Bach mit Aloen

Ein feurig orangefarbener Hang nimmt den oberen Teil von Henri Matisses Bach mit Aloen (Le ruisseau aux aloès) ein. Dunkle stachelige Pflanzen wachsen aus ockerfarbenem Boden, während ein tiefgrüner und brauner Streifen den unteren Bildbereich durchzieht. Der Titel verweist auf Aloen und Bach. Doch zunächst trifft der Blick auf eine kraftvolle Anordnung warmer Hänge und dunkler Silhouetten. Die Landschaft ist erkennbar, ohne im Einzelnen kartiert zu sein. Ihre Formen drängen zur Oberfläche, statt einen langen, vermessenen Ausblick zu öffnen. ^[1]

Die Menil Collection bezeichnet das Werk als Ölgemälde auf Leinwand von 1907 mit der Inventarnummer V 001. Die langjährige Seitenadresse nennt es „Landscape with Brook“, doch der Eigentümer verwendet Brook with Aloes mit dem französischen Titel Le ruisseau aux aloès. Der genauere Name hält die ungewöhnlichen Pflanzen im Mittelpunkt der Betrachtung. Ältere MoMA-Kataloge verorten das Bild in Collioure, einer Mittelmeerstadt, in der Matisse wiederholt arbeitete, und führen es in der Sammlung de Menil. Titel und Ort gehören zu diesem Gemälde, nicht zu jeder Landschaft Matisses aus dieser Gegend. ^{[1] [2] [3]}

Wo ist der Bach?

Das Wasser ist kein leuchtend blauer Weg vom Horizont zum Betrachter. In der Reproduktion nehmen ein dunkler waagerechter Verlauf und angrenzende Ufer den unteren Teil ein. Darunter und daneben erscheinen orangefarbene und rosa Flecken; nahe der Mitte unterbricht eine hellere Biegung das Dunkel. Der Bach erschließt sich aus dem Titel und daraus, wie das niedrige Band den Boden durchschneidet. Matisse gibt ihm weniger Raum als dem Hang und den Pflanzen darüber: Er wirkt ebenso als untere Landschaftsgrenze wie als eigenständiges Motiv.

Diese Lage verändert den Einstieg ins Bild. Eine herkömmliche Landschaft könnte den Blick einem Fluss entlang zu einem entfernten Fluchtpunkt führen. Hier liegt der Bach dicht am unteren Rand. Wir schauen über ihn hinweg und hinauf in eine verdichtete Folge von Erde, Pflanzen und ansteigendem Gelände. Das dunkle Band hemmt die Bewegung in die Tiefe; der warme Hang lenkt sie anschließend aufwärts. Die Fläche wirkt flach, obwohl das Bild nahe und ferne Bereiche anbietet. Raum entsteht durch überlagerte Formen und Farbwechsel, nicht durch ein sorgfältig gezeichnetes Netz zurückweichender Linien.

Keine deutlich erkennbare Figur am Wasser legt den Maßstab fest. Die Pflanzen sind unterschiedlich groß; die größte stachelige Gruppe steht rechts, wo sich ihre dunklen Blätter vor dem hellen Hügel ausbreiten. Kleinere Gruppen besetzen Mitte und linke Seite. Sie bilden einen Rhythmus über den Hang: eine niedrige Form, eine höhere, dann der kräftige Ausbruch rechts. Die fast waagerechte Bachbewegung begegnet ihren aufrechten Blättern. Matisse lässt die beiden im Titel genannten Elemente auf der Leinwand unterschiedlich wirken; der Titel wird zum Wegweiser für eine sichtbare Beziehung statt zu einem bloßen Inventar.

Weil der Bach dunkel ist, kann er vor Kenntnis des Titels auch als Gelände- oder Schattenlinie erscheinen. Diese Mehrdeutigkeit ist hilfreich. Das Bild braucht keine durchsichtige Wasserwiedergabe, um den Bach gegenwärtig zu machen. Es bietet einen Weg durch Farbe und Kontur und lässt den Titel präzisieren, was dieser Weg darstellen könnte. So ist die Landschaft gleichzeitig gesehen und konstruiert.

Wie sind die Aloen gemalt?

