Blaue Periode

Einführung

Picassos Blaue Periode begann nicht mit dem plötzlichen Entschluss, alles blau zu malen. Sie entwickelte sich auf seinen Reisen zwischen Spanien und Paris, etwa ab Herbst 1901, und ging 1904–1905 allmählich in eine wärmere Farbpalette über. In diesen Jahren schuf er Bilder von Menschen allein, zu zweit und in Familien: einen über eine Gitarre gebeugten Mann, eine Frau, die ein Kind schützt, eine alte Gestalt am Meer und einen jungen Künstler, der sich selbst als vorzeitig gealtert zeigt. Blau verbindet viele dieser Werke, doch ihre Themen, Materialien und Bedeutungen unterscheiden sich.^[1][2][3]

Die Periode wird häufig mit dem Suizid von Picassos Freund Carles Casagemas erklärt. Dieser Verlust traf Picasso tief und gab den Anstoß zu einer Reihe von Gemälden über Casagemas. Für sich genommen erklärt er jedoch weder die Frauen, die Picasso in Saint-Lazare beobachtete, noch die künstlerischen Vorbilder, mit denen er sich befasste, die in Barcelona überarbeiteten Werke oder die formalen Entscheidungen, durch die eine begrenzte Farbpalette Körper und Räume auf neue Weise ausdrucksstark machte. Ein umfassenderes Verständnis der Blauen Periode führt Biografie, soziale Beobachtung und künstlerisches Experiment zusammen.^[1][4]

Auf einen Blick

• Ungefähre Datierung: Vom Herbst 1901 bis zu einem allmählichen Übergang 1904–1905
• Wichtigste Orte: Paris und Barcelona, zwischen denen der Künstler hin- und herreiste
• Charakteristische Farbpalette: Vorwiegend Blau- und Blaugrautöne, ohne andere Farben völlig auszuschließen
• Wiederkehrende Themen: Isolation, Armut, Mutterschaft, Krankheit, Arbeit, Altern und menschliche Beziehungen
• Medien: Malerei, Zeichnung, Pastell, Skulptur und Druckgrafik
• Wichtige Werke: Selbstbildnis (1901), Das blaue Zimmer (1901), Kauernde Bettlerin (1902), Die Suppe (1903), La Vie (1903), Die Tragödie (1903), Der alte Gitarrist (Ende 1903–Anfang 1904), La Célestine (1904) und Die Büglerin (1904)

Inhalt

1. Der Beginn der Blauen Periode
2. Casagemas, Trauer und die Grenzen der Biografie
3. Paris und Barcelona als verbundene Arbeitsorte
4. Die Wirkung von Blau in den Bildern
5. Menschen, Armut und die Gefahr einfacher Etiketten
6. Wichtige Werke von 1901 bis 1904
7. Zeichnung, Pastell, Skulptur und Druckgrafik
8. Was wissenschaftliche Untersuchungen zeigen
9. Künstlerische Vorbilder und der Übergang zur Rosa Periode
10. Fragen zu Picassos Blauer Periode

Wann begann die Blaue Periode?

Es gibt kein datiertes Manifest, das den Beginn von Picassos Blauer Periode verkündet. Ihr Anfang lässt sich besser als ein Wandel verstehen, der in einer Folge von Werken sichtbar wird. Seine Ausstellung im Sommer 1901 in der Pariser Galerie von Ambroise Vollard zeigte eine lebhafte Auseinandersetzung mit Farben, Motiven des Nachtlebens und den Stilen moderner Maler wie Van Gogh, Degas und Toulouse-Lautrec. Das Musée d'Orsay beschreibt eine Hinwendung nach innen im Herbst, als Blau in Bildern, die auch an Cafészenen, Harlekine und den Tod Casagemas' erinnerten, zunehmend wichtig wurde.^[1]

Dieser Wandel vollzog sich nicht nur in einer Stadt. Picasso war 1900 mit Casagemas nach Paris gereist, hatte Zeit in Madrid verbracht, war nach Paris zurückgekehrt und wechselte in den folgenden Jahren zwischen der französischen Hauptstadt und Barcelona. Auf diesem Weg nahm er Ideen und Werke mit. Auch der deutschsprachige Ausstellungsbericht der Fondation Beyeler verortet die wachsende Vorherrschaft des Blaus im Spätsommer und Herbst 1901 und verfolgt die Gemälde anschließend durch Picassos wechselnde Aufenthalte in Paris und Barcelona.^[3]

