Mutter, Kind und Familie

Einführung

Eine Mutter mit einem Kind erscheint in Picassos Werk, bevor er selbst Vater wurde, und das Thema blieb ihm lange nach den frühen Bildern von Armut und umherziehenden Künstlern erhalten. Es gibt nicht das eine Werk Mutter und Kind von Picasso. Er kehrte in Pastellen, Zeichnungen, Gemälden und Drucken zu diesem Paar zurück; manchmal bleiben die Figuren namenlos, manchmal gehören sie zu seiner Familie. Der wechselnde Abstand zwischen ihren Körpern, das Alter des Kindes und ihre Anordnung im Bild sind wichtiger als die pauschale Behauptung, jedes Bild drücke dasselbe Gefühl aus.

Auch die Titel ähneln sich trügerisch. Ein Pastell von 1901, eine Saltimbanques-Komposition von 1905, ein monumentales Ölgemälde von 1921, mehrere Zeichnungen und Drucke von 1922 sowie eine spätere Familienradierung lassen sich alle als Mutter-Kind-Bilder beschreiben. Datum oder Technik eines Werks dürfen nicht einfach auf ein anderes übertragen werden. Die Beschäftigung mit einzelnen Arbeiten macht das Thema reicher: Picasso konnte Not und Fürsorge zeigen, eine überlieferte klassische Figurengruppe erkunden, ein Elternteil mit Kind zu Hause beobachten oder seinen Sohn durch ein Kostüm als unverwechselbaren Darsteller zeigen.

Auf einen Blick

• Zeitraum: Von frühen Werken bis zu Picassos späteren Familienbildern
• Medien: Pastell, Zeichnung, Malerei und Druckgrafik
• Werkidentität: Ähnliche Titel bezeichnen nicht dasselbe Mutter-Kind-Werk

Inhalt

1. Bevor Picasso Vater wurde: die Blaue Periode
2. Mutter und Kind 1905: mehrere verschiedene Werke
3. Mutter und Kind: die Rückkehr 1921–22
4. Mutterschaft in mehreren Medien
5. Paul auf einem Esel
6. Paul als Harlekin
7. Kinderporträt 1951: Was das Bild belegt
8. Was diese Familienbilder aussagen – und was nicht

Bevor Picasso Vater wurde: die Blaue Periode

Picassos Interesse an Frauen mit Kindern war nicht einfach eine Reaktion auf die Geburt seiner eigenen Kinder. Das Mother and Child on a Bench des Metropolitan Museum of Art^[1] ist ein Pastell auf Papier von 1901. Mutter und Kind gehören zur Welt seiner Bilder der Blauen Periode, in denen Menschen zusammensitzen, warten oder Schutz suchen. Die Bank bietet zwei Figuren einen Platz, doch ihre Nähe beseitigt die Härte ihrer Umgebung nicht. Dies ist kein Porträt von Picassos späterer Familie, sondern Teil einer früheren künstlerischen und sozialen Vorstellung. ^[1]

Ein weiteres frühes Mère et enfant in den National Galleries of Scotland^[6] zeigt, warum ein Titel allein ein Werk nicht identifiziert. Ein kleiner Unterschied bei Datum, Haltung oder Material kann eine andere Komposition mit eigener Geschichte bezeichnen. Frühe Mutterbilder laden auch zu religiösen Vergleichen ein, insbesondere mit Maria und dem Kind oder mit der trauernden Mutter einer Pietà. Solche Bildtraditionen sind bedenkenswert, beweisen aber nicht, dass jede Frau in einem Picasso-Bild Maria darstellt oder jedes Kind für Christus steht. Die konkrete Anordnung und der dokumentierte Kontext des Werks müssen die Deutung leiten. ^[6]

Im Winter 1904 untersuchte Picasso die verbundenen Figuren und die Hände, die sie zusammenführen. Die Schwarzstiftzeichnung Mutter und Kind und Handstudie der Harvard Art Museums^[1] behandelt Berührung als formales wie menschliches Problem: Die Mutter-Kind-Gruppe und eine gesonderte Untersuchung der Hände teilen sich ein Blatt. Die eigene Werkseite befasst sich ausführlich mit dieser Zeichnung. Hier bildet sie eine Brücke zwischen frühen Bildern der Verletzlichkeit und den zunehmend bewussten Figurengestaltungen von 1905–06. ^[1]

