Der Luxus I

Drei nackte Frauen besetzen eine Küste aus blauem Wasser, warmer Erde und dunklen Hügeln. Eine steht links und blickt abwärts, eine kauert zu ihren Füßen, die dritte beugt sich mit einem Blumenstrauß zu ihnen. Matisse schuf die große Szene in Collioure im Sommer 1907. Ihr vertrauter Titel Le Luxe I bedeutet Luxus I, doch Besitz oder elegantes Zimmer fehlen. Körper, offenes Wasser und Farbe bieten eine pastorale Vorstellung von Muße. Das Centre Pompidou besitzt das Ölbild auf Leinwand, etwa 210 × 138 Zentimeter, Inventarnummer AM 2586 P. ^[1]

Ein zweites Gemälde, Le Luxe II, ist in Kopenhagen. Größe und Motiv ähneln sich, doch es sind getrennte Leinwände aus unterschiedlichen Materialien. Hier sehen wir die erste, strukturierte Ölfassung: Sichtbare Striche modellieren helle Körper und wechseln durch das blaue Ufer. Die spätere Fassung im Statens Museum for Kunst nutzt Leimfarbe auf Leinwand und gleichmäßigere Farbfelder. Unterscheidung erlaubt die Betrachtung des tatsächlichen Werks statt austauschbarer Namen eines einzigen Bildes. ^{[1] [2] [3]}

Wie bilden drei Figuren eine Szene?

Die Stehende links reicht fast über die ganze Höhe. Ihr Körper ist die erste starke Senkrechte. Sie schaut uns nicht direkt an, sondern wendet und senkt den Kopf zur Hockenden. Gesenkte Hände und schräge Schultern zeigen eine Beziehung ohne bestimmte Geschichte. Der breite helle Körper ist stellenweise dunkel umzeichnet. Er ist erkennbare Person und große helle Form vor dunklerem Wasser und Boden.

Unten faltet sich die zweite Frau kompakt zusammen. Gelbes Haar markiert ihren gesenkten Kopf; Arme und Beine sammeln sich nach innen. Der runde Rücken bildet einen hellen Bogen vor warmer Erde. Gegenüber der langen Stehenden zieht er das Auge in einen kleinen intensiven Bereich links. Beide berühren sich fast im Aufbau, doch das Bild erklärt weder Ritual noch Verhältnis. Unterschiedliche Haltungen reichen für einen stillen Austausch von Blick und Beugung.

Die dritte Frau nähert sich von rechts über einen braunorangen Landstreifen. Ein Bein streckt sich zurück, während ihr Oberkörper sich zum gehaltenen Blumenstrauß neigt. Die Blumen bilden einen kleinen, aber leuchtenden Knoten zwischen sonst breiten Bereichen von Haut, Erde und Wasser. Sie verbinden die rechte Seite mit dem linken Paar: Der Blick folgt der anbietenden Geste durch die offene Bildmitte. Es wäre jedoch zu bestimmt, sie als Dienerin oder die Stehende als wirkliche Göttin zu bezeichnen. Das Centre Pompidou verwendet „Strand-Venus“ und „Hofdame“ als Fragen seiner Deutung, nicht als belegte Identitäten von Modellen oder dargestellten Personen. ^[1]

Jede Haltung löst eine Aufbaufrage. Die Stehende verankert einen Rand, die Hockende füllt die untere Ecke, die Geneigte bringt Bewegung zurück. Das Wasser dazwischen bleibt wesentlich: Es verhindert eine einzige helle Körpermasse und lässt die Blumen die Mitte gliedern. Wenige Gesten und Abstände ordnen die große Leinwand statt einer überfüllten Erzählung.

Was trägt die Küste bei?

Breites blaugrünes Wasser liegt hinter den Körpern. Dahinter verläuft rosa Ufer, rechts drängt dunkles Kap herein. Blau und Violett bewegen den Himmel. Dies ist kein vermessener Collioure-Plan. Farbbänder und Richtungswechsel halten die Figuren zusammen. Die Rosakurve wiederholt den Rückenbogen, der dunkle Hügel gewichtet gegenüber der Stehenden. Land und Menschen sind für eine gemeinsame Fläche geplant.

Der Vordergrund ist wärmer und gebrochener. Braun, Ocker und Orange umgeben die Kniende und führen die rechte Frau zur Mitte. Ihr heller Fuß trifft scharf auf dunkleren Boden. Auch die Stehende hebt sich gegen Wasser und Hügel ab, doch ihre Kanten bleiben pinselhaft. Matisse füllt nicht jede Form einheitlich. Blassblau, Creme und warmes Rosa durchziehen die Körper; sie wirken in Öl erarbeitet statt aus flachem Papier geschnitten.

