Picassos Zeichnungen

Einführung

Picassos Zeichnungen sind mehr als rasche Vorarbeiten zu berühmten Gemälden. Eine Notizbuchseite kann eine Beobachtung von der Straße festhalten; eine Studie kann die Haltung eines Körpers erproben; ein Porträt kann als fertiges Werk bestehen; eine Linie kann einen Gegenstand erkennbar machen, obwohl der Großteil des Papiers leer bleibt. Diese Zwecke überschneiden sich, sollten aber nicht verwechselt werden. Wer Picasso als Zeichner verstehen will, muss fragen, was jedes Blatt leistet, wie es entstand und ob es zu einer längeren Folge gehört.^[1][2]

Das Zeichnen begleitete Picasso seine gesamte Laufbahn hindurch. Die Ausstellung Picasso. Endlessly drawing des Centre Pompidou stellte Jugendstudien, spätere Arbeiten, Notizbücher und Druckgrafik einander gegenüber, statt eine Entwicklung zu erzählen, bei der eine frühe Linienführung dauerhaft durch eine andere ersetzt wurde. Die Vielfalt der Materialien ist wichtig: Grafit, Tinte, Kohle, Farbstift, Gouache und andere Spuren auf Papier können ganz unterschiedliche Wirkungen erzeugen. Eine Zeichnung kann suchend, genau, dicht, sparsam, privat oder ausgestellt sein – oder mehrere dieser Eigenschaften zugleich besitzen.^[2][3]

Auf einen Blick

• Umfang: Studien, Notizbücher, Porträts und fertige Blätter
• Materialien: Grafit, Tinte, Kohle, Farbstift und Gouache, unter anderem
• Wichtige Unterscheidung: Eine Zeichnung muss keine Vorarbeit zu einem Gemälde sein

Inhalt

1. Sehen und Zeichnen lernen
2. Was ein Skizzenbuch bewahrt
3. Wie Studien das Motiv verändern können
4. Linien, die einen Gegenstand aufbauen oder verunsichern
5. Politische und persönliche Themen zeichnen
6. Eine Zeichnung ist keine Druckgrafik
7. Wie man Picassos Zeichnungen betrachtet

Sehen und Zeichnen lernen

Picassos frühe Notizbücher stellen die Erzählung vom mühelosen Genie infrage. In A Coruña, Barcelona und Madrid übte er Figuren, das Kopieren und die Konventionen des akademischen Zeichnens. Forschungen des Museu Picasso Barcelona zeigen außerdem, wie er Straßen, Menschen, Innenräume und Landschaften festhielt. Velázquez oder Goya zu kopieren war nicht dieselbe Übung wie die Beobachtung eines Passanten. Das eine ließ ihn von einer Lösung eines Vorgängers lernen; das andere verlangte, aus einer sich verändernden Szene rasch etwas auszuwählen.^[1][4]

Das Blatt von 1899 in Feder und Tinte, Die Hände des Künstlers beim Zeichnen seiner Schwester Lola, macht diese doppelte Aufmerksamkeit besonders deutlich. Picasso stellte seine Schwester dar, aber auch die Hände, die ihr Bild hervorbringen. Es ist zugleich ein Familienporträt und ein kleines Bild über den Vorgang des Zeichnens. Das Museum in Barcelona bezeichnet das Medium als Feder und Tinte auf Papier. Die Linie zeichnet nicht nur einen Menschen nach; sie inszeniert die Beziehung zwischen Motiv, Zeichner und Blatt.^[5]

Frühe Zeichnungen lassen sich nach ihren unterschiedlichen Aufgaben betrachten. Eine akademische Figur kann zeigen, wie Körperproportionen festgelegt werden. Eine Straßenskizze kann davon abhängen, eine Haltung auszuwählen, bevor sie sich verändert. Ein Notizbuch kann mehrere Möglichkeiten, Anmerkungen und Motive enthalten, die nie zu Gemälden werden sollten. Die Notizbücher in Barcelona lassen sowohl Disziplin als auch Neugier erkennen; doch nicht jede erhaltene Skizze sollte als erster Schritt zu einem späteren Meisterwerk gelesen werden.^[1][4]