Mutter und Kind 1905: mehrere verschiedene Werke

1905 entstand nicht das eine maßgebliche Picasso-Werk Mutter und Kind. Bilder und Studien dieser Zeit stellen das Thema zwischen Artisten, Frauen und Kindern dar, während Picasso seinen Einsatz von Farbe, Umriss und Körperform veränderte. Ein unter dem einfachen Titel Mother and Child 1905 verbreitetes Bild zeigt eine sitzende Frau, die einen Säugling stillt, in feinen ockerfarbenen Linien. Die Reproduktion ist zu klein und unzureichend dokumentiert, um ursprüngliches Medium, Maße, Aufbewahrungsort oder Katalogidentität zu bestimmen. Die Szene lässt sich als stillende Mutter besprechen, aber nicht mit jedem Museumswerk ähnlichen Titels gleichsetzen.

Diese Unterscheidung ist wichtig. Das Stuttgarter Mutter und Kind (Gaukler), eine Gouache auf Leinwand von 1905, zeigt eine Mutter mit einem älteren Kind in der Welt der Saltimbanques. Es hat eine eigene Haltung und soziale Umgebung. Der Katalog The Saltimbanques der National Gallery of Art ordnet das Bild verwandten Zeichnungen und der größeren Artistenserie zu. Dieser Zusammenhang erklärt, weshalb eine Mutter mit Kind Teil einer längeren Untersuchung umherziehenden Lebens sein konnte und nicht bloß eine isolierte sentimentale Szene. ^{[7] [2]}

Ein anderer Vergleich findet sich im japanischen Pola Museum of Art. Sein Woman and Naked Child^[2] ist auf 1905–06 datiert und als Gouache auf Papier katalogisiert. Das Museum sieht in der Kleidung der Frau und im sich drehenden Kinderkörper einen Anklang an die Klassik und weist darauf hin, dass das Werk in Paris oder während Picassos Aufenthalt 1906 in Gósol entstanden sein könnte. Keiner der Orte ist für dieses Objekt gesichert. Die warmbraune Farbe und das Paar aus Erwachsenem und Kind deuten auf eine Untersuchung von Körperbalance und überlieferten Bildern hin, ganz anders als die Umgebung der Stuttgarter Artisten. Auch das Pola-Werk ist keine sichere Identifizierung der kleinen Darstellung einer stillenden Mutter. Alle drei müssen getrennt bleiben, selbst wenn ein Suchergebnis sie unter einem Titel zusammenzieht. ^[2]

Diese Unterschiede weisen auf einen größeren Wandel hin. 1901 konnte die Nähe zwischen Mutter und Kind städtischer Not gegenübergestellt werden. 1905–06 konnte Picasso dieselbe Beziehung mit Fragen von Kontur, Gewicht, klassischem Vorbild und Artistenleben verbinden. Keine der Perioden lässt sich auf Schlagworte wie „blaue Traurigkeit“ oder „rosa Glück“ reduzieren. Wie die Erwachsene das Kind stützt und was die Umgebung zeigt oder verbirgt, ergibt ein genaueres Bild als die Kurzformel einer Farbperiode.

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Mutter und Kind: die Rückkehr 1921–22

Picassos Sohn Paulo, der 1921 als Kind von Picasso und Olga Khokhlova geboren wurde, veränderte das unmittelbare familiäre Umfeld seiner Arbeit. Trotzdem wäre es zu einfach, jede Mutter mit Kind, die Picasso in den folgenden zwei Jahren malte, als wörtliches Porträt von Olga und Paulo zu verstehen. Er wiederholte und verwandelte das Motiv in großen klassizistischen Figuren, Zeichnungen und Drucken. Das Art Institute of Chicago^[3] nennt mindestens ein Dutzend Mutter-Kind-Bearbeitungen zwischen 1921 und 1923. Sein eigenes Mutter und Kind ist ein großes Ölgemälde auf Leinwand von 1921: Kräftige Körper und Draperien lassen die Gruppe beinahe architektonisch erscheinen, während die Bewegung des Kindes innerhalb dieser formalen Anlage eine gelebte Beziehung entstehen lässt. Eine Studie in Cleveland^[8] bezieht sich auf genau dieses Gemälde; sie ist keine austauschbare „Mutter und Kind“-Illustration. ^{[3] [8]}