Die aloeähnlichen Pflanzen besitzen spitze Blätter, die sich von kompakten Ansätzen aus fächerförmig öffnen. Ihre schwarzgrünen Silhouetten sind dort am besten lesbar, wo sie auf orangefarbenen und lachsfarbenen Boden treffen. Manche Blätter sind schmale Zeichen, andere bilden dickere Keile. Matisse gibt nicht jeder Pflanze ein eigenes botanisches Porträt. Wiederholte stachelige Formen genügen, um das Motiv erkennbar zu machen und einen gezackten Rhythmus über den Hang zu setzen. Der Titel legt den Namen „Aloen“ nahe; die Malerei betont ihr sichtbares Wesen: scharfe Spitzen, gebündelten Wuchs und kräftige dunkle Farbe. ^[1]

Die größte Pflanze rechts unterbricht eine helle Partie des Hangs. Ihre Blätter reichen in mehrere Richtungen und verhindern, dass der Hügel zu einer einzigen glatten orangefarbenen Fläche wird. Nahe der Mitte steht ihr eine weitere Gruppe über einen helleren Zwischenraum hinweg gegenüber. Dies ist eines der entscheidenden Intervalle des Bildes. Die blasse Fläche zwischen dunklen Pflanzen kann wie offener Boden oder eine Lücke wirken, durch die der Blick wandert. Die Pflanzen machen diese Öffnung durch ihre Rahmung lesbar. Ihre Formen erzeugen Raum, obwohl sie zu dunklen Zeichen abgeflacht sind.

Das Laub ist nicht gleichmäßig schwarz. Tiefe Grüntöne, Braun und gedämpfte olivfarbene Bereiche variieren die Silhouetten; zwischen manchen Blattkanten scheint der warme Boden durch. Aus der Entfernung ist der Kontrast am stärksten, wenn Pflanze und Hang beinahe ausgeschnitten erscheinen. Näheres Hinsehen zeigt verschiedene Arten des Farbauftrags. Die dunklen Formen entstehen aus Strichen und Flecken, nicht aus einer einzigen durchgehenden Umrisslinie. Diese Mischung lässt sie zugleich als lebenden Wuchs und als wiederholtes gemaltes Muster erscheinen.

Über die obere Hälfte ziehen breite dunkle Bänder schräg durch den warmen Hügel. Es könnte sich um Vegetation, verschattete Böschungen oder eine unregelmäßige Geländekante handeln; das Gemälde beschriftet nicht jeden Fleck. Ihre diagonale Bewegung verbindet die kleinen Pflanzen mit der größeren Geländeform. Indem Matisse Dunkel vor Orange in verschiedenen Maßstäben wiederholt, verhindert er, dass die Aloen auf einen unverbundenen Hintergrund aufgeklebt wirken. Derselbe Gegensatz ordnet die gesamte Landschaft.

Was bewirkt die Farbe am Hang?

Orange und Korallrot beherrschen den oberen Bereich. Matisse macht sie zur breitesten Aussage des Hangs und setzt darunter gelbe, ockerfarbene und lachsfarbene Flecken. Farbe gibt dem Boden Wärme und Licht, bildet aber wechselndes Sonnenlicht nicht glatt ab. Ihre jähen Wechsel erzeugen auch ein Muster großer und kleiner Felder. Ein dunkelgrünes Band über dem Hang gewinnt durch das umgebende Orange an Nachdruck. Die stärksten Farben beschreiben somit zugleich das Gelände und bestimmen das innere Gleichgewicht des Bildes.

Der untere Abschnitt ist kühler und schwerer. Tief grünbraune Formen sammeln sich um den Bach; nahe dem unteren Rand kehren rotorange Akzente wieder. Sie verhindern, dass der dunkle Streifen das Bild vollständig abschließt. Sie antworten dem Hang darüber und tragen Wärme durch den Vordergrund. In der Mitte lassen hellere Ockerstellen die dunklen Pflanzen hervortreten, ohne ihnen einen gemalten Lichthof zu geben. Matisse wechselt zwischen Verdichtung und Öffnung: dichte Passagen am Wasser, offener warmer Boden um die Aloen und ein weiteres kräftiges Band, das nach oben steigt.