In Madrid studierte Picasso im Prado auch ältere spanische Kunst. Seine Kopien und Beobachtungen in den Notizbüchern gehören zur Ausbildung eines jungen Künstlers, nicht zu einer leeren Zeit vor dem Beginn der „eigentlichen“ Erfindung. Seine späteren Rückgriffe auf frühere Maler werden verständlicher, wenn man sieht, dass die Gewohnheit, bestehende Kunst anzuschauen und durchzuarbeiten, früh einsetzte. Das Zeichnen war eine Möglichkeit, diesen Austausch sichtbar zu machen.^[1]

Was ein Skizzenbuch bewahrt

Ein Skizzenbuch ist kein Miniaturmuseum vollendeter Kompositionen. Seine Seiten können Wiederholungen, verworfene Anfänge, abrupte Themenwechsel und Spuren aus verschiedenen Momenten bewahren. Auf einer Seite wird vielleicht ein Kopf erprobt, auf der nächsten ein Gebäude festgehalten oder eine Idee für ein Gemälde weiterentwickelt. Die Reihenfolge ist wichtig, doch nicht jedes Umblättern dokumentiert einen geradlinigen Fortschritt von der rohen Idee zur endgültigen Lösung.^[1][4]

Die Darstellung der Notizbücher durch das Museum in Barcelona begleitet Picasso nach Madrid, Horta de Sant Joan und Gósol. Sie beschreibt Landschaften, arbeitende Menschen und Studien im Zusammenhang mit größeren Kompositionen. Der Wechsel zwischen Gesehenem und Vorgestelltem ist bedeutsam. Eine während eines Dorfaufenthalts entstandene Zeichnung ist nicht automatisch ein dokumentarisches Porträt einer bestimmten Person; sie kann aber Einzelheiten eines Ortes, einer Geste oder einer Begegnung bewahren, die dem Künstler später nützlich werden.^[1]

Picasso führte über viele Jahre Notizbücher. Ihre Zahl soll nicht als Maßstab seiner Größe dienen. Wichtiger ist, sie als Arbeitsflächen zu erkennen, auf denen Alternativen nebeneinander bestehen konnten. Eine Notizbuchseite kann Wissen enthalten, das die vollendete Leinwand nicht bietet: eine erwogene und entfernte Figur, eine mehrfach erprobte Haltung oder ein Detail, das aus seinem späteren Zusammenhang herausgelöst wurde. Umgekehrt kann sich das fertige Gemälde noch stark verändern, nachdem das Buch geschlossen wurde. Zeichnungen und Gemälde belegen einen Arbeitsprozess, bilden aber Picassos Gedanken nicht vollständig ab.^[1][6]

Deshalb ist die Katalogisierung durch Museen wertvoll. Ein Buch hat eine materielle Reihenfolge, und einzelne Blätter haben Vorder- und Rückseiten; die Datierung eines Notizbuchs kann Monate oder Jahre statt nur eines Tages umfassen. Wenn eine Galerie ein attraktives Einzelblatt ohne seinen Platz im Buch wiedergibt, geht dem Betrachter ein Teil der Abfolge verloren. Ein Sammlungseintrag kann zeigen, ob wir eine lose Zeichnung, ein Blatt aus einem gebundenen Buch oder einen späteren Druck nach einer Zeichnung sehen.^[1][3]

Videos: Pablo Picasso

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Picassos Guernica — Karambolage España

Irgendwas mit ARTE und Kultur

ARTE erzählt die Geschichte von Guernica und den Weg des Gemäldes nach Spanien.

