Atelier unter dem Dach

Henri Matisses Atelier unter dem Dach führt uns in einen engen Dachboden in Bohain, der nordfranzösischen Stadt, in der er aufwuchs. Ein schräges Dach und zwei kleine Dachfenster drücken auf den Raum. Ein Klapptisch, eine Staffelei und eine Holzkiste dienen als Ateliermöbel. Weiter hinten gibt ein offenes Fenster einen überraschenden Fleck leuchtender Farbe frei. Das Bild dokumentiert einen Ort, an dem Matisse zu arbeiten versuchte, und organisiert zugleich sorgfältig einen Weg vom dunklen Vordergrund zum Licht. ^[1]

Das Gemälde wird bisweilen unter dem kürzeren Namen Das Dachatelier gefunden, der in der Adresse dieser Seite erhalten bleibt. Sein Eigentümer, das Fitzwilliam Museum, nennt es Studio under the Eaves. Der Katalog verzeichnet den französischen Titel L’atelier sous les toits, ein Ölgemälde auf Leinwand mit den Maßen 55,2 × 46 Zentimeter, datiert auf etwa 1903. Diese Angaben klären, welches von Matisses vielen Atelierbildern hier behandelt wird; die Überschrift folgt dem öffentlichen Werktitel des Museums. ^{[1] [2]}

Was sehen wir auf dem Dachboden?

Beginnen Sie bei der Dachlinie. Die geneigten Wände lassen den Raum niedrig und geschlossen wirken, obwohl das Bild genügend Tiefe bietet, um an Staffelei und Tisch vorbei zur hinteren Wand zu sehen. Zwei kleine Dachfenster durchbrechen die Dachfläche, doch keines scheint den Innenraum mit Licht zu fluten. Der größte Teil bleibt braun, rostfarben und fast schwarz. Das Licht wählt aus: Es erfasst bestimmte Kanten und lässt andere Gegenstände nur teilweise von ihrer Umgebung unterscheidbar werden. ^[1]

Die Arbeitsmittel sind bescheiden. Das Fitzwilliam erkennt eine Palette auf einer einfachen Kiste, eine Staffelei neben einem Klapptisch und eine Vase mit zwei Dahlien. Es sind konkrete Gegenstände, kein allgemeines Sinnbild des Künstlerlebens. Die Kiste dient als Untergestell, der Tisch bietet den Blumen Platz, und die Staffelei kennzeichnet den Raum als Ort, an dem ein Bild entstehen kann. In der kleinen Reproduktion bilden die Blumen zarte Akzente statt eines prächtigen Stilllebens. Sie bringen eine zweite Art des Sehens ins Atelier: Selbst in einem beengten Arbeitsraum konnte Matisse einer kleinen natürlichen Anordnung Aufmerksamkeit schenken. ^[1]

Staffelei und Bildfläche stehen zwischen uns und dem Fenster. Das Gemälde zeigt auf der Leinwand innerhalb des Bildes keine lesbare Darstellung. Ihre rückwärts gerichtete oder schräge Fläche schließt sich vielmehr einer Gruppe von Rechtecken an: Leinwand, Kiste, Tischplatte und Fenster. MoMAs Ausstellungsbeschriftung betont diese Anordnung flacher Formen und wie sie die Aufmerksamkeit nach draußen lenkt. Diese Beschreibung ist hilfreich, weil sie beim sichtbaren Aufbau ansetzt, statt das Zimmer wie einen zufälligen Schnappschuss zu behandeln. ^[3]

Im Raum erscheint kein Mensch. Dennoch deuten Palette und Staffelei einen Arbeitenden an, der gerade hinausgegangen ist oder zurückkehren könnte. Wir stehen nahe bei den Werkzeugen des Künstlers und blicken über sie hinweg. Das leere Atelier kann daher als indirektes Porträt von Matisses Praxis wirken, ohne sein Gesicht zu zeigen. Über die genaue laufende Aufgabe sagt es wenig: Aus diesem Bild allein lässt sich nicht erkennen, was auf der Staffelei gemalt wurde.

Warum ist das Fenster so wichtig?

