Die Tragödie

Einleitung

Drei barfüßige Gestalten stehen am Rand eines stillen Meeres. Frau und Mann sind einander zugewandt, schauen jedoch nach unten; das Kind zwischen ihnen wendet sich zur Frau. Nichts in der Landschaft verrät, was geschehen ist. Picasso zeigt den Betrachtenden die Folgen, oder vielleicht lediglich den Zustand, eines Leidens, ohne ein erklärendes Ereignis zu liefern. Diese Weigerung, eine bestimmte Katastrophe zu benennen, gehört zur Kraft des Gemäldes Die Tragödie, 1903 in seiner Blauen Periode gemalt.^[1][2]

Das Gemälde ist zugleich ein materielles Zeugnis von Arbeit, die auf einer gewöhnlichen Reproduktion nicht sichtbar ist. Auf seinem Holzträger liegen andere Zeichnungen und gemalte Kompositionen unter den drei Figuren. Wissenschaftliche Bildgebung hat einige dieser früheren Spuren lesbar gemacht und dem Bild eine zweite Geschichte hinzugefügt: die sichtbare Darstellung menschlicher Trennung und die weniger sichtbare Geschichte eines Künstlers, der denselben Träger wiederholt bearbeitete.^[1][3]

Auf einen Blick

• Künstler: Pablo Picasso
• Datum: 1903, vom Künstler auf dem Bild datiert
• Technik: Öl auf Holz
• Maße: 105,3 × 69 cm
• Sammlung: National Gallery of Art, Washington, Chester Dale Collection
• Inventarnummer: 1963.10.196
• Früher Ausstellungstitel: Die Armen am Meer in Köln 1912 und München 1913
• Wichtiger materieller Befund: Frühere Gemälde und Zeichnungen liegen unter den sichtbaren Figuren
• Grenze der Deutung: Weder ein bekanntes Ereignis noch gesicherte Identitäten erklären die drei Figuren eindeutig^[1][2][3]

Die Datierung des hervorgehobenen Werks berücksichtigt die Erläuterungen in den Quellen auf dieser Seite. Die anderen Werke sind ausgewählte Vergleichspunkte, nicht Anfang oder Ende eines Stils.

Inhalt

1. Was die drei Figuren zeigen
2. Ein Titel, der die Geschichte offenlässt
3. Picasso und die Blaue Periode 1903
4. Wie Farbe und Komposition Distanz erzeugen
5. Gemälde und Zeichnungen unter der Oberfläche
6. Frühe Rezeption und spätere Sammlungsgeschichte
7. Bezüge zu anderen Bildern der Blauen Periode
8. Fragen zum Gemälde Die Tragödie

Was die drei Figuren zeigen

Die Umgebung ist fast leer: ein Streifen Ufer, niedrige Wellen und eine große Fläche blauen Himmels. Vor diesem kargen Hintergrund füllen die drei Menschen den größten Teil der schmalen, hochformatigen Holztafel. Sie stehen nah genug, um einander zu berühren, doch jeder scheint in eigene Gedanken versunken. Aus ihrer Nähe wird keine Umarmung.^[1]

Die Frau steht links, den Rücken weitgehend zu uns gewandt. Ihr Kopf neigt sich ins Profil; ein dunkles Tuch umschließt ihren Körper. Rechts verschränkt der Mann die Arme eng, seine Hände verschwinden nahe den Ellenbogen. Die National Gallery of Art beschreibt ihn als alt; Bart und verschattetes Auge verstärken diesen Eindruck. Das kleinere, näher bei den Betrachtenden stehende Kind wendet sich zur Frau und hebt eine Hand, während die andere nahe am Bein des Mannes bleibt.^[1]

Die Blicke lassen die Beziehungen offen. Das Kind scheint die Frau zu suchen, doch sie erwidert diesen Blick nicht. Die Erwachsenen stehen einander gegenüber, ohne sich direkt anzusehen.^[1] Ihre Füße teilen denselben Boden, während die Gesten ihre Körper nach innen ziehen. Picasso macht einen emotionalen Zustand durch diese kleinen verfehlten Kontakte sichtbar, ohne zu zeigen, dass jemand das Kind zurückweist, oder genau zu erzählen, was jeder denkt.

Auch das Meer ist zurückhaltend. Weder Schiffsunglück noch Sturm noch eine andere Katastrophe sind sichtbar. Seine sanfte Bewegung steht im Gegensatz zur Spannung der Gruppe.^[1] Ein Ufer ist eine Grenze festen Bodens; ohne weitere Belege wäre es aber zu bestimmt, das Wasser zum Symbol für Tod, Aufbruch oder Exil zu erklären. Das Bild lässt solche Assoziationen zu, ohne eine davon vorzuschreiben.