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Wie Studien das Motiv verändern können

Studie zu Zwei Schwestern (um 1902)

Das Bleistiftblatt, das auf der früheren pablopicasso.net-Seite „Study to Two Sisters“ abgebildet war, entspricht der von Christie’s katalogisierten Zeichnung Deux soeurs, nicht der anderen Zeichnung des Museums in Barcelona mit ähnlichem Titel. Christie’s datiert sein Blatt auf Barcelona um 1902 und gibt die Maße mit 62 × 46,6 cm an. Zwei bekleidete Figuren neigen sich zueinander; ihre Köpfe berühren sich über einer fast leeren unteren Papierhälfte. In der sparsamen Umgebung tragen die gesenkten Köpfe und sich treffenden Hände die Begegnung. Dieses Werk auf Papier steht in Verbindung mit dem Gemälde der Blauen Periode L’Entrevue (Les deux soeurs); es ist keine Reproduktion dieses Gemäldes.^[20]

Christie’s zählt es zu sechs verwandten Zeichnungen und zitiert einen Brief vom Juli 1902 an Max Jacob, in dem Picasso eine Frau aus der Einrichtung Saint-Lazare und eine Ordensschwester beschrieb. Diese Quelle hilft, das Motiv zu bestimmen, an dem er arbeitete; sie nennt nicht die Menschen, die für dieses konkrete Blatt Modell standen. Das Museu Picasso Barcelona besitzt eine weitere Study for “Two Sisters” von 1902 (MPB 110.540), in Feder, Tinte und Lavierung auf kariertem Papier. Ihre Komposition unterscheidet sich deutlich. Ähnliche Titel dürfen also nicht als austauschbare Objektidentitäten gelten, und keine der beiden Zeichnungen sollte als das vollendete blaue Ölgemälde bezeichnet werden.^[20][21]

Die Vorarbeiten zu Les Demoiselles d’Avignon zeigen, warum eine Studie nicht bloß die kleinere Fassung eines fertigen Gemäldes ist. Das MoMA verzeichnet Hunderte Zeichnungen und Skizzen aus den Jahren 1906–07. In einer frühen Ölstudie stehen zwei Männer – ein Matrose und ein Medizinstudent – bei fünf Frauen. Auf der großen Leinwand fehlen die Männer. Ihre Entfernung veränderte die Beziehung der Frauen zum Betrachter: Statt mit den beiden Figuren zu interagieren, treten sie uns unmittelbarer gegenüber. Das ist eine kompositorische und dramatische Änderung, nicht nur eine Korrektur der Anatomie.^[6][7]

Die kleine Ölstudie mahnt selbst zur Vorsicht bei Bezeichnungen. Das MoMA nennt sie eine „Studie“, doch ihr Medium ist Öl auf Leinwand. Eine Studie kann ein Gemälde, ein Aquarell oder eine Zeichnung sein. Der Begriff sagt etwas über ihre Rolle im Arbeitsprozess; die Materialangabe sagt, um welche Art Objekt es sich handelt. Die technische Darstellung des Museums behandelt auch ein Aquarell und die endgültige Leinwand. Ihr Vergleich kann Änderungen verdeutlichen, aber nicht jeder Änderung einen eindeutigen Grund zuordnen.^[6][7]

Eine mit demselben Projekt verbundene Berliner Zeichnung, Kopf einer Frau oder Head of a Woman, zeigt eine andere Art der Untersuchung. Das Museum Berggruen datiert sie auf 1906–07 und nennt Tempera und schwarze Tinte auf Papier als Materialien. Der Kurator verweist auf die sparsame Farbe, das unbemalte Papier und die Spannung zwischen einem zarten Gesicht und kantigen Schultern. Das ist nicht bloß ein Umriss, der noch ausgefüllt werden müsste. Der unberührte Bildträger und die Verteilung der Spuren formen die Figur mit. Das Museum verbindet das Blatt mit Studien zu den Demoiselles, doch es besitzt eigene bildnerische Entscheidungen.^[8]

Das Objekt hat auch eine Geschichte außerhalb des Ateliers. Der Berliner Eintrag zeichnet seine Beschlagnahmung aus der Sammlung Alphonse Kanns 1940 und seine Restitution 1947 sowie spätere Eigentumsverhältnisse nach. Die Provenienz ist kein Grund, diese späteren Ereignisse in das Bild von 1906–07 hineinzulesen. Sie erinnert daran, ein Kunstwerk als materielles Objekt zu behandeln, das gereist ist, Eigentümer hatte und mitunter unrechtmäßig entzogen wurde. Ein Online-Titel oder eine beschnittene Reproduktion würde diese Geschichte nicht vermitteln.^[8]