Das Fenster ist vergleichsweise klein und beherrscht doch die Komposition. Seine Läden öffnen sich um einen Bereich aus leuchtendem Blau und Grün mit warmen Akzenten. Gegen das dunkle Braun des Dachbodens wirkt selbst dieser begrenzte Ausblick geräumig. Matisse beschreibt keine detaillierte Landschaft, die wir einer bestimmten Aussicht zuordnen könnten. Er setzt einen starken Gegensatz zwischen einem mit Werkzeugen gefüllten Innenraum und einem konzentrierten Fleck Außenlicht. MoMA-Kuratorin Ann Temkin betont genau diese Gegenüberstellung des düsteren Zimmers und der brillanten Farbe dahinter. ^[4]

Mehrere Linien im Zimmer helfen uns, die Öffnung zu erreichen. Die Dachschräge, die Tischkanten und der Winkel der Staffelei lenken die Aufmerksamkeit nach innen. Das helle Rechteck fängt den Blick auf, nachdem er den dunkleren Arbeitsbereich durchquert hat. Das Fitzwilliam weist auch auf den langen Schatten hin, den die Truhe oder Kiste zum Betrachter wirft. Er bewirkt etwas Überraschendes: Das einfallende Tageslicht betont die Dunkelheit im Vordergrund noch stärker. Licht und Schatten sind keine zwei getrennten Hälften der Szene; das eine schafft das andere. ^[1]

Die kleinen Dachfenster ermöglichen einen aufschlussreichen Vergleich innerhalb des Bildes. Eigentlich könnten Dachfenster einen Dachboden erhellen, doch hier bleiben sie blasse Unterbrechungen einer überwiegend dämmrigen Decke. Das offene senkrechte Fenster trägt die kräftigere Farbe und das stärkere Versprechen von Weite. Dieser Unterschied erklärt, warum der Blick dort verweilt. Es ist nicht bloß die hellste Form, sondern der einzige deutliche Weg über Dach, Möbel und Wände des Raums hinaus.

Das Fitzwilliam liest das Fenster als visuellen Hinweis auf die hellere Farbe, die Matisses spätere Malerei auszeichnen sollte. MoMAs Ausstellungsbeschriftung stellt eine ähnliche Verbindung her. Das ist eine sachkundige Interpretation, keine Vorhersage, die Matisse zum Entschlüsseln in die Leinwand eingeschrieben hätte. Die erste Wirkung des Bildes ist unmittelbar sichtbar: Ein begrenzter Lichtfleck kann den gesamten Charakter eines dunklen Zimmers verändern, ohne die dunkle Farbe ringsum aufzulösen. ^{[1] [3]}

Warum arbeitete Matisse in Bohain?

Das Fitzwilliam verortet das Atelier im obersten Stockwerk der 24 Rue Fagard in Bohain. Matisse war während einer schweren persönlichen und finanziellen Krise mit seiner jungen Familie in seine Heimatstadt zurückgekehrt. Seine Schwiegereltern Armand und Catherine Parayre hatten für Thérèse Humbert gearbeitet, deren umfangreicher Betrug 1902 aufgedeckt wurde. Das Museum stellt klar, dass die Parayres selbst kein Unrecht begangen hatten, aber Geld verloren und unter Verdacht gerieten. Die Polizei durchsuchte den Hutladen von Matisses Frau Amélie und sein eigenes Atelier. Er versuchte außerdem, einen Haushalt zu ernähren, und hatte unter Schlaflosigkeit und nervöser Erschöpfung gelitten. ^[1]

Diese Geschichte erklärt, warum der schlichte Dachraum mehr Gewicht haben kann, als seine Möbel allein vermuten lassen. Er war während einer schwierigen Rückkehr ein gemieteter Arbeitsplatz, wie MoMAs Beschriftung und Audiobeitrag erläutern. Das Fitzwilliam berichtet von einem angespannten Empfang durch Matisses Vater und wenig Begeisterung für seine Malerei in Bohain. In einem Brief an seinen Freund Simon Bussy vom Juli 1903 erwog Matisse sogar, die Malerei zugunsten einer verlässlicheren Beschäftigung aufzugeben. Die Belege zeigen die Ernsthaftigkeit der Krise, verraten aber nicht, dass jeder dunkle Pinselstrich einem bestimmten Gefühl am Entstehungstag dieser Leinwand entspricht. ^{[1] [3] [4]}

Die bescheidene Ausstattung verlangt eine ebenso sorgfältige Lesart. Eine Kiste unter einer Palette und ein Klapptisch passen zu einem improvisierten, sparsamen Atelier. Das Fitzwilliam deutet die karge Einrichtung im Zusammenhang mit Matisses angespannten Finanzen. Doch diese Dinge waren auch praktische Möbel eines tatsächlichen Arbeitsplatzes. Das Gemälde gewinnt an Kraft, indem es diese praktische Tatsache und den größeren Kontext nebeneinander bestehen lässt. Wir sehen, wie der Künstler in genau diesem Zimmer arbeitete, bevor wir daraus ein Sinnbild der Not machen. ^[1]

Sind die Blumen ein Symbol?