Anfang 1902 kehrte Picasso nach Barcelona zurück. Einige Museumstexte beschreiben diese Rückkehr als den Zeitpunkt, an dem sich seine blaue Bildsprache voll entfaltete; andere sehen ihre ersten erkennbaren Anfänge Ende 1901 in Paris.^[1][3] Der Unterschied ist weniger ein sachlicher Widerspruch als eine Frage dessen, was als Beginn gilt: der erste auffällige Einsatz einer Farbe, eine sich entwickelnde Gruppe verwandter Bilder oder ein ausgereifter Stil. „Etwa 1901–1904“ ist eine nützliche Kurzformel, sollte die Entwicklung aber nicht als mechanischen Ablauf erscheinen lassen.

Ebenso wenig endete die Periode punkt Mitternacht am Ende des Jahres 1904. Picasso ließ sich in jenem Jahr dauerhafter in Paris nieder; Zirkusmotive und wärmere Farben traten allmählich stärker hervor. Das Musée d'Orsay beschreibt einen fließenden Übergang in den letzten Wochen des Jahres 1904 und zu Beginn von 1905: Manche Figurentypen blieben erhalten, während die Farbpalette vielfältiger wurde.^[1] Blau und Rosa bezeichnen vorherrschende Tendenzen in einem sich wandelnden Werk, keine hermetisch getrennten Abschnitte.

Casagemas, Trauer und die Grenzen der Biografie

Carles Casagemas, ein Künstler und enger Freund Picassos, starb am 17. Februar 1901 in Paris durch Suizid. Picasso hielt sich in Madrid auf, als er von dessen Tod erfuhr. Monate später stellte er Casagemas in mehreren Werken dar. Das Musée d'Orsay weist darauf hin, dass Der Tod des Casagemas noch die kraftvolle Malweise seiner früheren Pariser Bilder zeigt, während Blau in späteren Darstellungen seines Freundes stärker hervortritt.^[1] Schon diese Abfolge zeigt, warum sich die Geschichte nicht auf „Casagemas starb, also malte Picasso sofort blau“ verkürzen lässt.

Der Verlust ist mit der Geschichte der Periode untrennbar verbunden, doch ein Lebensereignis ist keine allgemeingültige Bildunterschrift. Viele spätere Figuren der Blauen Periode sind keine Porträts Casagemas', und einige sind nicht einmal Bildnisse von Menschen, deren Namen überliefert sind. Ihre gesenkten Köpfe, langgezogenen Gliedmaßen oder zurückgezogenen Gesichtsausdrücke mögen Mitgefühl wecken, liefern aber keine medizinischen Belege für Picassos eigene psychische Gesundheit. Es ist angemessen zu sagen, dass Trauer zu seiner Lebenswelt gehörte. Es ist nicht angemessen, jedes Werk als unmittelbares Symptom einer anhaltenden Depression zu diagnostizieren.^[1][4]

Dies wird deutlicher, wenn man betrachtet, womit Picasso sonst beschäftigt war. 1901 stellte er aus, setzte sich mit moderner französischer Malerei auseinander, zeichnete und schuf Porträts. 1902–1903 entwickelte er Kompositionen in verschiedenen Medien und überarbeitete bereits benutzte Bildträger.^[1][5][18] Das sind Zeichen einer aktiven künstlerischen Praxis, nicht bloß eine passive Aufzeichnung von Unglück. Die besten Darstellungen dieser Periode bewahren ihre emotionale Kraft und fragen zugleich, wie diese Kraft sichtbar gemacht wurde.

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Paris und Barcelona als miteinander verbundene Arbeitsorte

In Paris lernte der junge Picasso moderne Malerei, Kunsthändler und ein neues Publikum kennen. Seine Ausstellung bei Vollard wurde am 25. Juni 1901 eröffnet und endete im Juli. Sie brachte ihm Aufmerksamkeit in der Kritik und führte ihn mit dem Dichter Max Jacob zusammen.^[1] Die Schau fand vor der vollen Entfaltung seiner blauen Bildsprache statt. Es wäre daher irreführend, die Blaue Periode so darzustellen, als sei Picasso bereits mit einem fertigen Stil in Paris angekommen.