Der hohe Horizont, wenn man die obere Teilung so liest, lässt einem Himmel wenig Platz. Der helle obere Bereich kann stattdessen wie eine Fortsetzung sonnenbeschienenen Landes wirken. In beiden Fällen ist der wichtigste Gegensatz nicht Himmel gegen Erde, sondern warm gegen dunkel. Die mittlere Lücke zwischen den Pflanzen zählt, weil sie als hellerer Fleck zwischen kräftigeren Strichen gehalten wird. Diese Flächigkeit wirkt bewusst; sie löscht die Landschaft nicht aus. Man spürt weiterhin einen über einem Bach ansteigenden Hang und bemerkt zugleich, wie nachdrücklich die Farbfelder auf der Leinwandoberfläche bleiben.

Ältere Beschreibungen einer ruhigen, meditativen Aussicht oder Behauptungen über Matisses Gefühle legen dem Werk eine nicht belegte Stimmung auf. Das Bild bietet konkretere Fragen: Warum liegt das Wasser so niedrig und dunkel, warum wiederholen sich die Pflanzen, und wie konkurrieren Orange und Grün? Diese Entscheidungen erklären seine Spannung besser als eine allgemeine Aussage über Gelassenheit. Der helle Hügel und der gewichtige Vordergrund können gerade deshalb energisch wirken, weil sie sich nicht in sanfter atmosphärischer Ferne auflösen.

Wie passt es zu Matisses Collioure-Gemälden?

Matisse kehrte nach dem Sommer 1905 nach Collioure zurück. Der Eintrag des Metropolitan Museum of Art zu seiner eigenständigen Ansicht von Collioure von 1907 dokumentiert seine fortgesetzte Arbeit dort und beschreibt einen Blick durch dunkle Kiefernstämme auf Häuser, Kirche und Meer. Dieses Gemälde rahmt leuchtende Farbe durch einen Schirm geschwungener schwarzer Linien. Auch Bach mit Aloen setzt dunkle Vegetation vor farbigen Boden; seine Motive sind jedoch Bach, Hang und stachelige Pflanzen, ohne dokumentiertes Stadt- oder Hafenpanorama. Der Vergleich zeigt, wie ein verwandtes Interesse an dekorativer Linie unterschiedlichen Ansichten derselben Zeit dienen konnte. ^{[4] [3]}

Die frühere Landschaft bei Collioure von 1905 bietet einen weiteren Gegensatz. Ihre getrennten blauen, rosa und grünen Striche lassen viel rohe Leinwand sichtbar; ihre mittlere Öffnung zieht den Blick zwischen Baumgruppen hindurch. Das Menil-Bild von 1907 hat breiteren warmen Boden und festere dunkle Pflanzenmassen; sein Bach liegt quer am unteren Rand, statt einen Weg durch die Mitte zu öffnen. Beide Gemälde lassen den Betrachter Natur aus Farbzeichen zusammensetzen, erzeugen aber unterschiedliche Arten von Tiefe. Die Veränderung ist genauer zu fassen als mit der Behauptung, Matisse sei einfach „abstrakter“ geworden. ^[5]

Im selben Sommer wie Bach mit Aloen schuf Matisse in Collioure das wesentlich größere Le Luxe I. Das Centre Pompidou verzeichnet dieses eigenständige Ölgemälde auf Leinwand von 1907 als monumentales Bild mit Figuren und vereinfachter Landschaft. Es zeigt, dass Matisse verschiedene Maßstäbe und Themen bearbeitete, statt eine einzige Landschaftsformel anzuwenden. Das Menil-Bild verdichtet Hang und Bach zu einem intimen Hochformat; Le Luxe I nutzt eine große Fläche, um Menschenfiguren in eine reduzierte Umgebung zu setzen. Gemeinsamer Ort und Jahr machen den Vergleich nützlich, während die Kompositionen eigenständig bleiben. ^[6]

Betrachten Sie zuerst den Bach unten und folgen Sie dann den dunklen Aloegruppen nach oben ins Orange. Achten Sie beim Rückweg darauf, wie wenig herkömmliche Perspektive nötig ist, um das Gelände ansteigen zu lassen. Die Kraft des Gemäldes entsteht aus Übereinstimmung und Reibung zwischen seinen benannten Motiven und den breiten gemalten Formen. Die Seite zu Le Luxe I und der Gemäldeleitfaden geben weiteren Zusammenhang zu den Experimenten dieser Jahre.