Die Vase auf dem Tisch wird neben dem Fenster leicht übersehen. Das Fitzwilliam erkennt darin zwei Dahlien und erinnert an den Bericht des Künstlerkollegen Jean Puy, wonach Matisse 1902 von verwelkenden Blumen bewegt gewesen sei. Das Museum schlägt eine mögliche Verbindung zur älteren Tradition vor, Blumen als Mahnung an die Kürze des Lebens zu verstehen. Das ist eine Lesart des Motivs, keine dokumentierte Äußerung Matisses über genau diese Dahlien. Die vorhandene Reproduktion erlaubt keine Diagnose, ob sie frisch sind oder welken. ^[1]

Ihre formale Rolle ist leichter zu sehen. Die Blumen bilden eine kleine aufrechte Unterbrechung auf der Tischplatte. Sie setzen eine zerbrechliche Naturform zwischen Bretter und Möbel des Dachbodens, und ihre Position verbindet den Arbeitsbereich mit dem Fenster dahinter. Auch ohne festgelegte symbolische Bedeutung verändern sie den Rhythmus der Komposition. Der Betrachter wandert von Palette und Leinwand zur Vase und dann hinaus zum Licht. Ein scheinbar nebensächlicher Gegenstand lässt das Zimmer beobachtet und bewohnt erscheinen.

Wie lässt sich dieses Atelier mit dem Roten Atelier vergleichen?

MoMA nahm Atelier unter dem Dach in die Ausstellung Matisse: The Red Studio auf und brachte den Dachboden von 1903 mit Matisses späteren Arbeitsraumbildern ins Gespräch. 1911 malte Matisse in Issy-les-Moulineaux Das rote Atelier. MoMAs Ausstellungsmaterial beschreibt dieses spätere Atelier als größeren, eigens errichteten Raum, gebaut nach Plänen, die mit einem Bauunternehmer entwickelt wurden. Das rote Gemälde vereinfacht Wände und Boden zu einem einheitlichen Farbfeld, während die frühere Bohain-Leinwand Dachschräge, braune Schatten und den starken Unterschied zwischen innen und außen bewahrt. ^[3]

Der Vergleich ist erhellend, weil der Gegenstand trotz unterschiedlicher Räume und Methoden gemeinsam bleibt. In beiden Werken ist das Atelier für sich genommen ein malenswertes Motiv: Möbel, Arbeitsflächen und die Anordnung der Gegenstände erzählen davon, wie Matisse über das Kunstschaffen nachdachte. Der Dachboden muss jedoch nicht als Rohentwurf für das spätere rote Bild behandelt werden. Der Druck seiner Dunkelheit gegen eine kleine Öffnung ist eine eigenständige Lösung für einen eigenständigen Raum. Das breite rote Feld des späteren Ateliers stellt eine andere Frage danach, wie Farbe einen Raum zusammenhalten kann.

Wer Matisses wechselnde Behandlung des Lichts verfolgt, kann auch Offenes Fenster, Collioure betrachten, gemalt 1905. Das gemeinsame Motiv ist eine Öffnung ins Freie; Kompositionen, Orte und Farbstrukturen unterscheiden sich. Im Dachboden von Bohain bleibt das Fenster ein vergleichsweise kleiner, entfernter Schwerpunkt. In Collioure nehmen Fenster und Ausblick einen viel größeren Teil des Bildes ein. Der Vergleich zeigt, was Matisse aus diesem Motiv machen konnte, ohne vorzugeben, das eine Gemälde habe das andere unmittelbar verursacht.

Was wissen wir über das Werk selbst?

Das Fitzwilliam verzeichnet das Bild als Öl auf Leinwand, unten links signiert, mit der Inventarnummer PD.14-1964. Es gelangte durch das Vermächtnis von A. J. Hugh Smith 1964 über den National Art-Collections Fund ins Museum. Der Werkeintrag datiert es auf um 1903 und bewahrt zugleich eine ältere Einschätzung, die es um 1900 ansetzte; außerdem nennt er Alfred Barrs Zuordnung nach Bohain Anfang 1903. Die aktuelle öffentliche Museumspräsentation und MoMA verwenden beide 1903, deshalb dient dieses Jahr hier als Arbeitsdatierung. Die erhaltene Notiz ist ein Grund, keinen exakten Tag oder Monat zu behaupten. ^{[1] [2] [4]}

Beginnen Sie beim erneuten Betrachten mit Kiste und Palette vorn, folgen Sie Staffelei und Tisch zur Vase und lassen Sie sich dann von den zusammenlaufenden Linien zum offenen Fenster führen. Kehren Sie entlang des langen Schattens zur eigenen Position zurück. Dieser Rundgang verhindert, dass das Bild zu einer einfachen Vorher-Nachher-Geschichte wird, in der Düsternis der Farbe weicht. Matisse lässt den dunklen Dachboden und das helle Draußen zugleich bestehen. Der Raum ist ein schwieriger Arbeitsplatz, aber auch einer, in dem er weiter sieht, anordnet und malt.

Weitere Werke aus unterschiedlichen Phasen finden Sie auf der Künstlerseite zu Henri Matisse und im Gemäldeverzeichnis.