Nicht jede Studie Picassos betrifft ein Gemälde. Er zeichnete für Skulpturen, Theater und Druckgrafik und untersuchte ein Motiv manchmal in mehreren Medien. Für diese Seite über Zeichnungen ist entscheidend, dass ein gezeichneter Entwurf einem Zweck dienen kann, während das daraus entstehende Bühnenbild, die Skulptur oder der Druck ein anderes Objekt ist. Die Zeichnung verdient Aufmerksamkeit für ihre Spuren und Entscheidungen, auch wenn sie über das Papier hinausweist.^[2][3]

Linien, die einen Gegenstand aufbauen oder verunsichern

Picassos kubistische Zeichnungen können schwierig sein, weil eine Linie mehr als eine Aufgabe erfüllt. Sie kann einen Gegenstand begrenzen, eine Fläche teilen, einen Schatten andeuten oder Teil eines Zeichens wie eines Buchstabens werden. Eine Gitarre oder Flasche kann durch Fragmente angedeutet sein, statt von einer einzigen Umrisslinie eingeschlossen zu werden. Ein Teil der Freude am Betrachten besteht darin, diese Hinweise zusammenzusetzen und zu sehen, wo sie sich einer gewohnten Ansicht verweigern.^[3][9]

Diese Veränderung war kein dauerhafter Wechsel von genauer Zeichnung zur Abstraktion. Picasso konnte zu sorgfältig modellierten Körpern zurückkehren und zugleich erproben, ob wenige Spuren genügten, um eine Sache zu benennen. Die Forschungen des Museums in Barcelona zu seinen Skizzenbüchern der 1920er Jahre beschreiben Reihen von Stilllebenvariationen aus Punkten und Linien, die sich bisweilen der Grenze zwischen erkennbaren Gegenständen und abstrakten Mustern nähern. Durch Wiederholung kann eine Markierung in anderen Anordnungen erprobt werden. Betrachter können fragen, wann eine Liniengruppe als Flasche, Instrument oder Figur lesbar wird – und wann nicht mehr.^[10]

Das Material sollte vor dem Stil benannt werden. Grafit lässt sich verreiben oder ausradieren; Tinte kann einen entschieden wirkenden Umriss oder eine Masse dunkler Schraffuren erzeugen; Kohle ermöglicht weiche Kanten und breite Tonwerte; Farbstift oder Gouache verschiebt das Verhältnis zwischen Linie und Fläche. Das sind Möglichkeiten, kein Regelwerk zur Datierung Picassos. Ein französischer Eintrag des Musée Picasso-Paris zu einem Blatt von 1919 nennt Gouache und Grafit zusammen; spätere Porträteinträge verzeichnen Kohle und mehrere Stifte auf einem Blatt. „Picasso-Linienzeichnung“ beschreibt diese Vielfalt zu eng.^[3][11][12]

Auch Sparsamkeit beweist nicht, dass eine Zeichnung keine Überlegung erforderte. Der Druck eines Strichs, die Leere um ihn herum und die Entscheidung aufzuhören können ebenso folgenreich sein wie eine dichte Schattierung. Manche Blätter wirken schnell, weil sie schnell entstanden. Andere verdichten ein Motiv, das vielfach bearbeitet wurde. Ohne eine verlässliche Abfolge datierter Zustände sollte man das Erscheinungsbild beschreiben, statt zu behaupten, wie lange es dauerte oder wie viel Mühe der Künstler aufwandte.^[2][8]

Politische und persönliche Themen zeichnen

Im Mai 1937 zeichnete Picasso Studien zu Guernica, dem großen Gemälde für den Pavillon der Spanischen Republik in Paris. Das Reina Sofía bezeichnet Estudio de composición (VI) als vorbereitende Zeichnung vom 8. Mai. Andere Blätter untersuchen einzelne Figuren und Beziehungen innerhalb der entstehenden Komposition. Die Zeichnungen lassen uns Alternativen in kleinerem Maßstab verfolgen, bevor die Leinwand ihre endgültige Form erhielt. Sie sind keine Miniaturkopien des vollendeten politischen Bildes.^[13]