Barcelona war nicht einfach ein Rückzugsort. Rund um Els Quatre Gats entwickelte sich dort eine lebendige Kunstszene mit Malern wie Ramon Casas und Santiago Rusiñol. Die Stadt blieb zudem ein Ort von Picassos Ateliers, Freundschaften und anspruchsvollen Arbeiten. Das Musée d'Orsay betont das Zusammenwirken des katalanischen Modernismus, der spanischen Malerei und dessen, was Picasso in Paris kennengelernt hatte.^[1] Auch die Art Gallery of Ontario und die Phillips Collection betrachten die Periode anhand der Bewegung zwischen beiden Städten, statt eine einseitige Geschichte französischen Einflusses zu erzählen.^[5]

Für einzelne Werke sind diese Orte wichtig. Das Blaue Zimmer der Phillips Collection entstand 1901 in Paris; die Kauernde Bettlerin und Die Suppe der Art Gallery of Ontario entstanden 1902 beziehungsweise 1903 in Barcelona.^[5] La Vie, eines der komplexesten Gemälde dieser Periode, wurde 1903 in Barcelona entwickelt.^[7] Diese Werke gehören zu einer breiten Schaffensphase, doch ihre Entstehungsorte, Quellen und materiellen Geschichten lassen sich nicht zu einer einzigen Pariser Legende verschmelzen.

Auch das Gefängnis und Krankenhaus Saint-Lazare gehören zu dieser Geografie. Das Musée d'Orsay berichtet, dass Picasso im Herbst 1901 das Frauengefängnis in Paris besuchte. Einige Frauen waren dort mit ihren Kindern untergebracht; Kleidung und Kopfbedeckungen aus diesem Umfeld gingen, verwandelt in ernste, stilisierte Figuren, in sein Werk ein.^[1] Nach seiner Rückkehr nach Barcelona entwickelte er diese Motive weiter. Aus der Beobachtung des Künstlers wurde eine Bildsprache, doch die beobachteten Menschen sollten nicht hinter einer sentimentalen Bezeichnung wie „die Unterdrückten“ verschwinden. Es waren Frauen in einer bestimmten Institution, die unter Zwang lebten, auch wenn ihre Namen in den Gemälden nicht überliefert sind. Unser Zeichnungsführer bespricht eine Studie zu Zwei Schwestern und unterscheidet sie von einem weiteren Blatt mit ähnlichem Titel.

Was Blau in den Bildern bewirkt

Blau ist mehr als ein Zeichen dafür, dass eine dargestellte Person traurig ist. Es kann Haut kühl erscheinen lassen, eine Figur mit einem schattigen Raum verbinden, den Abstand zwischen einem Körper und der umgebenden Luft verringern oder einen kleinen Helligkeitsunterschied deutlich hervortreten lassen. Die Bandbreite ist größer als ein einzelnes Pigment oder ein einziger Farbton. In dieser Periode begegnet man Türkis, Indigo, Blaugrün, Grau und gelegentlichen warmen Akzenten. Das Musée d'Orsay beschreibt zahlreiche Variationen innerhalb der Gemälde und ein Streben nach Ausdruckskraft in der Form ebenso wie in der Farbe.^[1]

Man kann verschiedene Arten von Raum vergleichen. Im Gemälde Das blaue Zimmer gehört die Farbe zu einem Innenraum mit einer Badenden und erkennbaren Einrichtungsgegenständen.^[5] Im Gemälde Die Tragödie umgeben Meer und Himmel drei barfüßige Menschen, die dicht beieinander stehen, einander aber offenbar nicht trösten können.^[8] Im Gemälde Der alte Gitarrist krümmt sich ein magerer Körper um das Instrument; dessen wärmeres Braun fällt vor dem blauen Bildfeld deutlich auf.^[9] Blau vereint jedes dieser Bilder auf andere Weise. Es liefert nicht für alle drei dieselbe Erzählung.

Picasso veränderte auch die menschliche Figur. Verlängerte Hände, schmale Körper und vereinfachte Formen können eine Geste oder Haltung verstärken. Das 1903 entstandene Pastell Desemparats im Museu Picasso Barcelona zeigt Mutter und Kind in einer durch Blau erzeugten kühlen Atmosphäre, während ihre Gesichter hell bleiben. Die katalanische Objektdokumentation weist auf die vergrößerte Hand der Mutter hin und nennt El Greco als einen formalen Vergleich.^[10] Die Verformungen sind keine anatomischen Fehler. Sie lenken die Aufmerksamkeit auf Schutz, Berührung und das Gewicht eines Körpers.