Diese Unterscheidung ist wichtig, weil Die Tragödie leicht mit einer allzu genauen Geschichte überfrachtet wird. Die Figuren könnten als Familie gelesen werden; ihre nackten Füße und abgetragenen Kleider können Armut nahelegen. Keine dieser Lesarten identifiziert bestimmte Menschen. Das pädagogische Material der National Gallery betont, dass es keine konkrete Geschichte gibt, die das Bild erklärt.^[2] Sein Drama liegt weniger darin, herauszufinden, was geschah, als darin zu sehen, wie wenig Trost die Figuren einander derzeit geben können.

Ein Titel, der die Geschichte offenlässt

Der heute geläufige englische Titel kündigt eine Tragödie an, ohne sie zu benennen. Ein früher deutscher Titel war gesellschaftlich konkreter. In den Katalogen der Sonderbund-Ausstellung 1912 in Köln und der Picasso-Ausstellung 1913 in München stand Die Armen am Meer.^[1] Die Formulierung lenkt den Blick auf materielle Not. Sie darf jedoch weder als Inschrift Picassos noch als Beweis für identifizierbare Modelle verstanden werden.

Die unterschiedlichen Titel verändern die Fragen, die Betrachtende stellen. Die Tragödie lädt zur Suche nach einem Ereignis ein. Die Armen am Meer deutet einen dauerhaften sozialen Zustand an. Beide passen zu Aspekten des Bildes, doch keiner macht aus den drei Gestalten eine vollständig erklärte Erzählung. Das Datum 1903, das Picasso nahe der oberen rechten Ecke anbrachte, ist sicherer als jede Geschichte darüber, was ihnen widerfuhr.^[1]

Das Schweigen des Werks ist also kein Mangel, der behoben werden müsste. Picasso entfernt die Hinweise eines konventionellen Erzählbildes: keine erkennbare Stadt, kein Gegenstand einer toten oder abwesenden Person, kein dargestellter Moment der Rettung.^[1][2] Haltung, Abstand und Farbe tragen die emotionale Last. Das Ergebnis ist offen, aber nicht unbestimmt. Man kann genau beschreiben, wo die Figuren stehen und wie sie aufeinander reagieren – oder nicht reagieren –, während der Anlass ungeklärt bleibt.

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Picasso und die Blaue Periode 1903

Picasso malte Die Tragödie in einer Zeit, als er zwischen Spanien und Frankreich arbeitete und sich von den helleren Stadtthemen seiner ersten Paris-Besuche entfernt hatte. Das Musée national Picasso-Paris setzt den Beginn seiner Blauen Periode 1901 nach dem Tod seines Freundes Carles Casagemas an. Die Chronologie verzeichnet Picasso 1903 wieder in Barcelona, im Entstehungsjahr von La Vie, einem weiteren bedeutenden blauen Gemälde.^[4] Das Museu Picasso Barcelona beschreibt seine dortigen Ateliers und Werke ausführlicher.^[5]

Casagemas’ Tod gehört wesentlich zu dieser Geschichte, ist aber kein Schlüssel zu jedem späteren Bild. Die Figuren im Gemälde Die Tragödie sind weder dokumentierte Porträts von Casagemas noch Darstellungen einer bekannten trauernden Familie. Auch das Blau ist keine direkte Niederschrift privater Gefühle Picassos. Die Blaue Periode vereinte Themenwahl, begrenzte Palette, gestreckte Formen und Interesse an Menschen am Rand der Gesellschaft. Diese künstlerischen Entscheidungen verdienen neben der Biografie Beachtung.^[2][4]

Der Barcelona-Kontext von 1903 ist besonders nützlich, weil er verhindert, dass das Bild zu einem isolierten Sinnbild der Traurigkeit wird. Picasso entwickelte damals auch die komplexe allegorische Struktur von La Vie. Das Museu Picasso Barcelona verweist auf dessen lange Entstehung, Überarbeitungen und übermaltes früheres Bild sowie auf enge Beziehungen zu Zeichnungen und anderen Werken der Zeit.^[6] Die Tragödie ist keine vereinfachte Fassung von La Vie: Das eine Bild stellt drei Gestalten an ein offenes Ufer, das andere baut eine vielschichtigere Begegnung in einem innenraumartigen Bereich auf. Beide zeigen jedoch, wie Picasso danach fragte, wie Körper eine emotionale oder existenzielle Frage ausdrücken können, die ein Titel nicht vollständig beantwortet.