Dora Maars Fotografien des Gemäldes während seiner Entstehung liefern eine andere Art von Abfolge. Eine Zeichnung vor einem gemalten Abschnitt und die Fotografie eines späteren Leinwandzustands beantworten unterschiedliche Fragen. Die eine kann eine Möglichkeit zeigen, die Picasso erprobte; die andere hält fest, was zu einem bestimmten Zeitpunkt tatsächlich auf der Leinwand zu sehen war. Zusammen sind sie aussagekräftige Belege für Überarbeitungen, doch keine verrät genau, was Stier, Pferd oder Lampe für jeden Betrachter oder für Picasso in jeder Phase bedeuteten.^[13][14]

Porträtzeichnungen stellen uns vor eine andere Beweisfrage. Ein Name in einem institutionellen Eintrag kann die dargestellte Person sicher identifizieren; aus einer vagen Ähnlichkeit sollte man ihn nicht erschließen. Das Musée national Picasso-Paris verzeichnet Portrait de Françoise als Pariser Zeichnung vom 20. Mai 1946 aus Grafit, dreifarbigen Stiften und Kohle. Die Materialien sind wichtig, denn das Porträt entstand nicht einfach aus einer einzigen schwarzen Linie. Françoise Gilot war selbst Künstlerin und Schriftstellerin; sie nur als Modell zu behandeln, würde die Geschichte dieser Begegnung verengen.^[12][17]

Dasselbe Museum führt Portrait de Sylvette vom 21. April 1954 als Grafit auf Papier. Titel und Katalogeintrag sichern den Namen der Dargestellten, die Materialangabe beschreibt das Blatt. Ein Porträt Lydia Corbetts, die damals als Sylvette David bekannt war, kann zu einer Gruppe verwandter Bilder gehören; trotzdem braucht jedes Blatt ein eigenes Datum, Medium und eine eindeutige Inventaridentität. Zeichnungen namentlich bekannter Menschen sind keine allgemeinen Beispiele für ein „Muse“-Thema: Sowohl die dargestellte Person als auch das materielle Werk verdienen Genauigkeit.^[15]

Bei all diesen Themen ist eine Zeichnung nicht automatisch intimer oder wahrhaftiger als ein Gemälde. Ein Notizbuch kann privat sein; ein Porträt kann für die Öffentlichkeit bestimmt sein; eine politische Studie kann mit einem öffentlichen Auftrag zusammenhängen. Die Oberfläche kann sparsam oder stark durchgearbeitet sein. Zeichnungen ermöglichen vor allem, das Zusammenwirken von Linie, Tonwert, Raum und Überarbeitung mit besonderer Deutlichkeit zu untersuchen.^[2][3][13]

Mann mit Lamm, Wassermelonenesser und Flötenspieler (1967)

Diese späte Zeichnung zeigt, was ein Online-Titel uns nicht verraten kann. Sotheby’s katalogisiert das abgebildete Blatt als Homme au mouton, mangeur de pastèque et flutiste, mit Picassos Signatur und der Markierung „20.1.67. V“ oben links. Der Eintrag nennt Wachskreide auf Papier, 49,5 × 64,4 cm, und verweist auf frühere Nachweise in den Katalogen von Feld, Zervos und dem Picasso Project. Das alte Foto von pablopicasso.net zeigt dieselbe Anordnung: einen Flötenspieler in der Mitte, einen sitzenden Wassermelonenesser unten links und ein rechts gehaltenes Lamm. Das Werk ist als Zeichnung zu beschreiben, nicht als „Drei-in-eins-Gemälde“.^[18]

Die römische Zahl ist wichtig. Christie’s katalogisiert ein weiteres Blatt desselben Motivs und Datums mit der Markierung „20.1.67.IV“; dort unterscheiden sich Positionen und Gesten. Beide sind verwandte Werke, nicht austauschbare Kopien eines Objekts. Auf dem Sotheby’s-Blatt durchquert die Flöte den oberen Teil der Komposition, während sich der Essende in die untere Ecke krümmt und die stehende Figur mit dem Lamm den rechten Rand ausfüllt. Das offene Papier und die wechselnde Dichte der Kreide machen die Szene ohne gemalte Umgebung lesbar. Sotheby’s schlägt eine pastorale Deutung vor, doch das ist eine Kataloginterpretation und kein Beleg dafür, dass Picasso jeder Figur ein festes Symbol zuwies.^[18][19]