Wo sich ein Bild der Monochromie nähert, gewinnt eine kleine Veränderung an Bedeutung. Ein rosafarbenes Gesicht, eine braune Gitarre, ein weißes Tuch oder der Unterschied zwischen dem Blau des Himmels und dem eines Mantels können den Blick durch das Werk führen. Die Bezeichnung „blau“ sollte den Blick für solche Unterschiede schärfen, nicht sie auslöschen.

Menschen, Armut und die Gefahr vorschneller Etiketten

Die Blaue Periode umfasst viele Bilder von Menschen, die sichtbar wenig Sicherheit haben: Bettelnde, Gefangene, Arbeitende, einsame Trinkende, alte Menschen und Eltern mit Kindern. Museen sprechen häufig von Armut und gesellschaftlicher Ausgrenzung, weil diese Lebensumstände für die Periode wichtig sind.^[1][5][6] Dennoch sollte nicht jede namenlose Figur zu einem austauschbaren Sinnbild des Elends gemacht werden.

Manche Werke verlangen eine genauere Darstellung. Das Guggenheim beschreibt Die Büglerin als ein Bild von 1904, das eine Pariser Wäscherin bei schwerer körperlicher Arbeit zeigt. Ihr gesenkter Kopf und die Kraft ihrer Arme rücken die Arbeit, nicht bloß Traurigkeit, ins Zentrum der Komposition.^[11] Die mit Saint-Lazare verbundenen Frauen lebten innerhalb eines bestimmten Gefängnis- und Krankenhaussystems. La Célestine entstand im März 1904 in Barcelona; das Musée Picasso Paris identifiziert die dargestellte Frau als Carlotta Valdivia, die ein Bordell führte. Der Titel verweist außerdem auf die Figur aus Fernando de Rojas' spanischem Werk.^[12] Diese Sujets haben unterschiedliche Geschichten, und eine ernsthafte Darstellung sollte sie auseinanderhalten.

Auch das Thema Mutterschaft ist vielfältig. Eine Mutter kann sich zu einem Kind hinunterbeugen, es schützen oder halten; eine komplexe Komposition kann sie auch von ihm trennen. Bei Desemparats erkennt das Museum in Barcelona Schutz in der Hand und Kleidung der Mutter.^[10] Im Gemälde La Vie steht eine Frau mit einem Baby einem Paar gegenüber, während zwei weitere gemalte Gruppen im Bild zu sehen sind. Das Cleveland Museum of Art dokumentiert mehrere Deutungen, statt eine einzige verbindliche Erklärung vorzugeben.^[7] Mutterschaft ist weder stets ein tröstender Zufluchtsort noch immer ein einfaches Bild der Entbehrung.

Picassos eigene erotischen und karikaturhaften Zeichnungen aus den Jahren 1901–1903 mahnen ebenfalls zur Vorsicht. Das Musée d'Orsay stellt sie als Gegenströmung zu den ernsten Bildern dar, nicht als Werk eines anderen Künstlers oder einer späteren Phase.^[1] Die Blaue Periode war nie ein geschlossenes moralisches Universum, in dem jedes Bild denselben traurigen Ton anschlug.

Wichtige Werke von 1901 bis 1904

Picassos Selbstbildnis von 1901, heute im Musée national Picasso-Paris, ist ein vertrauter Einstieg. Er zeigt sich in dunkler Kleidung, mit blassem Gesicht und älter wirkend, als er war. Das Bild wird häufig biografisch gelesen, doch es zeigt auch, wie der Künstler seine eigene Erscheinung bewusst gestaltete. Das Musée d'Orsay stellt es neben frühere Selbstporträts, die Stile anderer moderner Maler aufnehmen, und ordnet es so in eine Folge bewusst gewählter künstlerischer Identitäten ein.^[1][2]

Das blaue Zimmer und die Kauernde Bettlerin zeigen, wie sich die Periode zwischen Paris und Barcelona herausbildete. Das erste bewahrt die Lebendigkeit eines Innenraums; das zweite lässt eine einsame Figur in sich zusammensinken. Die Art Gallery of Ontario berichtet, dass bildgebende Untersuchungen der Kauernden Bettlerin eine frühere Landschaft sichtbar machten, deren Konturen Picasso bei der Gestaltung der heute sichtbaren Figur nutzte.^[5][13] Dieser Befund macht das Gemälde zu einem Zeugnis von Komposition und Veränderung, nicht bloß einer feststehenden Stimmung.

