Die Musik (1910)

Henri Matisses Die Musik von 1910 verteilt fünf rotorange nackte Figuren auf einer grünen Anhöhe unter einem durchgehend blauen Himmel. Ein stehender Geiger und ein sitzender Flötenspieler nehmen die linke Seite ein; drei weitere Sitzende erweitern die Gruppe über die fast vier Meter breite Leinwand. Weder Wände noch Stühle oder Konzertpublikum verorten die Szene in einem gewöhnlichen Zimmer. Matisse schuf das große Gemälde für das Moskauer Haus des Sammlers Sergei Schtschukin, der es als Gegenstück zum Gemälde Der Tanz bestellte. Während die Tänzer sich an den Händen fassen und im Kreis bewegen, bleiben die Figuren im Gemälde Die Musik voneinander getrennt. Ihre Unbewegtheit bestimmt die Wirkung des Bildes.^[1][2]

Welche Musik ist gemeint?

Die Staatliche Eremitage katalogisiert das Werk als Die Musik, 1910, Öl auf Leinwand, 260 × 389 Zentimeter. Matisse signierte und datierte es unten rechts; seine Museumsinventarnummer lautet 9674. Diese Angaben sind wichtig, weil er auch anderen Werken musikalische Titel gab. Das MoMA besitzt eine kleinere Musik (Skizze) von 1907, das Buffalo AKG Art Museum La Musique, ein quadratisches Gemälde von 1939 mit zwei Frauen und einer Gitarre. Das hier behandelte Eremitage-Werk ist Schtschukins riesiges Bild mit fünf Figuren, blauem Feld und grünem Hügel.^[1][3][4]

Die Maße machen es zu einem für einen Raum entworfenen Gemälde, keinem kleinen Bild ausschließlich zur Nahbetrachtung. Bei fast 3,9 Metern Breite lässt es die fünf Figuren als Folge erfassen, bevor man einzelne Körper betrachtet. Die Höhe schafft ein breites Himmelsband über dem ansteigenden Boden, sodass trotz ihrer Größe Raum über und um die Figuren bleibt. Das Format gibt der Komposition auch eine Richtung: Der Blick beginnt bei den beiden Instrumentalisten links und wandert über Menschen, die den Klang aufzunehmen, zu teilen oder zu bewohnen scheinen. Das ist eine Lesart ihrer Anordnung, keine Behauptung, das Bild liefere eine wörtliche Reihenfolge der Darbietung.^[1]

Das Thema lässt sich sicher beschreiben, ohne Namen oder ein bestimmtes Musikstück zuzuweisen. Geige und Flöte machen Musik sichtbar; Haltungen und teilweise geöffnete Münder der übrigen Figuren deuten Gesang oder Zuhören an. Das Gemälde identifiziert weder einzelne Ausführende noch Partitur oder Veranstaltungsort. Seine vereinfachte Landschaft löst das Ereignis aus dem dokumentarischen Rahmen eines tatsächlichen Schtschukin-Konzerts. Es bietet Musik als gemeinsame menschliche Tätigkeit, übersetzt in Körper und Farbe.^[1][2]

Wie sind die fünf Figuren angeordnet?

Der stehende Geiger erhebt sich nahe dem linken Rand. Sein Instrument kreuzt den Oberkörper, und der Bogenarm bringt eine kleine schräge Bewegung in eine sonst von Sitzhaltungen bestimmte Szene. Neben ihm führt eine tiefer sitzende Figur eine Flöte zum Mund. Beide nehmen unterschiedliche Höhen ein: Einer streckt sich vor dem Himmel aufwärts, der andere lässt sich im grünen Boden nieder. Sie machen die Quelle des Instrumentalklangs sichtbar, bevor das Auge zu den drei weiter rechts verteilten Figuren wandert.^[1]