Die Bezeichnung „Blaue Periode“ kann eine vielfältige Werkgruppe einheitlich erscheinen lassen. In diesem Gemälde ebnet Blau nicht alles zu einem Ton ein. Meer, Himmel, Kleidung und Haut unterscheiden sich in Wärme und Intensität. Ein rötlicher Schimmer im Tuch des Kindes unterbricht das vorherrschende Blau. Die begrenzte Palette schafft eine gemeinsame Stimmung, aber ihre Unterschiede halten die Personen und ihre Umgebung auseinander.^[1]

Wie Farbe und Komposition Distanz erzeugen

Das Hochformat der Holztafel drängt die Gruppe zusammen. Mann und Frau stehen nahe am Rand, das Kind füllt den Raum zwischen ihnen.^[1] Dennoch lässt Picasso in der Mitte eine erkennbare Lücke, wo eine Umarmung oder verbundene Hände sein könnten. Die kleine Geste des Kindes lenkt den Blick auf diesen Abstand. Die Komposition zeigt keine räumlich verstreuten Menschen, sondern das gleichzeitige Bestehen von Nähe und emotionaler Distanz.

Die Körper der Erwachsenen antworten einander, ohne Spiegelbilder zu sein. Beide neigen sich zur Mitte und zum Boden. Das Tuch der Frau bildet eine breite, geschlossene Form; die verschränkten Arme des Mannes machen seinen Oberkörper kantiger. Das Kind ist offener durch den Zwischenraum gewandt. Der bildliche Rhythmus führt von einer nach innen gerichteten Haltung über einen kleinen Appell nach außen wieder zu einer in sich gekehrten Haltung.^[1]

Picasso nutzt auch das Ufer, damit die Szene kein gewöhnliches Porträt wird. Weder Besitzstücke noch Schuhe oder Bauteile belegen Haushalt oder Beruf. Die Füße berühren unmittelbar den Sand. Dahinter sind Wasser und Himmel so einfach gegliedert, dass die Gestalten schutzlos wirken.^[1] Ihr Unbehagen wird nicht durch Wetter, Arbeit oder einen sichtbaren Unfall erklärt; es liegt in der Anordnung ihrer Körper.

Die Kraft des Bildes verlangt weder, die Gruppe schön zu nennen, noch ihr Leiden zur moralischen Lehre zu machen. Es genügt zu sehen, wie genau Würde und Verletzlichkeit ausbalanciert sind. In der verhältnismäßig kleinen Tafel haben die Menschen kräftige, monumentale Formen, während ihre Gesten zögerlich bleiben. Das Lehrmaterial der National Gallery verbindet diesen Ernst mit einer Tradition spanischer Malerei, die Not darstellen kann, ohne Figuren ihrer Würde zu berauben.^[2] Das ist ein Vergleich der bildlichen Behandlung, kein Beleg für eine bestimmte Vorlage, die Picasso kopiert hätte.

Gemälde und Zeichnungen unter der Oberfläche

Auf den ersten Blick zeigt Die Tragödie ein feststehendes Bild, doch die Holztafel hat eine längere materielle Geschichte. Technische Untersuchungen der National Gallery of Art identifizierten mehrere Kompositionen unter der sichtbaren Szene. In einem Forschungsartikel von 2016 nutzten John K. Delaney und Kollegen kurzwellige Infrarot-Bildspektroskopie, um Spuren in unterschiedlichen Tiefen und Wellenlängen zu unterscheiden. Keine einzige Infrarotansicht zeigte die gesamte Geschichte gleich gut, stellten sie fest.^[3]

In einem Wellenlängenbereich trat die ausführliche Zeichnung für die endgültigen Figuren besonders deutlich hervor. In einem anderen wurde ein Pferd unter der sichtbaren Komposition besser erkennbar, von den Forschenden als sterbendes Pferd beschrieben, das an frühere Stierkampfszenen Picassos erinnert. Bei längeren Wellenlängen erschienen zahlreiche unmittelbar aufs Holz gezeichnete Karikaturen. Auch die Holzmaserung war zu sehen – ein Hinweis darauf, dass die Tafel keine vorbereitende Grundierung hatte.^[3]