Im Gemälde Die Suppe von 1903 steht eine Schale, die zwischen einer Frau und einem Kind weitergereicht wird, im Mittelpunkt einer Begegnung. La Vie setzt seine Figuren in eine weit kompliziertere und umstrittene Beziehung. Das Museum in Cleveland beschreibt Deutungen, die von einer Szene aus dem Leben der Arbeiterklasse bis zu einer Betrachtung des Lebenskreislaufs reichen.^[7] Forschungen des Museu Picasso Barcelona verfolgen Studien und ein früheres Werk unter dem Gemälde La Vie. Sie zeigen, dass sich die Bedeutung des Bildes durch Überarbeitungen entwickelte, statt von Anfang an fertig vorzuliegen.^[14]

Die Tragödie verengt den Schauplatz wieder auf ein Ufer und drei Figuren. Ihre Haltungen deuten auf Bedrängnis, doch die National Gallery of Art nennt kein einzelnes Ereignis als Erklärung. Technische Bildgebung hat zudem frühere Kompositionen und Zeichnungen unter dem Bild von 1903 gefunden.^[8][15] Das Gemälde verdient eine eigenständige Betrachtung und sollte nicht bloß als weitere blaue Illustration von Picassos Trauer gelten.

Um die Jahreswende 1903–1904 zeigt Der alte Gitarrist einen einsamen Spieler, der fast in die Form seines Instruments gekrümmt ist. La Célestine vom März 1904 stellt den Betrachter einer namentlich bekannten Frau aus Barcelona gegenüber, deren Identität zugleich durch eine literarische Verbindung verändert wird.^[9][12] Im Frühjahr 1904 zeigt Die Büglerin eine Arbeiterin, deren Körper die Anstrengung ihrer Tätigkeit erkennen lässt. Zusammen belegen diese Werke, wie viele verschiedene menschliche Lebenslagen Picasso mit einer eingeschränkten Farbpalette darstellte.^[11]

Zeichnung, Pastell, Skulptur und Druckgrafik

Der Name „Blaue Periode“ kann an eine Reihe von Gemälden in Museen denken lassen, doch Picasso arbeitete während dieser Jahre auch in anderen Formen. Das Musée d'Orsay zählt Zeichnung, Skulptur und Druckgrafik ausdrücklich zu den Experimenten dieser Periode.^[1] Mit Tusche und Bleistift ließen sich die Haltung eines Körpers oder die Beziehung zwischen zwei Figuren erproben, bevor ein großes Gemälde seine endgültige Form erhielt. Das Museu Picasso Barcelona bewahrt Studien zu La Vie und Werke wie das in Pastell und Kohle ausgeführte Desemparats.^[10][14]

Der Wechsel zwischen den Medien war wichtig, weil sich dieselbe Frage in unterschiedlichem Tempo und Maßstab erproben ließ. Ein Blatt konnte eine Hand oder Haltung isolieren; ein Gemälde konnte der Geste einen Raum und eine Farbpalette geben. Die Skulptur verlangte, eine Figur als Volumen und nicht nur als Umriss auf einer Fläche zu denken. Das Musée Picasso Paris verzeichnet Picassos erste Tonskulptur im Jahr 1902, nahe den prägenden Jahren seiner blauen Gemälde.^[2]

Auch die Druckgrafik gehörte zu dieser Welt. 1904 radierte Picasso Das karge Mahl, das ein Paar an einem dürftig gedeckten Tisch zeigt. Das Museu Picasso Barcelona berichtet, dass er eine bereits von Joan González bearbeitete Zinkplatte verwendete und von seinem Freund Ricard Canals Aspekte der Radierung erlernte. Das Metropolitan Museum of Art unterscheidet die Entstehung der Radierung 1904 von der größeren Auflage, die Ambroise Vollard 1913 herausgab.^[16][17] So bleibt das Motiv der Blauen Periode in seiner Entstehungszeit verankert, während zugleich die spätere Geschichte seiner Abzüge sichtbar wird.