Eine Zeichnung ist keine Druckgrafik

Der Unterschied ist gerade online wichtig, wo ein monochromes Bild unabhängig von seiner Herstellung als „Skizze“ bezeichnet werden kann. Eine Zeichnung besteht aus Spuren auf einem Bildträger wie Papier. Eine Druckgrafik ist ein Abdruck, der von einer vorbereiteten Matrize wie einer Platte, einem Stein oder einem Block übertragen wird. Eine Lithografie kann mit einer Zeichnung auf Stein beginnen; eine Radierung kann eine gezeichnet wirkende Linie bewahren. Dennoch ist keine von beiden dasselbe materielle Objekt wie ein Bleistift- oder Tintenblatt. Das British Museum erklärt Picassos Radierungen, Lithografien und Linolschnitte anhand ihrer unterschiedlichen Verfahren.^[16]

Das englische Wort „print“ kann auch eine moderne Reproduktion bezeichnen, die nach einem Kunstwerk verkauft wird. Diese unterscheidet sich wiederum von einer originalen Radierung oder Lithografie aus Picassos druckgrafischer Arbeit. Ein Shop-Titel kann die Unterscheidung nicht klären. Ein institutioneller Eintrag bestimmt das Objekt gewöhnlich als Zeichnung, Druckgrafik oder Gemälde und nennt Technik, Maße und bei Druckgrafik – soweit bekannt – Auflage oder Zustand. Das ist ein verlässlicherer Ausgangspunkt als die scheinbare Einfachheit des Bildes.^[3][16]

Dieselbe Vorsicht gilt bei beliebten Tierbildern. Picasso zeichnete Tiere und fertigte Druckgrafiken von ihnen an; eine online gefundene Eule, ein Hund oder eine Taube ist aber nicht automatisch eine Originalzeichnung aus einer sicher bestimmten Reihe. Ein Ein-Wort-Titel kann mehrere Objekte, eine spätere Reproduktion oder ein ihm fälschlich zugeschriebenes Bild bezeichnen. Bevor ein Bild als Beleg für seine Zeichenpraxis dient, sollte man nach einer besitzenden Institution, Inventarnummer, Technik und Datierung suchen.^[3][16]

Wie man Picassos Zeichnungen betrachtet

Beginnen Sie mit vier Fragen. Erstens: Was ist der Bildträger, und welche Spuren sind verzeichnet – Grafit, Tinte, Kohle, Farbe oder eine Mischung? Zweitens: Handelt es sich um ein loses Blatt, eine Notizbuchseite, eine Studie für ein anderes Werk oder eine eigenständige Zeichnung? Drittens: Was ist auf dem Blatt selbst sichtbar – Umriss, Schattierung, unberührtes Papier, Korrekturen oder mehrere Fassungen einer Figur? Viertens: Was weiß die Institution tatsächlich über Datum, Motiv und Besitzgeschichte? Diese Fragen machen ein unbekanntes Blatt zugänglicher, ohne es in eine Periodenbezeichnung zu zwängen.^[1][3][8]

Um verschiedene Verwendungen des Zeichnens zu sehen, beginnen Sie mit dem frühen Bild, in dem Picasso Lola zeichnet. Vergleichen Sie es dann mit einer Studie zu den Demoiselles, der Kompositionsstudie zu Guernica von 1937 und einem dokumentierten späteren Porträt wie Portrait de Françoise. Das erste lenkt den Blick auf den Herstellungsakt; das zweite erprobt einen Körper und einen neuen Bildraum; das dritte gehört zu einem öffentlichen politischen Auftrag; das vierte ist ein namentlich bezeichnetes Porträt aus mehreren Materialien. Keines ist eine minderwertige Fassung eines Gemäldes.^{[5][8][12][13]}

