L’Écorché, nach Puget

Henri Matisses L’Écorché, nach Puget zeigt eine sitzende männliche Figur, deren Körper sich über angewinkelten Beinen dreht. Der Kopf wendet und senkt sich; ein Arm drückt nach unten, während der andere zur Brust hinaufgeführt wird. Die raue, kompakte Form wird verständlicher, wenn man ihren Titel erklärt. Ein Écorché ist eine enthäutete Figur, die dem Studium der unter der Haut liegenden Muskelstruktur dient. Matisse schuf dieses Modell 1903 als freie Interpretation einer anatomischen Atelierplastik, wie das Fitzwilliam Museum und der Skulpturenkatalog des Museum of Modern Art erläutern. ^{[1] [2]}

Die von Matisse kopierte Figur galt damals als Werk Michelangelos und wurde später Pierre Puget zugeschrieben, dem französischen Bildhauer des siebzehnten Jahrhunderts. Diese Geschichte erklärt die heutige Titelergänzung „nach Puget“. Sie bedeutet weder, dass Puget Matisses Modell geschaffen hätte, noch dass die Zuschreibung des Vorbilds außer Frage steht. Das Kopieren war eine Übung im Sehen, Modellieren und Umformen einer Haltung und keine mechanische Wiedergabe eines sicher bestimmten Meisterwerks. ^{[1] [3]}

Warum ist die Haltung schwer zu lesen?

Der Körper ist uns nicht gerade zugewandt. Ein Knie ist angezogen, das andere Bein dreht sich unter den Rumpf, und die Schultern wenden sich von den Hüften weg. Der gesenkte Kopf und die gebeugten Arme bilden oben und links einen Knoten von Formen. Auch der raue Fels unter der Figur besitzt eine gebrochene Oberfläche. Auf der Fotografie treffen Glanzlichter auf Grate an Rücken, Brust und Oberschenkeln, während sich dunkle Lücken zwischen den Gliedmaßen öffnen. Das Auge muss die Figur in Gedanken umrunden, um zu verstehen, wie ihre Teile miteinander verbunden sind.

Diese Anstrengung gehört zum Wert einer anatomischen Figur. Die freigelegte Muskelstruktur bietet dem Bildhauer eine Möglichkeit zu untersuchen, wie ein gebeugter Rumpf Gewicht und Bewegung tragen könnte. Der MoMA-Katalog von 1972 bezeichnet Matisses Werk als freie Kopie eines üblichen Ateliermodells. Das Wort „frei“ ist wichtig: Die Plastik konzentriert sich auf die Kraft der Drehung und die ungleichmäßige, bearbeitete Oberfläche, statt eine glatt ausgeführte Lehrdarstellung benannter Muskeln zu bieten. Sie gehört zu einer Zeit, in der Matisse neben der Malerei auch die Bildhauerei studierte. ^[2]

Wurde diese Bronze 1903 gegossen?

1903 bezeichnet das ursprüngliche Modell, nicht jede danach hergestellte Bronze. Das Fitzwilliam Museum besitzt einen Bronzeguss, M.1-2001, mit der Nummer HM 8/10, der von der Gießerei Valsuani zu einem unbekannten Zeitpunkt nach 1903 gegossen wurde. Das Vermächtnis von Humphrey Whitbread aus dem Jahr 2001 gehört zur Geschichte dieses bestimmten Exemplars. Das Museum beschreibt eine braun patinierte Figur und verzeichnet für die plastische Bronze eine Höhe von 22,8 cm, ohne die separate hohe Marmorsäule. ^[1]

Andere nummerierte Güsse besitzen andere Nachweise. Der MoMA-Ausstellungskatalog von 1972 führte ein Exemplar 2/10 auf, das damals zur Joseph H. Hirshhorn Collection gehörte. Ein Katalog von Christie’s beschreibt eine Valsuani-Bronze 7/10, die 1958 gegossen wurde. Diese Editionsmarken und Datierungen dürfen nicht zu einer einzigen Objektbiografie verschmolzen werden. Die Fotografie zeigt die Komposition auf einer niedrigen Basis, jedoch keine lesbare Editionsnummer und keine Marmorsäule des Fitzwilliam. Sie belegt nicht, welcher Guss fotografiert wurde. ^{[2] [3]}

Was kann eine spätere Bronze über das ursprüngliche Modell zeigen?