Diese Befunde sind genauer als die vage Behauptung, „ein anderes Bild“ liege unter dem Gemälde. Sie zeigen unterschiedliche Stadien und Arten von Spuren: Zeichnungen auf dem Träger, ein gemaltes Pferd und Linien zur Anlage der endgültigen Figuren. Die Studie spricht von mehreren darunterliegenden Kompositionen, doch die erhaltenen Bilder bieten keinen vollständigen, datierten Katalog jedes früheren Zustands. Aus den technischen Belegen allein eine sichere Reihenfolge vollendeter Gemälde abzuleiten, wäre irreführend.^[3]

Das verborgene Pferd fällt besonders auf, weil es einer anderen emotionalen und bildlichen Welt angehört als das heute sichtbare stille Ufer. Die Forschenden beziehen es auf Picassos frühere Stierkampfbilder; sie behaupten weder, eine ganze Arena sei sichtbar, noch, das Pferd enthalte die verborgene Bedeutung der endgültigen Szene.^[3] Ein Gemälde kann Spuren früherer Arbeit bewahren, ohne dass diese Arbeit zur geheimen Botschaft wird.

Warum überarbeitete Picasso dasselbe Holz? Sparsamkeit ist angesichts seiner schwierigen frühen Jahre möglich, doch Bildgebung kann ein Motiv nicht belegen. Die Wiederverwendung könnte auf Kosten, Unzufriedenheit, Experimentierfreude, Bequemlichkeit oder eine Kombination zurückgehen. Die sichtbaren Figuren sollten nicht allein wegen der Wiederverwendung der Tafel als Illustration von Armut gelten. Sicher ist, dass Picasso eine bereits mit anderen Bildern versehene Fläche in das heute als Die Tragödie bekannte Gemälde verwandelte.^[3]

Die technische Untersuchung verändert auch den Blick auf die Blaue Periode. Ihr karger Anschein muss nicht aus einem mühelosen, einmaligen Akt der Melancholie hervorgegangen sein. Unter der zurückhaltenden Endfassung liegt ein Zeugnis von Versuchen, Änderungen und erneutem Zeichnen.^[3] Das stille Bild entstand durch alles andere als einfache materielle Entscheidungen.

Frühe Rezeption und spätere Sammlungsgeschichte

Die Tragödie war in wichtigen deutschen Ausstellungen zu sehen, bevor das Bild in die heutige amerikanische Sammlung gelangte. Die National Gallery verzeichnet Auftritte in Köln 1912 und München 1913, jeweils unter dem Titel Die Armen am Meer.^[1] Eine erhaltene Notiz des tschechischen Sammlers und Gelehrten Vincenc Kramář zur Münchner Picasso-Ausstellung 1913 hebt den voll entwickelten blauen Stil, knochige Formen, plastische Präsenz und ungewöhnlich weiches Licht hervor. Das Metropolitan Museum of Art bewahrt die tschechische Transkription zusammen mit einer englischen Übersetzung.^[7] Seine Reaktion ist nicht deshalb wertvoll, weil sie die Bedeutung des Werks festlegt, sondern weil sie zeigt, wie ein nahezu zeitgenössischer Betrachter die Form wahrnahm, statt eine genaue Geschichte für die Figuren zu erfinden.

Auch die Eigentumsgeschichte verlangt Vorsicht. Die National Gallery führt Alfred Flechtheim aus Düsseldorf als möglichen frühen Besitzer auf, nicht als bestätigten. Professor Kreis lieh das Bild 1913 für die Münchner Ausstellung. Paul Schüler aus Bochum besaß es spätestens 1927. Paul Rosenbergs Firma verkaufte es am 15. Mai 1930 an den amerikanischen Sammler Chester Dale; dessen Vermächtnis brachte es 1963 in die National Gallery.^[1]

Das Museum verzeichnet außerdem eine wichtige Korrektur aus dem Archiv. Rosenbergs Rechnung nannte den vorherigen Besitzer fälschlich „Schubert“; spätere Angaben identifizieren Paul Schüler. Die Abweichung erinnert daran, dass Provenienz aus Dokumenten entsteht, die Fehler enthalten oder einander widersprechen können. Eine glatte, vorbehaltlose Besitzerkette würde gerade die Belege verbergen, die die Darstellung verlässlich machen.^[1]

Der Weg des Gemäldes – von frühen Ausstellungen in Deutschland über den Kunsthandel zu Dales Sammlung und schließlich in ein öffentliches Museum – gehört zu seiner Geschichte.^[1] Er darf nicht mit der dargestellten Szene verwechselt werden. Weder ein dokumentierter Besitzer noch ein Ausstellungstitel sagt, was die drei Figuren 1903 erlitten haben sollen.