1922 erscheint das Thema erneut in materiell unterschiedlichen Objekten. Ein Katalogeintrag von Christie’s zu Mère et enfant^[9] beschreibt ein großes, mit Dinard verbundenes Ölgemälde auf Leinwand. Ein Sammlungsheft des Musée Picasso-Paris^[10] enthält mehrere gesonderte Kohlezeichnungen zu Mère et enfant unter Studien klassischer Formen. Das Mother and Child (Olga and Paulo) in Barcelona^[3] ist eine Radierung auf Zink und kein Ölgemälde. Zusammen zeigen diese Einträge, wie Picasso eine Komposition auf unterschiedlichen Oberflächen und mit verschiedenen Verfahren bearbeitete. Sie beweisen nicht, dass irgendeine unbeschriftete Online-Reproduktion das Ölbild bei Christie’s, die Pariser Zeichnung oder den Druck in Barcelona zeigt. ^{[9] [10] [3]}

Ein häufig als Mother and Child (1922) verbreitetes Bild zeigt eine sitzende Frau mit einem nackten Säugling vor einer Anordnung rotbrauner Formen. Es wäre verlockend, es dem bekanntesten Katalogeintrag von 1922 zuzuordnen und dessen Maße zu übernehmen. Ohne genaue Übereinstimmung von Bild und Provenienz würde so jedoch aus einer Ähnlichkeit eine vermeintliche Tatsache. Sicher ist, dass die Mutterbilder der frühen 1920er Jahre nicht eine einzige Leinwand darstellen: Das Motiv wanderte zwischen monumentalem Gemälde, konzentrierter Studie und vervielfältigbarem Druck. Wie sich der Säugling an die sitzende Erwachsene schmiegt, mag sie verbinden; die unterschiedlichen Medien verhindern aber, sie als Ausgaben desselben Werks zu behandeln.

Mutterschaft in mehreren Medien

„Mutterschaft“ bezeichnet ein Thema, keinen festen Titel für ein authentifiziertes Picasso-Original. Das zeigt Barcelonas Olga und Paulo: Die Suppe (Mutterschaft)^[3]. Diese Radierung von 1923 zeigt eine erkennbare Mutter und ihr Kind bei einer alltäglichen Handlung. Die Suppe verankert Fürsorge im Tagesablauf, nicht nur in einer idealisierten Umarmung. Auch die gedruckte Linie ermöglicht eine andere Vertrautheit als Größe und Gewicht des Chicagoer Ölgemäldes. Der individuelle Objekteintrag des Museums datiert den Druck auf 1923; allgemeine Sammlungslisten ordnen ihn bisweilen 1922 zu, weshalb der Objekteintrag die bessere Grundlage ist. ^[3]

Eine kleine farbige Linienzeichnung, oft nur Mutterschaft genannt, illustriert ein weiteres Problem: Eine Reproduktion kann sich verbreiten, ohne Angaben zum ursprünglichen Entwurf, Drucker, zur Auflage oder zum Datum des einzelnen Abzugs. Ein vertrauter, Picasso-ähnlicher Mutter-Kind-Umriss genügt nicht, um ein Blatt als eigenhändig signierten Originaldruck zu Lebzeiten Picassos zu bezeichnen. Es gibt vom Künstler geschaffene Werke, posthume oder autorisierte Reproduktionen und spätere Arbeiten „nach Picasso“; ihre Geschichten unterscheiden sich. Die Beziehung zwischen Erwachsenem und Kind bleibt sichtbar, doch weder Auflage noch Identität der Figuren lassen sich aus einem winzigen Online-Vorschaubild bestätigen.

Das Thema verändert sich auch, wenn das Kind einen Namen erhält. In einer allgemeinen Mutter-Kind-Darstellung kann körperliche Nähe das ganze Bild tragen. In einem als Olga und Paulo identifizierten Bild haben die Figuren eine dokumentierte Familienbeziehung und eine soziale Geschichte jenseits des Blatts. Deshalb ist das Bild noch kein unmittelbarer Tagebucheintrag. Eine Radierung wird komponiert, überarbeitet und gedruckt; ihre formalen Entscheidungen verdienen ebenso viel Aufmerksamkeit wie ihre biografischen Bezüge. Picassos Familienwerke sind aus Beziehungen geschaffene Kunstwerke und keine neutralen Aufzeichnungen darüber.