Diese drei bilden keine dichte Menge. Die mittlere Sitzfigur faltet sich nach innen und zieht die Knie zum Körper. Weiter rechts sitzt eine Person höher am Hang, während die Figur am rechten Rand einen niedrigeren Platz einnimmt. Jeder rotorange Körper hebt sich mit erkennbarer Silhouette von Blau oder Grün ab. Die Zwischenräume sind groß genug, um ins Gewicht zu fallen. Anders als die verbundenen Hände in Der Tanz machen die Lücken jede Person zu einer selbstständigen Form im weiten Feld. Platzierung und Farbe verbinden die Gruppe, weniger die Berührung.^[1][2]

Der grüne Boden bildet keine flache Bühnenlinie. Er steigt und fällt, hebt manche Körper an und senkt andere, während sein Rand sanft gegen das Blau verläuft. Diese ungleichmäßige Grenze verhindert eine Reihung der fünf Figuren als identische Zeichen. Die Spieler bilden links einen Schwerpunkt, doch die wiederholten Körper tragen die Aufmerksamkeit über die gesamte Breite. Man kann bei jeder Person verweilen, dann zurücktreten und die Abstände als größeres Muster sehen. Diese visuelle Taktung erklärt mit, warum das große Bild Rhythmus ohne abgebildete Partitur vermitteln kann.^[1]

Die Körper sind zu deutlich lesbaren Formen vereinfacht. Gesichter tragen nicht die individuellen Einzelheiten eines Porträts, und die Umgebung verrät wenig über soziale Rollen oder historische Kleidung. Matisse gibt die Beugung eines Rückens, den Winkel eines Arms, die Faltung eines sitzenden Körpers und die Kopfhaltung. Solche Formen wirken über einen Raum hinweg. Sie lassen auch offen, wie die drei Figuren ohne Instrument teilnehmen. Manche Münder scheinen geöffnet, doch das Werk beweist nicht, ob jede Person singt, zuhört oder zwischen Klängen pausiert. Eine sorgfältige Beschreibung bewahrt diese Unsicherheit und erkennt zugleich das durch die beiden Spieler festgelegte Musikthema.^[1]

Warum tragen drei Farben so viel vom Bild?

Matisse beschränkt das Hauptfeld auf blauen Himmel, grünen Boden und warm rotorange Figuren. Jede Farbe bedeckt eine große, relativ ununterbrochene Zone. Die Wirkung ist aus der Ferne unmittelbar: Man muss keine kleinen Gegenstände entschlüsseln, um die Körper zu finden. Näher betrachtet verhindern unregelmäßige Umrisse, dass die großen Zonen zum starren Schema werden. Der Hang verändert seine Höhe, und jeder Körper begegnet der Umgebung mit einer anderen Kontur. Das Bild ist in den Hauptfarben einfach, in den verbindenden Rändern jedoch vielfältig.^[1][2]

Blau und Grün kennzeichnen Landschaft ohne herkömmliche Tiefe. Kein zurückweichender Weg, detailreicher Horizont oder verschattetes Bauwerk legt einen messbaren Abstand der Gruppe fest. Die Farben wirken als Ort und als große Struktur der Leinwand. Davor sind die rotorangen Körper getrennt, aber miteinander verwandt. Ihre gemeinsame Farbe verbindet Menschen, die sich nicht berühren. Geiger und Flötenspieler unterscheiden sich in ihrer Haltung von den Sitzenden, doch die Farbe führt sie in dieselbe visuelle Gemeinschaft.^[1]

Die beschränkte Palette widersetzt sich auch einer allzu wörtlichen Lesart. Ein Konzert bei Schtschukin hätte einen bestimmten Raum, Zuhörer und Ausführende gehabt. Matisse zeigt stattdessen eine offene, karge Welt. Man könnte Blau, Grün und Rot bestimmten Tönen oder Instrumenten zuordnen wollen, doch das Bild gibt dafür keinen Schlüssel. Sein Rhythmus liegt in wiederkehrenden Körpern, wechselnden Zwischenräumen und der langen Trennung von Hügel und Himmel. Musikthema und visuelle Ordnung verstärken sich, ohne eine verschlüsselte Partitur zu bilden.^[1]

Warum bestellte Schtschukin Die Musik und Der Tanz?