Der Fitzwilliam-Guss bewahrt die gefaltete Haltung und die bearbeitete Oberfläche des Modells von 1903. Sein Museumsnachweis kann das unbekannte Gussdatum der Bronze jedoch nicht in das Datum von Matisses erster Modellierung verwandeln. Ein Guss ist ein Objekt mit eigener Materialgeschichte. Seine braune Patina, Editionsmarke und das spätere Vermächtnis gehören zum Fitzwilliam-Exemplar; ein anderer nummerierter Guss kann dieselbe Form besitzen und dennoch ein anderes Gussdatum und eine andere Folge von Eigentümern haben. Gerade hier müssen diese Angaben getrennt gelesen werden, weil die Fotografie keine entzifferbare Editionsmarke zeigt. Die sicherste visuelle Aussage betrifft die Komposition der Figur und nicht die Identität des fotografierten Gusses. ^{[1] [3]}

Auch die geringe Größe verändert, wie man die Haltung erlebt. Das Fitzwilliam verzeichnet eine Bronzefigur von nur 22,8 Zentimetern Höhe, ohne ihre Säule. Man kann sich vorstellen, ein solches kompaktes Objekt zu umrunden und zu entdecken, wie ein gebeugtes Knie auf den Rumpf trifft und wie die raue Basis die Drehung des Körpers stützt. Eine einzelne Fotografie hält eine Ansicht fest; das plastische Problem entfaltet sich um die Figur herum. Die Bezeichnung als freie Kopie durch das MoMA hilft zu verstehen, warum diese Muskelstudie mehr ist als ein Schaubild: Matisse schuf eine kompakte, kraftvolle Anordnung, die von mehreren Seiten gelesen werden will. ^{[1] [2]}

Wie wurde das Ateliermodell zu einem gemalten Gegenstand?

Als das Gipsmodell in den Auberginenbildern von 1911 wiederkehrt, hat es seine Aufgabe gewechselt. Aus einem für Studien kopierten anatomischen Beispiel wird ein Gegenstand unter anderen in einem von Matisse komponierten Raum. Fitzwilliam und MoMA benennen zwei eigenständige Gemälde; seine Wiederkehr ist also dokumentiert und nicht aus einer vagen Ähnlichkeit erschlossen. Im großen Interieur in Grenoble tritt es zu Mustern und Einrichtungsstücken; im davon verschiedenen Stillleben, das heute zum MoMA gehört, in eine nähere Anordnung. Die Bronzegüsse bieten spätere Begegnungen mit der plastischen Form, während die Gemälde Matisses eigene Entscheidung dokumentieren, den Gips in der Malerei einzusetzen. So besitzt der Écorché eine kleine, aber nachvollziehbare Nachgeschichte über verschiedene Medien hinweg. ^{[1] [2] [4]}

Warum erscheint diese Plastik in Auberginengemälden?

Matisse ließ den Écorché nicht als bloße Unterrichtsübung zurück. Fitzwilliam und MoMA vermerken, dass das Gipsmodell in zwei seiner Gemälde von 1911 erscheint: dem Interieur mit Auberginen in Grenoble und einem eigenständigen Stillleben mit Auberginen. Im großen Interieur mit Auberginen tritt ein gestalteter Gegenstand zu Blumen, Paravent, Tisch und den anderen Teilen des gemalten Raums. Die Plastik wird zu etwas, das Matisse anordnen und durch die Malerei erneut betrachten kann. ^{[1] [2]}

Der alte MoMA-Katalog nennt Mrs Bertram Smith als Besitzerin des eigenständigen Auberginenstilllebens. Der aktuelle MoMA-Nachweis zeigt, dass es durch das Vermächtnis von Louise Reinhardt Smith im Jahr 1995 ins Museum gelangte. Der historische Besitzername gehört somit zur Provenienz des Gemäldes und bezeichnet nicht dessen heutigen Standort. Keines der beiden Auberginengemälde ist die Plastik selbst, und keines verrät das Gussdatum der auf dieser Seite fotografierten Bronze. ^{[2] [4]}

Dieser kleine, eng gefaltete Körper unterscheidet sich von der stehenden Masse in Matisses Der Leibeigene, einer weiteren in den frühen 1900er-Jahren entwickelten Plastik. Beide zeigen sein Interesse an Gewicht und Form. Die Quellen belegen jedoch nicht, dass das eine Werk eine vorbereitende Studie für das andere war. Das Skulpturenverzeichnis erschließt das weitere Spektrum seiner dreidimensionalen Arbeiten. Hier bleibt die wesentliche Unterscheidung zwischen einem Modell von 1903 und den einzelnen späteren Güssen, durch die Betrachter ihm heute begegnen. ^[2]