Paul auf einem Esel

Picasso zeigte seinen Sohn schon im Jahr vor Paul als Harlekin in einer anderen Rolle. Die Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso^[5] identifiziert Paul auf einem Esel als ein am 15. April 1923 in Paris entstandenes Ölgemälde auf Leinwand von 100 mal 81 Zentimetern. Auch das Museo Picasso Málaga^[5] benennt Paulo als das dargestellte Kind. Das Gemälde gehört zur Sammlung der Stiftung; Ausstellungen im Museum machen es nicht zum Eigentum Málagas. ^[5]

Paulo sitzt aufrecht in weißer Kleidung auf einem grauen Esel. Zwischen ihnen liegt eine violette Satteldecke, während ein niedriger grüner Streifen in einen weiten hellblauen Himmel übergeht. Fell und Zaumzeug des Tiers sind genau beschrieben; Gesicht und helle Kleidung des Kindes wirken stiller und in sich geschlossen. Diese sichtbaren Entscheidungen lassen das Paar eher gestellt erscheinen als auf einem flüchtigen Ausritt eingefangen. Die Sammlungsangaben belegen weder die genauen Umstände der Sitzung noch Paulos Empfindungen. Es ist ein namentlich bestimmtes Familienporträt im Freien, das sich vom kostümierten Harlekin-Porträt von 1924 unterscheidet. Der Reproduktionsnachweis der Stiftung^[5] nennt Picassos Nachlass und den Fotografen gesondert; die Online-Anzeige erlaubt also keine erneute Veröffentlichung des Bildes an dieser Stelle. ^[5]

Paul als Harlekin

Ein besonders klares Beispiel dafür, wie ein Familienmitglied zum eigenständigen künstlerischen Thema wird, ist Paulo as Harlequin, auch Paul en Arlequin genannt. Das Musée national Picasso-Paris^[4] verwahrt das Ölgemälde auf Leinwand von 1924 mit der Inventarnummer MP83. Paulo, der Sohn von Picasso und Olga, sitzt in einem blau-gelb gerauteten Kostüm. Er ist nicht der anonyme erwachsene Harlekin mancher früherer Artistenbilder. Sein kleiner Körper, der dunkle Stuhl und der teilweise offene Hintergrund lassen die historische Verkleidung wie etwas erscheinen, das ein bestimmtes Kind bei einer bestimmten Sitzung trägt. ^[4]

Die unfertig wirkenden Stellen des Gemäldes sind wichtig. Kopf und Kostüm ziehen den Blick an, während Stuhl, Unterkörper und Umgebung weniger vollständig ausgearbeitet sind. Dadurch verschwindet Paulo nicht in einem zeitlosen Theatertyp. Das Bild hat zwei Tempi: die sorgfältige Darstellung eines anwesenden Kindes und den sichtbaren Vorgang, in dem Picasso das Bild aufbaut. Die zweisprachige Stiftungsbroschüre des Pariser Museums bestätigt Werkidentität, Maße und Sammlung. Name und Kostüm des Modells lassen sich daher sicher angeben, eine angebliche psychologische Botschaft seines Ausdrucks nicht. ^[11]

Der Harlekin gehörte lange vor Paulos Geburt zu Picassos Bildvokabular. Die Rolle seinem Sohn zu übertragen, verbindet eine etablierte Bühnenfigur mit einem Familienporträt. Das Ergebnis ist weder dokumentarische Momentaufnahme noch allgemeine Allegorie der Kindheit. Es fordert Betrachter auf, ein Kind im Zusammenspiel von Haltung, Kostüm und malerischer Ausführung zu sehen. So bildet es ein Gegenstück zu den Mutter-Kind-Gruppen: Die Familienidentität ist hier gesichert, doch das Bild bleibt künstlerisch gestaltet.

Kinderporträt 1951: Was das Bild belegt

Picasso stellte weiterhin Kinder dar, während seine Familie wuchs. Die Ausstellung des Musée Picasso-Paris über Maya verfolgt die Tochter, die er mit Marie-Thérèse Walter hatte; unsere Seite zu Maya mit Puppe bespricht ein sicher identifiziertes Werk. Ihre Bilder stehen neben den unterschiedlichen Geschichten von Paulo, Claude und Paloma. Die späteren Kinder waren keine austauschbare Gruppe kleiner Modelle. Daten, Familienverhältnisse und einzelne Objekteinträge sind wichtig, wenn ein Gesicht identifiziert werden soll. ^[4]