Diese Beispiele machen die Periode zu mehr als einer Farbkategorie. Picasso untersuchte Formen, wechselte den Maßstab, verwendete Materialien erneut und suchte nach Wegen, wie grafische Linie, Malerei und plastisches Volumen verwandte Anliegen ausdrücken konnten.^[1][5]

Was naturwissenschaftliche Untersuchungen zeigen

Neuere konservatorische Forschung hat bekannten Bildern der Blauen Periode eine materielle Geschichte hinzugefügt. Die Art Gallery of Ontario und die Phillips Collection untersuchten Das blaue Zimmer, die Kauernde Bettlerin und Die Suppe gemeinsam. Mit bildgebenden Verfahren und historischer Recherche wollten sie verstehen, was unter den sichtbaren Oberflächen liegt.^[5] Das Projecte blau des Museu Picasso Barcelona untersuchte vier Gemälde aus den Jahren 1901–1904 und fand unter jedem eine frühere Komposition; die verborgenen Bilder stehen nicht immer mit dem sichtbaren Motiv in Zusammenhang.^[18]

Diese Befunde sprechen gegen die einfache Vorstellung, Picasso habe jedes blaue Bild in einem einzigen spontanen Akt geschaffen. Bei La Vie dokumentieren Röntgenaufnahmen und zugehörige Zeichnungen weitreichende Überarbeitungen eines früheren Gemäldes, Letzte Augenblicke.^[14][19] Unter dem Gemälde Die Tragödie zeigt eine Infrarotuntersuchung ein Pferd, Karikaturen und Zeichnungen, die mit den endgültigen Figuren verbunden sind.^[15] Das Guggenheim fand bei der Untersuchung des Gemäldes Die Büglerin ein Männerporträt unter der Wäscherin.^[11]

Die Technik hat aber auch Grenzen. Infrarot- und Röntgenbilder machen bestimmte Materialien oder Strukturen sichtbar, nicht die persönlichen Beweggründe eines Künstlers. Eine Falschfarbenrekonstruktion ist kein Foto davon, wie ein verlorenes Gemälde einst aussah. Das Guggenheim weist ausdrücklich darauf hin, dass seine Bilder des Porträts unter dem Gemälde Die Büglerin die ursprüngliche Farbpalette des früheren Bildes nicht belegen.^[11] Materielle Befunde können kunsthistorische Deutungen verändern, ohne jede verborgene Schicht in eine geheime Botschaft zu verwandeln.

Ebenso unzulässig wäre es, ein einzelnes Pigment für die ganze Periode anzunehmen. Die Art Gallery of Ontario hat Preußischblau in bestimmten Konturen der Kauernden Bettlerin nachgewiesen.^[13] Das ist ein Befund zu diesem Werk und den untersuchten Bereichen, kein Beweis dafür, dass jedes von Picasso zwischen 1901 und 1904 verwendete Blau aus demselben Material bestand. Die Farbpalette muss für jedes Objekt einzeln untersucht werden.

Künstlerische Anregungen und der Übergang zur Rosa Periode

Picassos Blaue Periode entstand durch Sehen ebenso wie durch Erleben. Das Musée d'Orsay zeichnet seine Begegnung mit Van Gogh, Degas und Toulouse-Lautrec nach, neben den katalanischen Modernisten und der langen spanischen Tradition. Die Fondation Beyeler bezieht außerdem Symbolismus und El Greco in die Betrachtung der blauen Bilder ein.^[1][3] Diese Namen sollten nicht mechanisch jedem Gemälde zugeordnet werden. Sie helfen zu erklären, warum langgezogene Körper, flächige Farbbereiche, ausdrucksstarke Konturen und zurückhaltende Schauplätze dem jungen Künstler als Gestaltungsmöglichkeiten offenstanden.

El Greco bietet einen besonders nützlichen formalen Vergleich. Bei Desemparats verweist das Museum in Barcelona auf die vergrößerte Hand und eine neuartige, kraftvolle Behandlung des Körpers.^[10] Diese Beziehung ist genauer als die Aussage, Picasso habe El Greco einfach „kopiert“. Er konnte eine Ausdrucksmöglichkeit eines älteren Malers aufgreifen und für ein anderes, modernes Sujet verwenden.

Ende 1904 und Anfang 1905 veränderten sich die vorherrschenden Motive und Farben. Zirkusleute, Harlekine und Akrobaten traten häufiger auf, während Rosa, Ocker und wärmere Grautöne die Farbpalette erweiterten. Das Musée d'Orsay betont, dass dies ein allmählicher Übergang war und ernste, mitunter melancholische Figuren in der sogenannten Rosa Periode weiter vorkamen.^[1] Es wäre daher falsch, den Wandel als heiteres Ende einer medizinisch definierten Phase der Traurigkeit zu beschreiben.