Sergei Schtschukin war ein bedeutender Matisse-Sammler und wollte große dekorative Bilder für sein Moskauer Haus. Sein Brief an Matisse vom 31. März 1909, erörtert und reproduziert in Albert Kostenevichs Studie für das Art Institute of Chicago, bestellt zwei Bilder und verlangt Musik als Thema des zweiten. Schtschukin verband den Wunsch mit den klassischen Konzerten, die er im Winter zu Hause veranstaltete. Dies ist ein ungewöhnlich direkter Beleg dafür, warum Musik eines der beiden Themen wurde; eine spekulative Geschichte über private Gefühle des Sammlers ist nicht nötig.^[5]

Der Auftrag entwickelte sich im Gespräch, statt als vollständig festgelegter Entwurf aufzutauchen. Kostenevich berichtet, Matisse habe für das Treppenhaus eine umfassendere Themenfolge mit Tanz, Musik und Ruhe erwogen. Dieses gedankliche Programm muss von Schtschukins belegter Bestellung zweier Bilder unterschieden werden. Das endgültige Paar bestand aus Der Tanz und Die Musik. Der Eremitage-Text verortet sie vor den späteren Sammlungsumzügen am Treppenabsatz des Moskauer Hauses. Sie waren für die Begegnung in einem architektonischen Rahmen gedacht, in dem große Formen und klare Farben während der Bewegung durch den Raum lesbar würden.^[2][5]

Bei der Rekonstruktion sämtlicher Einzelheiten der ersten Hängung ist Vorsicht geboten. Die wissenschaftliche Studie untersucht Wände, Sichtachsen und Maße und schlägt eine mögliche Anordnung vor. Diese Analyse ist aber kein erhaltenes Installationsfoto, das jede Position klärt. Gesichert ist die Verbindung beider Werke mit Schtschukins Treppenhausauftrag. Ihre riesigen Leinwände, die gemeinsame Sprache aus Rot, Blau und Grün und ihre gegensätzlichen Bewegungsarten ergeben in diesem Zusammenhang als Paar Sinn.^[2][5]

Der Eigentümereintrag behandelt die vereinfachten Figuren als sinnbildhaft, nicht als Porträts bestimmter Tänzer oder Musiker. Das erklärt, wie Matisse auf die tatsächlichen Konzerte des Sammlers Bezug nehmen konnte, ohne dessen Salon abzubilden. Das Thema entstand in einem bewohnten Haushalt; das fertige Bild behandelt jedoch eine allgemeinere Vorstellung des Musizierens und Zuhörens. Fünf Körper, zwei Instrumente und eine reduzierte Landschaft tragen diesen Gedanken im Maßstab einer Wand.^[1][2]

Wurde Die Musik in einem einzigen Schritt geplant?

Eine einfache Geschichte müheloser Ausführung passt nicht zu den Belegen. Der Eremitage-Katalog verweist auf Fotografien früher Zustände des Gemäldes Die Musik, die Veränderungen der Komposition zeigen. Das Museum beschreibt eine fortschreitende Verringerung aktiver Bewegung und stärkere Vereinzelung der Figuren. Die endgültige Unbewegtheit ist deshalb eine erarbeitete Entscheidung, kein Beweis für eine von Beginn an fertige Idee. Um die Richtung dieser Veränderung zu verstehen, braucht man keine detaillierte Folge einzelner Korrekturen zu erfinden.^[1]

Ein früheres Gemälde macht die Entwicklung interessanter. Die Musik (Skizze) des MoMA datiert auf 1907, zwei Jahre vor Schtschukins Brief, und misst 73,4 × 60,8 Zentimeter. Die Eremitage verweist auf ihren Geiger als Vorläufer der Instrumentalfigur im späteren Großbild. Weil die Skizze dem Auftrag von 1909 vorausgeht, wäre es irreführend, sie als eigens für dessen ersten Schritt entstandene Zeichnung zu bezeichnen. Sie zeigt, dass Matisse bereits Möglichkeiten erprobte, Musik, Körper und vereinfachten Raum zu verbinden. Das Auftragsbild griff ein Anliegen auf und veränderte es, das schon vor der Bitte des Sammlers bestand.^[1][3]