Pompidou beschreibt die erste Fassung als rasch gebürstet, mit vereinfachter Landschaft und fast schillernden Farbpartien. Das Motiv bleibt klar, Farbe dient aber nicht nur der Nachahmung natürlichen Lichts. Blau verbindet Wasser und Himmel, helles Fleisch hebt sich von beiden ab. Dunkle Striche an Figur und Land betonen Gegensätze. Küstenansicht und Farbanordnung werden gleichzeitig lesbar. ^[1]

Warum heißt es Luxus?

Der Titel gehört zur Tradition pastoraler Szenen und des Goldenen Zeitalters, in denen Menschen unbeschwert in Natur erscheinen. Pompidous Lehrtext verbindet Le Luxe I damit und mit dem anderen Gemälde Luxe, calme et volupté von 1904–1905. Beide Titel stehen auch in Beziehung zu Baudelaires Einladung zur Reise. „Luxus“ kann also vorgestellte Freiheit und Genuss statt Wertgegenstände meinen. Das legt jedoch nicht jeden Frauengestus eindeutig fest. ^[4]

Das frühere Luxe, calme et volupté nutzt viele kleine Farbeinheiten und eine bevölkerte Küste. Le Luxe I reduziert auf drei monumentale Körper und einfachere Wasser- und Landbänder. Ein gemeinsames Thema zeigt veränderte Methode statt wiederholter Komposition. Matisse denkt ein Leben draußen neu, verändert aber Maßstab, Malweise und das Verhältnis von Person und Landschaft.

Pompidou nennt zudem toskanische Fresken, die Matisse 1907 gesehen hatte, und eine Bleistiftstudie in Originalgröße. Der Lehrtext beschreibt den Poncif, eine perforierte Zeichnung zum Übertragen der Konturen. Solche Vorbereitung relativiert Behauptungen einer rein spontanen Entstehung. Die Formen waren in monumentalem Maßstab durchdacht, obwohl der sichtbare Ölauftrag rasch und vielfältig bleibt. Fertiges Bild verbindet Plan und schnellen Farbauftrag. ^{[1] [4]}

Was änderte sich in Le Luxe II?

Das Statens Museum for Kunst katalogisiert Le Luxe II als eigenständiges Werk von 1907–1908. Der wissenschaftliche Katalog des Art Institute of Chicago nennt für dieselbe Kopenhagener Leinwand dagegen Sommer–Herbst 1907. Diese Datierungszeiträume unterscheiden sich. Deshalb ist es sicherer, von der nachfolgenden Fassung zu sprechen, statt auf einem genauen Monat zu bestehen. Beide Nachweise bestimmen das Material als Distemper oder Leimfarbe auf Leinwand, anders als Pompidous Ölfassung. Die Abmessungen liegen sehr nahe beieinander, doch die Werke sind nicht in jeder Quellenmessung buchstäblich gleich groß. ^{[2] [3]}

Die zweite Fassung behält drei Figuren und verbreitert und glättet Farbe. Stehender Körper und Küste zeigen weniger sichtbare Ölstrichstruktur. Pompidou sieht stärker dekorative Flächigkeit. Der Vergleich macht Entscheidungen konkret: Matisse behielt das Motiv und erprobte denselben großen Entwurf in anderem Medium und Oberflächenrhythmus. ^{[4] [2]}

Die erste Fassung wurde im Salon d’Automne 1907 unter dem historischen Titel Le Luxe, esquisse gezeigt. Das Centre Pompidou berichtet von gemischten Reaktionen: Einige Kritiker nannten die Formen abstrakt oder unfertig, während andere die dekorative Stärke schätzten. Das Wort „Skizze“ im Ausstellungstitel und das Vorhandensein einer zweiten Leinwand lassen das Pompidou-Bild nicht zu einer bloßen vorbereitenden Notiz verschwinden. Es ist ein großes, öffentlich ausgestelltes Werk. Seine sichtbar strukturierte Oberfläche erlaubt es, eine eigenständige Lösung für die Komposition aus drei Figuren zu verfolgen. ^[1]

Blicken Sie vom gesenkten gelben Kopf zum Strauß, dann zum stehenden Gesicht und übers Wasser. Küste und Figuren arbeiten ohne festbenannten Mythos zusammen. Le Luxe I erneuert Pastorale durch Größe, lockere Farbe und ausgewogenes Trio. Le Luxe II prüft gleichmäßigere Oberfläche. Weitere Figuren in erdachter Natur bietet Die Lebensfreude; der Gemäldeführer ordnet sie in Matisses wechselnden Umgang mit Form und Farbe ein.