Bezüge zu anderen Bildern der Blauen Periode

Die Tragödie gehört zu einem Geflecht von Werken, nicht zu einer einzigen Formel. In La Vie, ebenfalls 1903 entstanden und heute im Cleveland Museum of Art, steht ein Paar einer Frau mit Säugling gegenüber. Das Museum in Cleveland verzeichnet mehrere Deutungen dieser Begegnung und stellt das Bild als bewusst vielschichtig dar.^[8] Das Museu Picasso Barcelona hat seine Vorzeichnungen und das darunterliegende frühere Gemälde untersucht.^[6] Die Quellen ermöglichen einen nützlichen Vergleich: In beiden Bildern sind Beziehungen zwischen den Figuren zentral, aber nicht vollständig erklärt, und beide besitzen eine unter der Endfassung verborgene materielle Geschichte.

Ebenso wichtig sind die Unterschiede. La Vie schafft mit mehr Figuren und Bildern im Bild eine dichtere symbolische Situation.^[8] Die Tragödie reduziert Umgebung und Handlung, bis drei Haltungen nahezu alles tragen.^[1] Eine Deutung des Bildes in Cleveland sollte nicht unverändert auf das Gemälde in Washington übertragen werden. Picasso untersuchte verwandte Fragen menschlicher Verbindung durch unterschiedliche Kompositionen.

Der alte Gitarrist, um 1903–04 gemalt und im Art Institute of Chicago aufbewahrt, bietet einen weiteren Kontrast. Sein einzelner Musiker ist in sein Instrument vertieft; Die Tragödie stellt mehrere Menschen zusammen und verweigert doch den Trost, den ihre Gemeinsamkeit versprechen könnte.^[9] Dieselbe grobe Zeitspanne und begrenzte Farbigkeit machen die Bilder nicht austauschbar. Jedes fordert dazu auf, ein anderes Verhältnis zwischen Körper und Umwelt zu betrachten.

So gesehen ist Die Tragödie mehr als ein Kürzel für die Blaue Periode. Das ungewöhnliche Gleichgewicht von Nähe und Trennung, die frühe deutsche Rezeption und die geschichtete Holztafel geben dem Bild eine eigene Geschichte und emotionale Struktur.^[1][3][7] Das Gemälde sagt nicht, welche Tragödie sich ereignet hat. Es hält eine schwierigere Frage offen: Was geschieht, wenn Menschen zusammenstehen und einander dennoch nicht erreichen können?

Fragen zum Gemälde Die Tragödie

Quellen

1. National Gallery of Art, Objekteintrag zu Die Tragödie, Inventarnummer 1963.10.196, mit Beschreibung, Provenienz und Ausstellungsgeschichte. Quelle ansehen.
2. National Gallery of Art, The Inquiring Eye: Early Modernism, Lehrmaterial zu Picasso und Die Tragödie (PDF; Link entfernt).
3. John K. Delaney, Mathieu Thoury, Jason G. Zeibel, Paola Ricciardi, Kathryn M. Morales und Kathryn A. Dooley, „Bildspektroskopie im sichtbaren und infraroten Bereich und verbesserte Reflektografie“, Heritage Science 4, Artikel 6 (2016), Abschnitt zu Die Tragödie und Abbildungen 5–6. Quelle ansehen.
4. Musée national Picasso-Paris, Chronologie, Einträge 1901–1904. Quelle ansehen.
5. Museu Picasso Barcelona, „Origen i cronologia“, Einträge zu Picassos Barcelona-Jahren. Quelle ansehen.
6. Museu Picasso Barcelona, „Viatge a través del blau: La Vida“, Ausstellungsforschung zum Bild von 1903 und verwandten Werken. Quelle ansehen.
7. Metropolitan Museum of Art, Vincenc Kramářs Notizen zur Picasso-Ausstellung in der Galerie Thannhauser 1913, tschechische Transkription und englische Übersetzung, Seite 31 recto. Quelle ansehen.
8. Cleveland Museum of Art, Objekteintrag und Deutung von La Vie. Quelle ansehen.
9. Art Institute of Chicago, Lehrmaterial zu Der alte Gitarrist. Quelle ansehen.

Bildnachweis

1. AgnosticPreachersKid. CC BY-SA 3.0. Quelle: Wikimedia Commons. Auf 1.024 px verkleinert, nicht beschnitten. Quelldatensatz. Lizenz.