Kostenevich erörtert außerdem Entwurfsaquarelle im Zusammenhang mit Ideen für den Schtschukin-Auftrag. Ihr Verhältnis zu den fertigen Gemälden verläuft nicht geradlinig von der Skizze zur vergrößerten Kopie; eine Komposition entwickelte sich zu einem anderen Werk. Das ist ein weiterer Grund, die kategorische Aussage der älteren Seite zu vermeiden, Die Musik habe keine Vorarbeiten gehabt. Die haltbare Darstellung ist genauer: Es gab frühere Musikbilder, sich wandelnde Auftragsideen und fotografierte Zustände des großen Bildes; die endgültige Anordnung fünf getrennter Figuren entstand durch Überarbeitung.^[5]

Dieser Prozess lässt sich im fertigen Bild lesen, ohne vorzugeben, übermalte Passagen zu sehen. Die beiden Instrumentalisten lassen weiterhin körperliche Handlung erkennen. Die drei Figuren dahinter verharren dagegen in Posen, die sich kaum durch den Raum bewegen. Große Abstände verlangsamen den Blick; keine Figur drängt in einer fortlaufenden Geste zur nächsten. Die Eremitage-Beschreibung zunehmender Vereinzelung gibt dem im Endzustand Sichtbaren eine historische Grundlage. Sie erlaubt nicht die Behauptung, eine bestimmte rote Kontur entspreche einer bestimmten datierten Änderung.^[1]

Wie antwortet Die Musik auf das Gemälde Der Tanz?

Beide Auftragsbilder verwenden fünf rote Figuren, grünen Boden und ein blaues Feld. Die gemeinsamen Elemente machen ihren Unterschied besonders deutlich. In der fertigen Eremitage-Fassung von Der Tanz aus dem Jahr 1910 fassen sich die Tänzer an den Händen zum Kreis. Gebeugte Körper ziehen einander durch seine Runde, und das Auge folgt ihrer verbundenen Bewegung. In Die Musik spielen zwei Figuren Instrumente, während die anderen getrennt sitzen. Ihre Handlung ist Klang statt Fortbewegung. Wie die Eremitage den Vergleich formuliert, ist Die Musik statisch, wo Der Tanz dynamisch ist.^[1][2]

„Statisch“ bedeutet nicht leblos. Der stehende Geiger unterbricht die Höhe der Sitzfiguren; die Flöte lenkt auf Atem und Spiel; der Hang verändert die Höhenlage jedes Körpers. Der Blick wandert über eine Folge von Positionen, doch die Menschen bilden keine einzige Kette. Ihre Aufmerksamkeit scheint nach innen oder auf das Musikerlebnis gerichtet, weniger nach außen zur nächsten Figur. Neben dem kreisenden Schwung des Tanzes bietet das Bild eine Pause. Gemeinsam verwandeln sie zwei verwandte Tätigkeiten in unterschiedliche Erfahrungen von Zeit und Raum.^[1][2]

Die Fassungsnamen sind hier wichtig. Das MoMA besitzt Der Tanz (I) von 1909, eine große Kompositionsstudie im Zusammenhang mit Schtschukins Auftrag. Dieses Werk ist von der fertigen Eremitage-Fassung Der Tanz von 1910 zu unterscheiden. Wenn diese Seite Der Tanz als Gegenstück zu Die Musik bezeichnet, meint sie das für dasselbe Treppenhaus bestellte Eremitage-Gemälde, nicht die frühere MoMA-Studie. Die Seite zum Gemälde Der Tanz verfolgt Thema und Fassungen genauer.^[2][6]