Ein monochromes Profilbild eines Kindes, das als Portrait of Child (1951) verbreitet wird, trägt im oberen Bereich das Datum 15. Januar 1951 und in der Reproduktion einen kleinen späteren Sammlungsvermerk. Diese sichtbaren Zeichen identifizieren für sich genommen weder das Kind noch das ursprüngliche Medium oder den kursierenden Abzug als Originalarbeit von Picassos Hand. Ebenso wenig darf das Bild allein deshalb Gemälde heißen, weil es auf einer Kunstwebsite erscheint. Es zeigt, wie ein Datum deutlicher sein kann als der übrige Werkdatensatz: Gesicht und Schriftzug sind sichtbar, doch ein gesicherter Katalogeintrag zum zugrunde liegenden Werk fehlt noch.

Es darf nicht mit Claude Writing verwechselt werden, das der Kinderführer des Pariser Museums auf den 11. Januar 1951 datiert. Vier Tage Abstand ergeben nicht dasselbe Objekt; ein namentlich genanntes Kind in einem Museumseintrag bestimmt nicht den Dargestellten in einer anderen Reproduktion. Diese Zurückhaltung lässt das Porträt ein eindringliches Beispiel für Picassos Aufmerksamkeit für ein Kind bleiben, ohne ihm eine erfundene Biografie aufzubürden. ^[12]

Was diese Familienbilder aussagen – und was nicht

Picassos Mutter-Kind-Bilder erstrecken sich über mehr als fünfzig Jahre. Die Werke von 1901, die Handstudie von 1904, die Artisten- und klassizistischen Kompositionen von 1905–06, die dichte Werkgruppe von 1921–23, Paulos Kostümporträt von 1924 und spätere Kinderbilder bilden keine gerade Linie von Traurigkeit zu häuslichem Glück. Sie zeigen einen Künstler, der erprobt, wie menschliche Beziehungen sichtbar werden: durch gemeinsamen Raum, sich berührende Hände, das Gewicht eines Säuglings, eine Mahlzeit, eine Haltung oder ein Kostüm.

Die überzeugendsten Deutungen beginnen mit einem bestimmten Werk. Wer ist tatsächlich identifiziert? Handelt es sich um Pastell, Gemälde, Zeichnung, Radierung oder spätere Reproduktion? Was verrät sein Datum und was bleibt ungewiss? Diese Fragen bewahren die Menschen in den Bildern davor, zu Symbolen zu werden, bevor man sie angesehen hat. Sie ermöglichen außerdem, Picassos Familienbilder zugleich als persönlich und gemacht zu begreifen: aus gelebten Beziehungen hervorgegangen, durch künstlerische Entscheidungen geformt und niemals vollständig mit „Mutter und Kind“ beschrieben.

Quellen

1. Metropolitan Museum of Art, Mutter und Kind auf einer Bank ; Harvard Art Museums, Ausstellungseintrag zur Studie von 1904
2. Pola Museum, Frau und nacktes Kind ; National Gallery of Art, Katalog The Saltimbanques (englische PDF-Datei; Link entfernt)
3. Art Institute of Chicago, Mutter und Kind ; Museu Picasso Barcelona, Mutter und Kind (Olga und Paulo) ; Die Suppe (Mutterschaft)
4. Musée Picasso-Paris, Paul als Harlekin ; Musée Picasso-Paris, Forschung zur Maya-Ausstellung (englische PDF-Datei; Link entfernt)
5. Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso, Paul auf einem Esel ; Museo Picasso Málaga, Familienporträts als Leihgaben der FABA ; Musée national Picasso-Paris, Ausstellungsdossier Olga Picasso, S. 59 (englische PDF-Datei; Link entfernt)
6. National Galleries of Scotland, Mutter und Kind
7. Staatsgalerie Stuttgart, Mutter und Kind (Gaukler) (PDF-Datei; Link entfernt)
8. Cleveland Museum of Art, Studie zu Mutter und Kind
9. Christie’s, Katalogeintrag zu Mère et enfant
10. Musée Picasso-Paris, Sammlungsheft
11. Musée Picasso-Paris, zweisprachige Stiftungsbroschüre (PDF-Datei; Link entfernt)
12. Musée Picasso-Paris, Kinderführer (englische PDF-Datei; Link entfernt)

Bildnachweise

1. Mary Cassatt. Gemeinfrei. Quelle: Wikimedia Commons. Proportional auf 1.024 px Breite verkleinert, nicht beschnitten. Quelldatensatz. Lizenz.