Die Kontinuität ist ebenso interessant wie der Gegensatz. Picasso beschäftigte sich weiterhin mit Menschen, die zusammenleben und doch voneinander getrennt bleiben, mit gespielten Identitäten und mit Körpern, die zu sprechenden Formen vereinfacht werden. Geändert hat sich das Verhältnis von Motiven, Farbpalette und Bildsprache. Die Blaue Periode war kein abgeschlossener Auftakt zum Kubismus, sondern eine bedeutende Leistung, in der Picasso erprobte, wie viel eine Farbe, eine Geste und eine veränderte Form vom Betrachter verlangen können.

Fragen zu Picassos Blauer Periode

Quellen

1. Musée d'Orsay, „Picasso. Bleu et rose“, ausführliche französische Ausstellungspräsentation, 2018–2019. Quelle ansehen.
2. Musée national Picasso-Paris, „Frise chronologique“ und „Les périodes bleue et rose“. Chronologie ansehen; Darstellung der Perioden ansehen.
3. Fondation Beyeler, Der junge Picasso – Blaue und Rosa Periode, deutsches Ausstellungsheft, 2019. Quelle ansehen.
4. Musée d'Orsay, „Picasso. Blue and Rose“, englische Ausstellungspräsentation, 2018–2019. Quelle ansehen.
5. Art Gallery of Ontario, „Picasso: Painting the Blue Period“, Ausstellungsforschung mit der Phillips Collection, 2021–2022. Quelle ansehen.
6. Museu Picasso Barcelona, „Picasso. Proyecto Azul“, spanische Ausstellungsforschung, 2022. Quelle ansehen.
7. Cleveland Museum of Art, „La Vie“, Objekteintrag zum Werk von 1903 mit Interpretation. Quelle ansehen.
8. National Gallery of Art, „The Tragedy“, Objekteintrag zum Werk von 1903. Quelle ansehen.
9. Art Institute of Chicago, „The Old Guitarist“, Lehrmaterial zum Sammlungswerk. Quelle ansehen.
10. Museu Picasso Barcelona, „Desemparats“, katalanischer Objekteintrag zum Werk von 1903. Quelle ansehen.
11. Solomon R. Guggenheim Museum, „Picasso's Woman Ironing“, konservatorische Untersuchung. Quelle ansehen.
12. Musée national Picasso-Paris, „La Célestine (La femme à la taie)“, Objekteintrag. Quelle ansehen.
13. Art Gallery of Ontario, „True blue“, Beitrag zur Pigmentanalyse von Crouching Beggarwoman. Quelle ansehen.
14. Museu Picasso Barcelona, „Viaje a través del azul: La Vida“, spanische Ausstellungsstudie. Quelle ansehen.
15. John K. Delaney und Kollegen, „Visible and infrared imaging spectroscopy of paintings and improved reflectography“, Heritage Science 4, Artikel 6 (2016), Abschnitt zu The Tragedy. Quelle ansehen.
16. Museu Picasso Barcelona, „L'àpat frugal“, katalanischer Objekteintrag zum Werk von 1904. Quelle ansehen.
17. The Metropolitan Museum of Art, „The Frugal Repast“, Objekteintrag mit Unterscheidung zwischen der Radierung von 1904 und der Auflage von 1913. Quelle ansehen.
18. Museu Picasso Barcelona, „Picasso. Projecte blau“, katalanische Darstellung des technischen Projekts und der Ausstellung. Quelle ansehen.
19. Cleveland Museum of Art, Marcia Steele, „A Life Before La Vie“, konservatorischer Beitrag, 2014. Quelle ansehen.

Bildnachweise

1. Ricard Canals i Llambí, 1904. Wikimedia Commons kennzeichnet das Foto als gemeinfrei; der Quelleneintrag nennt RMN-Grand Palais. Auf 1.024 px verkleinert, nicht beschnitten. Quelleneintrag. Lizenz.
2. Kurt Kaiser. CC0. Quelle: Wikimedia Commons. Auf 1.024 px verkleinert, nicht beschnitten. Quelleneintrag. Lizenz.
3. Mark.thurman92. CC BY-SA 3.0. Proportional auf 1.024 Pixel Breite verkleinert, ohne Beschnitt. Quelldatensatz. Lizenz.
4. Domenico Theotokópoulos, called El Greco. CC0. Proportional auf 1.024 Pixel Breite verkleinert, ohne Beschnitt. Quelldatensatz. Lizenz.