Objektseiten und Kataloge von Museen ermöglichen es, diese Werke im Zusammenhang zu betrachten. Die dort gezeigten Bilder sind nicht automatisch zur erneuten Veröffentlichung an anderer Stelle freigegeben, und die Zeichnungen lassen sich ohne Kopien besprechen. Der eigentliche Gewinn eines verlässlichen Eintrags ist mehr als nur ein Bild: Er verbindet eine Linie auf Papier mit einem identifizierten Objekt, einem materiellen Verfahren und einer überprüfbaren Geschichte.^[3][8][15]

Quellen

1. Museu Picasso Barcelona, „Picasso. Los Cuadernos“, spanische Ausstellungsforschung zu Notizbüchern und früher Ausbildung. Quelle ansehen.
2. Centre Pompidou, „Picasso. Endlessly drawing“, Ausstellungsüberblick von 2023–24. Quelle ansehen.
3. Musée national Picasso-Paris, „La collection“, französische Darstellung der Bestände in unterschiedlichen Medien. Quelle ansehen.
4. Museu Picasso Barcelona, „Picasso. The sketchbooks“, englischer Ausstellungsüberblick. Quelle ansehen.
5. Museu Picasso Barcelona, „The Artist's Hands Drawing His Sister Lola“, Objekteintrag zum Werk von 1899. Quelle ansehen.
6. The Museum of Modern Art, „Les Demoiselles d'Avignon: Studies“, konservatorische Forschung. Quelle ansehen.
7. The Museum of Modern Art, „Study for Les Demoiselles D'Avignon“, Objekteintrag zur Ölstudie vom Anfang des Jahres 1907. Quelle ansehen.
8. Staatliche Museen zu Berlin, Museum Berggruen, „Kopf einer Frau“, deutschsprachiger Objekteintrag mit Provenienz. Quelle ansehen.
9. Musée national Picasso-Paris, „Picasso et le cubisme“, französische Darstellung der Institution. Quelle ansehen.
10. Museu Picasso Barcelona, „Objetos vivos. Figura y naturaleza muerta en Picasso“, spanische Forschung zu Stilllebenskizzen und Serien. Quelle ansehen.
11. Musée national Picasso-Paris, „Études: nature morte et main“, Objekteintrag zum Werk von 1919. Quelle ansehen.
12. Musée national Picasso-Paris, „Portrait de Françoise“, Objekteintrag zum Werk von 1946. Quelle ansehen.
13. Museo Reina Sofía, „Estudio de composición (VI). Dibujo preparatorio para Guernica“, Archiveintrag vom 8. Mai 1937. Quelle ansehen.
14. Museo Reina Sofía, „Reportaje de Dora Maar sobre la evolución de Guernica“, Archiveintrag. Quelle ansehen.
15. Musée national Picasso-Paris, „Portrait de Sylvette“, Objekteintrag zum Werk von 1954. Quelle ansehen.
16. British Museum, „Picasso: printmaker“, groß gedruckter Führer zu Drucktechniken und Objektkategorien. Quelle ansehen.
17. Musée national Picasso-Paris, „Françoise Gilot“, französischer biografischer Eintrag zu ihrem künstlerischen und schriftstellerischen Werk. Quelle ansehen.
18. Sotheby's, Homme au mouton, mangeur de pastèque et flutiste, Los 207, Impressionist & Modern Works on Paper, 2008; Katalogeintrag zum Blatt mit der Markierung „20.1.67. V“. Quelle ansehen.
19. Christie's, Homme à l'agneau, mangeur de pastèque et flûtiste, Los 1011, 2015; Katalogeintrag zum anderen Blatt mit der Markierung „20.1.67.IV“. Quelle ansehen.
20. Christie's, Deux soeurs, Los 1076, 2016; Katalogeintrag zur um 1902 in Barcelona entstandenen Bleistiftzeichnung mit Ausstellungs- und Werkgeschichte. Quelle ansehen.
21. Museu Picasso Barcelona, Study for “Two Sisters”, 1902; Objekteintrag zum anderen Blatt in Feder, Tinte und Lavierung, MPB 110.540. Quelle ansehen.

Bildnachweise

1. Ramon Casas. Gemeinfrei. Quelle: Wikimedia Commons. Auf 1.024 px verkleinert; nicht beschnitten. Quelleneintrag. Lizenz.
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