Die beiden Bilder zeigen auch, was Matisse durch Wiederholung ohne Verdopplung erreichen konnte. In beiden erscheinen fünf Figuren und drei Hauptfarben, doch eine andere Anordnung verändert das gesamte emotionale Tempo. Der Tanz macht Beziehung durch verbundene Hände sichtbar. Die Musik tut dies durch gemeinsames Rotorange, geteilten Boden und bemessene Abstände. Wer zwischen ihnen wechselt, spürt, wie wenig Bildinformation nötig ist, um gemeinsame körperliche Bewegung von der ruhigeren Konzentration der Musik zu unterscheiden.^[1][2]

Wie wurde das Gemälde aufgenommen und später verändert?

Die Bilder lösten bei ihrer Präsentation im Salon d’Automne von 1910 Kontroversen aus. Kostenevich dokumentiert Schtschukins vorübergehenden Entschluss, sie nicht zu übernehmen, seine anschließende Umkehr und ihre Reise nach Moskau. Diese Folge sollte beschrieben werden, statt sie auf sofortige Bewunderung oder dauerhafte Ablehnung zu verkürzen. Monumentaler Maßstab, nackte Figuren und starke Vereinfachung forderten das Publikum heraus, doch letztlich behielt der Sammler das bestellte Paar.^[5]

Ein Detail des Gemäldes Die Musik erhielt eine eigene spätere Geschichte. Die Genitalien des Flötenspielers wurden nach Matisses Fertigstellung mit roter Übermalung verdeckt. Kostenevich verzeichnet Matisses Bitte um deren Entfernung im Jahr 1934; Eremitage-Restauratoren entfernten sie schließlich im November 1988. Wer die Übermalung auftrug, geht aus der konsultierten Darstellung nicht hervor. Diese Episode ist wichtig, weil eine Reproduktion vor der Restaurierung ein materiell anderes Detail als das heutige Werk zeigen könnte. Sie zeigt auch, wie der öffentliche Umgang mit einem Bild verändern kann, was spätere Betrachter für die Malerei des Künstlers halten.^[5]

Die Restaurierungsgeschichte sollte eine Darstellung des großen Bildes nicht beherrschen. Sie ist Teil eines längeren Lebens, in dem ein für ein privates Treppenhaus gemaltes Werk zum Museumsobjekt wurde und unter anderen Bedingungen betrachtet wurde. Im Schtschukin-Haus teilte es die Umgebung mit seinem Gegenstück und anderen Sammlungswerken. Im Museum lassen sich Größe und Oberfläche als Einzelbild untersuchen, auch wenn sein Dialog mit Der Tanz wesentlich für das Verständnis seiner Entstehung bleibt.^[1][2][5]

Wie gelangte Die Musik in die Eremitage?

Der Eremitage-Katalog verfolgt das Gemälde von Schtschukins Sammlung, in der es sich ab 1910 befand, über das Moskauer Museum für moderne westliche Kunst bis zur Eremitage im Jahr 1948. Das Archiv der Sammlung Schtschukin verzeichnet ihre Verstaatlichung 1918. Diese Stationen erklären, warum ein französisches Gemälde für ein Moskauer Privathaus heute mit einem Museum in Sankt Petersburg verbunden wird. Sie bedeuten nicht, dass die Eremitage sein erstes Ziel war oder Matisse es für einen Museumssaal malte.^[1][7]

Der Transfer veränderte auch die Betrachtung des Paares. Der ursprüngliche Auftrag band die Bilder an ein Treppenhaus und einen Haushalt, in dem tatsächlich musiziert wurde. Die spätere museale Betreuung bewahrte sie für ein weit größeres Publikum und gab ihnen formale Sammlungseinträge. Die genauen Eigentümerangaben zu Die Musik – Datierung 1910, Maße 260 × 389 Zentimeter und Inventar 9674 – verankern die Diskussion selbst bei unterschiedlich beschnittenen oder kolorierten Reproduktionen. Sie helfen, unter Matisses mehreren Musikthemen das richtige Gemälde zu finden.^[1][5]