen Periode häufig als direkte Übersetzungen von Picassos eigenem Leiden gelesen werden. Das Museum verbindet sein Interesse an solchen Themen durchaus mit wirtschaftlicher Not und sozialem Mitgefühl. Ein gemalter Gitarrist bleibt jedoch eine andere Figur, nicht automatisch Picasso in Verkleidung. Die Komposition kann als Metapher für einen kämpfenden Künstler gelesen werden; das ist aber eine Bilddeutung. Man sollte sie als Möglichkeit anbieten, nicht als entdecktes Selbstporträt oder als bekannte Äußerung Picassos über dieses Gemälde.^[1]

Das Instrument trägt mehr als eine Metapher für Einkommen. Saiten und Hals lassen an musikalisches Spiel denken, obwohl das Bild stumm ist; die Hände geben dem alten Mann eine Handlung, statt ihn ganz passiv zu lassen. Darum zählt der braune Korpus nicht nur als Farbakzent: Auf ihn richtet die Figur ihre verbliebene Energie. Ob das Tun tröstlich, mühsam, gewohnheitsmäßig oder notwendig ist, bleibt dem Betrachter zur Überlegung. Picasso zeigt eine Tätigkeit, keine erklärende Bildunterschrift dazu.^[1][2]

Das Werk lässt sich auch mit anderen Bildern der Zeit vergleichen, ohne sie gleichzusetzen. La Vie zeigt mehrere Figuren in einer unklaren Begegnung; Die Tragödie in der National Gallery in Washington vereint drei Menschen am Ufer. Hier beherrscht eine Person das Bildfeld, und ihre Beziehung zur Gitarre tritt an die Stelle eines menschlichen Austauschs. Blaue Farbe und menschliche Verletzlichkeit verbinden die Gemälde, doch ihre Anordnungen unterscheiden sich. Ein Besucher lernt mehr daraus, wie jedes Bild Raum, Körper und Beziehungen nutzt, als aus einem einzigen Stimmungswort für alle.^[3][4]

Von Picassos Atelier nach Chicago

Der Provenienznachweis des Art Institute beginnt bei Ambroise Vollard in Paris um 1906 und merkt an, dass ein direkter Erwerb von Picasso wahrscheinlich, aber nicht sicher ist. Danach verfolgt er das Gemälde zum amerikanischen Sammler John Quinn im Jahr 1915, durch dessen Nachlass, einen Verkauf 1926 unter Beteiligung von Paul Rosenberg und zu Frederic Clay Bartlett. Noch 1926 kam es als Teil der Helen Birch Bartlett Memorial Collection ans Art Institute. Diese dokumentierten Schritte erklären, wie aus einem frühen Bild aus Barcelona ein Museumswerk in Chicago wurde, ohne für jedes Jahr und jeden Vermittler einen lückenlosen Weg zu erfinden.^[1]

Ein Aufsatz des Art Institute über Vollard sagt, das Gemälde sei wahrscheinlich in seiner Picasso-Retrospektive von 1910 mit frühen Arbeiten gezeigt worden. Das Wort ist wichtig: Das Museum nennt eine plausible Ausstellungsteilnahme, keine bestätigte. Derselbe Aufsatz berichtet, Vollards Beziehung zu Picasso habe mit einer Pariser Ausstellung 1901 begonnen und er habe später bedeutende Bilder der Blauen und Rosa Periode erworben. Wenn die Vermutung für 1910 zutrifft, sahen Menschen Der alte Gitarrist, die Picassos Werk kannten, bevor seine kubistischen Experimente zum üblichen Blickwinkel auf seine Laufbahn wurden.^[5]

Die spätere Wirkung kann für weitere Verwirrung sorgen. Das Art Institute besitzt David Hockneys Druckserie Blue Guitar von 1976–77, eine Reaktion auf Wallace Stevens’ Gedicht The Man with the Blue Guitar von 1937. Ein Blatt der Serie stellt den Gitarristen aus Chicago neben spätere Picasso-Bilder. Man kann diese Abfolge leicht umkehren und behaupten, Stevens habe sein Gedicht über genau dieses Gemälde geschrieben. Das Art Institute weist darauf hin, dass Stevens ein einzelnes Bild als Auslöser bestritt. Hockneys spätere bildliche Antwort ist dokumentiert; eine eindeutige Herkunftsgeschichte des Gedichts nicht.^[6]

Die Unterscheidung zwischen dem Gemälde und späteren Reaktionen ist hilfreich. Ein Gedicht, ein Druck, eine Museumsausstellung und eine Online-Reproduktion können dem Gitarristen für Betrachter neue Bedeutungen geben. Keine ändert sein verzeichnetes Datum, seine Technik oder seinen Bildträger. Auch seine Beliebtheit klärt das Leben des unbekannten Musikers nicht. Der aktuelle Objekteintrag des Museums ist der zuverlässige Ausgangspunkt für solche Fakten; seine Konservierungsforschung wirft Fragen dazu auf, wie Picasso das heute sichtbare Bild schuf.^[1][3]

Was sich aus dem Gemälde mitnehmen lässt

Der alte Gitarrist belohnt zwei Arten des Hinsehens. Auf der Oberfläche folgen wir dem gefalteten Körper, den hellen Gliedmaßen, der fast leeren blauen Umgebung und dem davon abgesetzten braunen Instrument. Darunter erinnern wir uns, dass die Tafel verworfene Figuren und Änderungen am Musiker selbst trägt. Die sichtbare Einfachheit entstand aus einer komplizierten Entstehungsgeschichte. Keine der beiden Ebenen allein erklärt die Kraft des Bildes.^[1][2][3]

Die vorsichtigste Deutung lässt auch dem Betrachter Raum. Der Gitarrist wird als alt und blind dargestellt; Identität, Lied und genaue Lebensumstände sind unbekannt. Picassos Arbeitsort Barcelona und die Themen der Blauen Periode sind dokumentiert, nicht jedoch die Bedeutung jeder formalen Entscheidung. Das Gemälde kann als verdichtetes Bild von Verletzlichkeit und Beharrlichkeit verstanden werden, ohne zu einer Diagnose Picassos, einer sentimentalen Geschichte über einen Straßenmusiker oder einem Rätsel reduziert zu werden, dessen Antwort vollständig in einem Röntgenbild liegt. Seine bewahrte Stille hält unseren Blick fest.^[1][3][4]

Quellen

1. Art Institute of Chicago, Der alte Gitarrist, 1926.253 ; Offizieller Datensatz der Sammlungs-API.
2. Art Institute of Chicago, älterer Führer zu Farbe und Bildbetrachtung. Die Angabe „Öl auf Leinwand“ in diesem Führer ist durch den heutigen Objekteintrag überholt.
3. Museu Picasso Barcelona, spanischer Bericht zur Konservierungsforschung über die Blaue Periode ; Katalanischer Bericht.
4. Musée national Picasso-Paris, Blaue und Rosa Periode.
5. Art Institute of Chicago, Aufsatz zur Vollard-Ausstellung.
6. Art Institute of Chicago, Titelblatt von Hockneys Blue Guitar ; Offizieller Datensatz der Sammlungs-API.

Bildnachweis

1. Ricard Canals i Llambí, 1904. Wikimedia Commons bezeichnet das Foto als gemeinfrei; der Quelldatensatz nennt RMN-Grand Palais. Auf 1.024 px verkleinert, nicht beschnitten. Quelldatensatz. Lizenz.
2. Teemu008. CC BY-SA 2.0. Proportional auf 1.024 Pixel Breite verkleinert, ohne Beschnitt. Quelldatensatz. Lizenz.